E-Learning-Umgebung der HMDK Stuttgart

In diesem Seminar können Sie Ihr Lecture-Recital vorbereiten. Es geht darum, künstlerische Praxis und Fragen der künstlerisch-theoretischen Reflexion zu verknüpfen. Das Seminar bereitet auf die Bachelor-Prüfung in Form des Lecture Recitals vor.

Hier finden Sie rechtliche Hinweise, die es bei dem Besuch von Schulen in BW zu beachten gilt. Die Informationen gelten sowohl für Studierende, die ihr Orientierungspraktikum durchführen möchten als auch für Studierende, die aufgrund schulbezogener  Forschungsprojekte Schulen des Landes BW betreten, selbstverständlich gelten diese Regelungen auch für Dozenten, die schulbezogene Forschungsprojekte durchführen oder begleiten.

Tuesdays, 9:30-15:30

additional individual lessons as required and by arrangement

Room: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (large building), 3^rd floor

This is the artistic colloquium of the MA programme "Theory and Practice of Experimental Performance". We will meet weekly to look at and discuss your ideas, sketches, showings and finished works. We will help each other with questions, problems and doubts, we will practise giving and receiving feedback and we will engage in feedback emancipation. We will also look at texts, artistic works, modes of working and producing, publicity and so on.

Part of the colloquium is visits to exhibitions, performances and other events that we plan over the course of the semester. Some of these events will take place outside the regular seminar times.

for students of the MA "Theory and Practice of Experimental Performance"

Open to students from other degree programmes by prior arrangement

If you are not studying in the MA "Theory and Practice of Experimental Performance" but would still like to take part, please send me an email until 31 March, 2025: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

///

Performance Studio – Kolloquium des MA Performance

dienstags, 9:30-15:30 Uhr

zusätzlich Einzelunterricht nach Bedarf und Absprache

Raum: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (großes Haus), 3. OG

Dies ist das künstlerische Kolloquium des MA-Studiengangs „Theorie und Praxis experimenteller Performance“. Wir kommen wöchentlich zusammen, um Eure Ideen, Skizzen, Showings und fertigen Arbeiten anzuschauen und zu diskutieren. Wir helfen einander bei Fragen, Problemen und Zweifeln, üben uns im Feedback geben & nehmen und praktizieren Feedbackemanzipation. Darüber hinaus beschäftigen wir uns mit Texten, künstlerischen Arbeiten, Modi des Arbeitens und Produzierens, Öffentlichkeit(en) und und und.

Teil des Kolloquiums ist der Besuch von Ausstellungen, Aufführungen und anderen Veranstaltungen, die wir um Laufe des Semesters planen. Teilweise werden diese Termine außerhalb der regulären Seminarzeiten liegen.

für Studierende des MA „Theorie und Praxis experimenteller Performance"

Nach vorheriger Absprache ist das Performance Studio offen für Studierende aus anderen Studiengängen. Wenn Du nicht im MA „Theorie und Praxis experimenteller Performance“ studierst, aber dennoch teilnehmen möchtest, kontaktiere mich bitte bis 31.03.2025 per Email: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Mondays, 9:30-11:30

Room: 201, Willy-Brandt-Str. 10 (small building), 1st floor

This is a rather advanced movement class in which we dance and explore different physicalities and states. We will be working individually in a group, but also in physical contact and proximity to others.

A certain level of physical fitness and experience in moving will be required.

Continues attendance is a prerequisite. It is still possible to join this course until 14 April, 2025.

If you are not sure, if this class is accessible for you, please get in touch: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

2 ECTS

(module “Techniken” for MA Performance)

Please sign up via Moodle or by email.

///

Arbeiten mit Bewegung: Tanzimprovisation und -exploration

Montags, 9:30-11:30

Raum: 201, Willy-Brandt-Str. 10 (kleines Gebäude), 1. OG

Dies ist ein eher fortgeschrittener Bewegungskurs, in dem wir tanzen und verschiedene Körperlichkeiten und Zustände erforschen. Wir werden individuell in der Gruppe arbeiten, aber auch im körperlichen Kontakt und mit Nähe zu anderen.

Eine gewisse körperliche Fitness und Erfahrung mit Bewegung ist erforderlich.

Eine kontinuierliche Teilnahme ist Voraussetzung. Der Einstieg in diesen Kurs ist noch bis 14. April 2025 möglich.

Wenn Du Dir nicht sicher bist, ob dieser Kurs für Dich zugänglich ist, schreibe mir bitte an: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

2 ECTS

(Modul „Techniken“ für MA Performance)

Bitte melde Dich über Moodle oder per E-Mail an.

Bücher werden übersetzt und verfilmt, Romane in Theaterstücke umgeschrieben, Musikstücke werden für andere Besetzungen transkribiert und „vertanzt“, Romane werden illustriert und Bilder dienen als Inspiration für Musik und Literatur. Diese bei weitem nicht vollständige Aufzählung bringt sehr verschiedene Dinge zusammen, die aber doch etwas gemeinsam haben: Künstlerische Gestaltungen bringen andere künstlerische Gestaltungen hervor, indem Formen zwischen Disziplinen, Medien, Materialitäten, Materiallinien und Praktiken hin- und herwandern. Die Übersetzung ist dabei ein Grenzfall, scheint es doch darum zu gehen, das Gleiche in einer anderen Sprache zu reproduzieren – aber genauer betrachtet kann es das Gleiche nicht noch einmal geben, und jede Übersetzung ist auch immer ein Neuschreiben. Umgekehrt bewahrt noch die loseste Interpretation etwas vom Original. 

Das Seminar wird sich anhand einschlägiger Texte und künstlerischer Beispiele der Frage zuwenden, was für Materiallogiken jeweils im Spiel sind, wie Wiederholung und Differenz sich zueinander verhalten und wie dies analytisch und theoretisch aufgearbeitet und neu gedacht werden kann. 

Ein Reader mit der Seminarlektüre wird in der ersten Sitzung bereitgestellt.

After the recent US election, fascist influencer Nick Fuentes posted a slogan that has since then gone viral: “your body, my choice”. In a sense, this slogan contains all that is wrong with contemporary concepts of masculinity in a nutshell: it is aggressively patriarchal, unapologetically portraying masculinity as forceful domination of women. The fact that this kind of statement is made in the context of an election that was won by Donald Trump reminds us how important this kind of domination is for any kind of authoritarian rule. As widely different as they are, authoritarian regimes can agree on an aggressive anti-feminist and anti-LGBTQI* stance. And the fact that the slogan is a malicious reversal of a well-known feminist statement – “my body, my choice” – shows that this a reactionary backlash against developments that many thought to be irreversible.

Even if we won’t let these people define masculinity, their position cannot be ignored, and masculinity today cannot be extricated from patriarchal society. Where do the problems lie? How are children turned into men? How do gender, race, and class interact? How can masculinity interact with feminism? Can we develop a positive concept and practice of masculinity? 

A seminar reader will be provided in the first session.

English/German

Wednesdays/Mittwoch: 14:00-16:00, please register before via E-mail! /Bitte meldet Euch vorher via E-mail an!

maria.huber@hmdk-stuttgart.de

Ästhetische Theorie der Performance: Das Setting (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

Raum: 8.04.

Dienstag: 16:30-19:30

Erste Sitzung: 29.03.22

 Im Theater oder im Konzert ist in der Regel der Rahmen, in welchem eine Aufführung stattfindet, durch Tradition und Konvention festgelegt: Das Setting der Aufführung – Raum, Bühne, Publikum usw. – ist fest vorgegeben. Im Gegensatz dazu reflektieren experimentelle Performance-Formen ihre Rahmenbedingungen. Sie transformieren, subvertieren oder (mit-)erzeugen das Setting ihres Auftritts. Die Radikalität dieser Reflexion unterscheidet die experimentellen von anderen Performance-Formen. Sie kann als Schwellenzustand beschrieben werden; oder auch nüchterner als Neuverhandlung des Rahmens. Entscheidend dabei ist, dass die Reflexivität des Auftrittsrahmens der künstlerischen Praxis nicht äußerlich ist.

Das Seminar untersucht den Zusammenhang von Kunstpraxis und Auftrittsrahmen. Dieser Zusammenhang hat mit einer jeweiligen Weltauffassung zu tun: mit der Erfahrung und dem Verständnis der Wirklichkeit, die eine Zeit prägen. Die Reflexivität des Auftrittsrahmens stellt die überlieferte Weltauffassung in Frage. Sie versucht, den Transformationen der Gegenwart Rechnung zu tragen: einen Ausdruck für das zu finden, was in der Gegenwart gärt.   

Wir werden im Seminar Begriffe analysieren, die in Hinblick auf diese Problematik eine wichtige Rolle gespielt haben – Begriffe wie „Liminalität“, „Reflexivität“, „Transversalität“; aber auch neuerdings „worlding“ und „Sympoiesis“. Weiters werden wir ausgewählte zeitgenössische künstlerische Positionen besprechen.

Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Pflicht für den Masterstudiengang Theorie und Praxis experimenteller Performance
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK (so auch für BiWi Bachelor und Master), sowie für Studierende der ABK und der Merz Akademie

Die Philosophie beschäftigt sich seit der Antike mit der Schönheit in der Natur und in den Künsten. Dennoch wurde die Ästhetik als eigenständige philosophische Disziplin erst im Europa des 18. Jahrhunderts durch Alexander Gottlieb Baumgarten begründet. Im Zuge dieser Entwicklung beginnt sich erst im 19. Jahrhundert der Begriff der Kunst, wie wir ihn heute verwenden, zu etablieren: Der Singular „die Kunst“ ersetzt den Plural „die schönen Künste“ und vereint die Pluralität der Kunstwerke und Kunstformen. An die Stelle kanonischer Bestimmungen von Form und Inhalt der Künste tritt nun eine neue Weise über Kunst und Kunstwerke nachzudenken. Wie eine Kunstform oder ein Kunstwerk beschaffen zu sein haben, ist nicht mehr vorbestimmt. Inhalte und Formen der Kunst lassen sich nicht mehr normativ bestimmen. Und dennoch ist es weiterhin keineswegs beliebig, was Kunst ist. Der Kunstbegriff bezeichnet nun ein Allgemeines, ein Gemeinsames, das jedoch nur in der Singularität eines Werks (produktionsästhetisch) und einer Erfahrung (rezeptionsästhetisch) denkbar ist. Als ein Allgemeines, das aber nur singulär denkbar ist, stellte der Kunstbegriff für die Philosophie eine Herausforderung dar. Mit dieser Herausforderung begann das Abenteuer der Ästhetik. Wir werden einige Schlüsselmomente dieser Geschichte erkunden, die mit der Infragestellung des Kunstbegriffs insgesamt endet.

 Die Einführung setzt sich in diesem Semester als besonderen Schwerpunkt das Thema „Dialektik“: 1. Das Entstehen der Dialektik von Form und Inhalt, Besonderem und Allgemeinem, Endlichem und Unendlichem. 2. Die Dialektik der Geschichte und der Entwicklung der Kunstformen. 3. Die Negative Dialektik. 4. Die Dekonstruktion und die Kritik der Dialektik.

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik musikbezogen ist

Anmeldung erforderlich!

Produktionsästhetisches Denken hat eine längere Tradition vozuweisen. Im Seminar werden wir es unter dem Begriff eines künstlerischen Handelns fassen, in den wir ausdrücklich auch die musikalische und theatrale Interpretation einbeziehen. Wir werden uns eingehender mit philosophischen, kunstwissenschaftlichen und theaterwissenschaftlichen Texten – also aktuellen Diskursen – befassen, die in den letzten Jahren zu diesem Thema geschrieben worden sind. Als Gast zur Veranstaltung Wissenschaft am Abend soll die Philosophin und Theaterwissenschaftlerin Marita Tatari eingeladen werden, die sich mit dem Buch „Kunstwerk als Handlung“ im Fach Theaterwissenschaften habilitiert hat. Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre und zur Teilnahme an diesem Termin mit Frau Tatari sind Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.

• Die gemeinsame und vorbereitende Textlektüre wird einer Referatsleistung (die wegfällt) gleichgesetzt und angerechnet.

Literatur

• Hantelmann/ Schieder/ Lüthy/ Gludowatz: Kunsthandeln, 2010.
• Daniel Feige/ Judith Siegmund: Kunst und Handlung. Ästhetische und handlungstheoretische Perspektiven, 2016.
• Robert Pippin: Kunst als Philosophie, 2012.
• Marita Tatari: Kunstwerk als Handlung, 2017.
• Kögler/ Pechriggl/ Winter: Enigma Agency. Macht Widerstand. Reflexivität, 2019.
• Hans Joas: Die Kreativität des Handelns, Frankfurt a.M., 1996.

Zeit und Form (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

 Donnerstag: 10.30-12:30                                                                                            

Erste Sitzung 31.03.22

Raum: 8.04.

 Jenseits der formalen Definition von Kunstgattungen und jenseits der Gegenüberstellung von Form und Materie hat Form in der Ästhetik noch einen anderen Sinn. Sie bezeichnet einen künstlerischen Vorgang, der als solcher in Erscheinung tritt. So wird Form prozessual und dynamisch verstanden. Sie hat damit eine eigene, selbstständige Zeit. Diese der Form eigene Zeit entsteht immer im Rahmen einer Epoche und der sie prägenden Zeitauffassung: der Zeitauffassung, die die Gegenwart der Kunstproduktion oder -rezeption bestimmt. Die Eigenzeit der Form steht im Verhältnis zu dieser anderen epochalen Zeit.    

Das Europa des 19. Jahrhunderts stellte sich die Zeit als Fortschritt einer Geschichte vor, die sich in der Entwicklung der Kunstformen widerspiegelte. Im 20. Jahrhundert geriet diese Zeitauffassung in die Krise. Sie wurde brüchig. Heute hat der Maßstab dieser Geschichtsauffassung seine Selbstverständlichkeit verloren. Der globalisierten, postkolonialen Gegenwart kommt nicht eine Zeit zu, sondern viele. Neue Zugänge zur Geschichte finden ihren Ausgangspunkt in der Gegenwart, während das Verständnis von Zukunft sich verändert. Darüber hinaus bringt die Klima- und Umweltkrise noch eine "tiefe Zeit" jenseits der menschlichen Skala zum Vorschein.

 Wir werden im Seminar das Verhältnis von Zeit und Form analysieren und das Thema im Licht der Bedingungen der Gegenwart betrachten. Wir werden Texte lesen und Beispiele zur Diskussion stellen. Im Rahmen des Seminars sind zwei gemeinsame Sitzungen mit dem Labor Aufführungspraxis Neue Musik vorgesehen, sowie zwei transdisziplinäre Begegnungen am Campus Gegenwart unter dem Stichwort „Momente“ und der Mitwirkung u.a. von Prof. Franziska Kötz, Christof Löser und Prof. Nurit Stark. 

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
•  Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik Musikbezogen ist

Der Kurs richtet sich an die Studierenden der Opernschule

• Bitte schreiben Sie sich unter folgendem Link in den Kurs ein: 
  https://learning.hmdk-stuttgart.de/course/view.php?id=370

In diesem Bereich finden Sie weiterführende Unterstützung für die Einrichtung und Verwaltung eines E-Learning-Kurses. In kurzen Videosequenzen werden die ersten, grundlegenden Schritte gezeigt.

Dieser Kurs stellt einige kostenfreie, betriebssystemunabhängige Programme vor, mit welcher Sie ihre Unterrichtsmaterialien (z.B. Hausaufgaben, satztechnische Übungen, etc.) für das digitale Zeitalter präparieren können. 

Dieser Kurs ist aktuell ein rein virtueller Kurs. Jede/r Studierende ist zum virtuellen Beitritt herzlich eingeladen! 

Rhythmik/ Musik und Bewegung

BA-EMP 1.-4. Fachsemester 

 Bei Anmeldung bitte Einschreibeschlüssel unter ruth.woerner@hmdk-stuttgart.de anfordern.

Bei Anmeldung bitte den Einschreibeschlüssel bei ruth.woerner@hmdk-stuttgart.de anfordern.

Anmeldung bitte unter alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de. 

(Aufbaukurs - Voraussetzung: Besuch eines Basiskurses)

Aufbauend auf den Erfahrungen und Erkenntnissen des Basiskurses findet in diesem Kurs eine Vertiefung und Weiterführung der im Basiskurs beschriebenen musikphysiologischen Inhalte statt.

Weitere Schwerpunktthemen: Umgang mit Stress, Atmung, authentischer Ausdruck in Sprache und Musik. Meditation und Stille, Regeneration und Erholung.

di. 17.00-19.00 Uhr     (der Kurs ist belegt)              Beginn. 28.4.2020                                                             

Anmeldung unter: alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de

Ein tänzerisches Bewegungstraining für Musiker*innen, Schauspieler*innen, Sänger*innen ohne körperliche Vorerfahrung.

Schwerpunkte sind Aufbau der Muskulatur und Beweglichkeit, Kondition und Koordination. Das Raumgefühl

Wird durch leichte Choreographieabschnitte, die sich während des Semesters wiederholen, stabilisiert.

Der Zusammenhang von Musik und Bewegung sind Ausgangspunkt und Ziel um eine ganzkörperliche

Bühnenpräsenz zu erlangen.

Catarina Mora

Unterrichtsbeginn: 27.04.19                                                           mo 12-13 Uhr

Der Kurs findet online statt. Anmeldung unter: Info@flamencomora.de 

Psychologisches Projekt der HDMK:

7 Beratungsstunden werden vom AStA der Hochschule mitfinanziert. Der /die Studierende bezahlt 10 Euro pro Stunde. Die Beratung findet real oder am Telefon statt. Bitte direkt anmelden bei: Frau Angelika Heydt: angelika.heydt@arcor.de oder bei Frau Constanze Marggraf: constanzemarggraf@gmx.de.

Modulbeschreibung

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Fortgeschrittene Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1900 und 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1900 und 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik ab 1950 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Dieses Seminar befasst sich mit der Interpretation von Cellomusik des 20. und 21. Jahrhunderts. Aufführungstechniken zusammen mit interpretatorischen Ansätzen und Höranalysen werden im analytischen Kontext und idiomatischen Stil jeder Komposition geübt und diskutiert. Die Cellisten werden ihre interpretatorischen Fähigkeiten durch das Verständnis der Form und Struktur jeder Komposition verbessern, wobei besonderer Wert auf die Verbindung zwischen neuen Cellotechniken, dem Stil einzelner Komponisten und den erforderlichen Hörstrategien gelegt wird, die mit den untersuchten Techniken verknüpft sind. Das Seminar mündet in ein Abschlusskonzert am Ende des Semesters.

Ziel dieses Seminars ist es, eine umfassende kognitive Hörerfahrung von Tonhöhegestalt, Klangfarbe, Zeitablauf, Lautstärke und Artikulation als wesentliche Bestandteile musikalischer Sprache zu fördern. Das Seminar verbindet mehrere miteinander verbundene Perspektiven, die sich mit der grundlegenden musikalischen Funktionen des Gehörs und mit dem bewussten Verstehen von Klang und Musik als Klangsprache befassen. In diesem Zusammenhang ist das Seminar eine Einführung in ein praktisches Bewusstsein für die psychoakustischen Grundlagen des Musikhörens sowie eine Vertiefung der Wahrnehmung von instrumentalen Spieltechniken und der künstlerischen Interpretation. Der künstlerische Ansatz steht im Mittelpunkt des Kurses.

Exemplarische Hörgeschichte der Musik ab dem 15. Jahrhundert

Mo 15:30 – 17:00 Uhr, Raum 8.05; Beginn 31. März 2025

Bach hat es gemacht: er hat z.B. Instrumentalkonzerte von Vivaldi für Orgel umgearbeitet. Beethoven, Brahms, Mahler, Reger, Schönberg, Strawinsky, Hindemith, Zender, Ferneyhough ..., aber auch Palestrina, Josquin und ältere, teils unbekannte Meister: Ganze Werke – eigene oder fremde – haben sie in ein neues Kleid gegossen, bisweilen haben sie aber auch "nur" markante Themen oder bekannte Cantus firmi zu eigenen Werken verarbeitet oder Fragmente vervollständigt.

Was macht ein Stück Musik so faszinierend, dass jemand sich die Mühe macht, ein eigenes Werk daraus zu erstellen? – Ausgehend von dieser Frage machen wir einen Streifzug durch die Musikgeschichte; vergleichendes Hören ist dabei eine elegante, schul- und konzerttaugliche Methode der Annäherung.

Dr. Cordula Pätzold

Montag 14:00 – 15:00 Uhr (voraussichtlich online via Zoom)

Beginn: 29. März 2021; Selbsteinschreibung bis 25. März

Zielgruppe: BA Lehramt, BA Musik, BA Chordirigieren, MA Alte Musik [1 LP]

Das Intervall c-e auf Basis von vier reinen Quinten übereinander ergibt eine Größe von 408 cent, eine reine große Terz auf c entspricht 386 cent. Der Unterschied von 22 cent ist deutlich hörbar und wirkt störend beim Versuch, ein Musikstück möglichst rein zu intonieren.

Bei Chorwerken, aber auch bei Kammermusik ohne Klavier hilft die Analyse mittels Tonnetzen, sich über diese stellenweise „Störung“ bewusst zu werden und entsprechend an einer möglichst „wohlklingenden“ Interpretation zu arbeiten: Welcher Ton ist höher zu intonieren, welcher tiefer? Steht die Melodie im Vordergrund oder der harmonische Zusammenklang?

Ziel des Seminars ist, im Bewusstsein grundsätzlicher Fragen zu Intonation und Stimmung das Analyse-Verfahren mittels Tonnetzen praktisch kennenzulernen und dessen Anwendung zu üben (inkl. des hörenden Überprüfens). Darüber hinaus werden ausgewählte historische Stimmungssysteme besprochen und hörend kennengelernt.

Do 13:00 – 14:00, Raum 10.08

Beginn: 3. April 2025

Contrapunto alla mente, auch als Chanter sur le livre bezeichnet, ist improvisiertes gemeinsames Singen nach bis heute gültigen Regeln aus der Renaissance-Zeit, und zwar auf zwei Arten: 

1. Zu einer gegebenen Melodie (Cantus Firmus) wird spontan eine passende zweite, dritte oder vierte Stimme improvisiert.
2. Ein Kanon (Dux) wird so begonnen und weitergeführt, dass unmittelbar nachfolgende Stimmen (Comes 1, Comes 2) dazu passen und man schließlich gemeinsam endet. 

Musikalisches Vorstellungsvermögen und Voraushören, ein gutes Gedächtnis und eine sichere Bewegung im dur-moll-tonalen (und modalen) Tonraum trainieren wir auf diese Weise ebenso effektiv wie kreativ. 

Tutorium Hörerziehung bei Thomas Topalis

Didaktik/Methodik I für hohe Streicher

Simone Riniker Maier

Freitag, 11-12:30, 8.28

DI 15.00-16.30 Uhr --> ab 25.3.2025, Raum 7.17

Variierendes / Improvisierendes / Musizierendes Lernen und Lehren bis vor ca. 200 Jahren und heute – Bibliographie Klavierpädagogik – Ziele / Methodenrepertoire für Literaturspiel, Spieltechnik, Notenlesen – originale Unterrichtsliteratur vom Barock bis heute (popular und Neue Musik), auch vierhändig

DI 16.45-18.00 Uhr --> Raum 7.17  -- Beginn 25.3.2025

Ziele und Methoden des Anfangsunterrichts Klavier mit Vor- und Grundschulkindern – VdM-Lehrplan – Klavierschulen unter der Lupe: Ziele, Qualitäten, Probleme − Ohren auf! − Eltern im Boot

Das Modul läuft über zwei Semester. Sie können in jedem Semester beginnen. Das nächste Semester hat den Schwerpunkt "Jugendliche/Erwachsene".

DI 16.45-18.00 Uhr --> Raum 7.17  --- Beginn 8.10.2024

Jugendliche: Motivation, Peers, Projekte – Klassik-Hits kreativ – Popsongs hören, spielen, lesen – hAPPy Tutorials? – Etüden musikalisch & methodisch vielfältig − sicher performen − Gedächtnis − Wettbewerbe – Kammermusik

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an BA Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik Klavier und Interessierte. Beginn ist in jedem Semester möglich.Das nächste Semester hat den Schwerpunkt "Künstlerisches Klavierspiel".

Das Modul widmet sich dem vielseitigen Berufsfeld des Unterrichtens und bietet einen ersten Einblick in zentrale Kernthemen der Instrumentalpädagogik, wie beispielsweise Motivation, Üben, Lernfelder, Lernwelten, Vermittlungsmethoden, Kommunikation, Spiele im Instrumentalunterricht, Umgang mit Fehlern und Bildungskooperationen. Diese werden praxisnah und interessensgeleitet diskutiert und reflektiert.

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und alle Interessierten!

Das Modul widmet sich dem vielseitigen Berufsfeld des Unterrichtens und bietet einen ersten Einblick in zentrale Kernthemen der Instrumentalpädagogik, wie beispielsweise Motivation, Üben, Lernfelder, Lernwelten, Vermittlungsmethoden, Kommunikation, Spiele im Instrumentalunterricht, Umgang mit Fehlern und Bildungskooperationen. Diese werden praxisnah und interessensgeleitet diskutiert und reflektiert.

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und alle Interessierten!

DI 10.00-11.30 Uhr
-- 2. Semester
--> ab 25.3., Raum 7.17

Zentrale Aspekte von musikalisch-instrumentalem Lernen und von Instrumentalunterricht werden praxisbezogen reflektiert und diskutiert: Ziele von Instrumentalunterricht – IGP im wissenschaftlichen Kontext – Lernwege / Übemethoden: Chunking, Musizierendes Lernen, wildes Lernen, differenzielles Training – Motivation – Musikalität / Begabung – schwarze Pädagogik vs. pädagogische Professionalität – Rolle der Eltern / Elternarbeit – Kommunikation im Unterricht – Musikschule heute: Strukturen & Perspektiven – Bildungskooperationen – Reformpädagogik, Wandervogel & Jugendmusikbewegung vor gut 100 Jahren – Didaktik/Methodik: Tonhöhen erfassen incl. Solmisation, Rhythmusgefühl etc. – Notenlesen – EMP – berufskundliche Fragen wie Steuer/Versicherungen, Stellenprofile/Bewerbungen

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und Interessierte.

Informationsplattform für Studierende des Masters IGP Gesang

Ganztag, demographischer Wandel, Globalisierung, kulturelle Vielfalt, Inklusion – all dies sind Schlagwörter, die in den letzten Jahrzehnten die Tätigkeiten von Instrumental- und Gesanglehrenden verändert haben: Eine höchst individuelle Unterweisung im Rahmen des jahrhundertelang vorherrschenden Einzelunterrichts für eine verhältnismäßig kleine privilegierte Gruppe – auch in Form der Elitenförderung – wurde in diesem Zuge durch Konzepte einer gemeinschaftsorientierten Bildung „für alle“ (wie beispielsweise im Rahmen von „Musik für alle“ an der Stuttgarter Musikschule) erweitert. Beide Pole konkurrieren im Kampf um die wenigen freien Zeitfenster – nicht nur von Kindern und Jugendlichen – und die Sorge um ein florierendes kulturelles Leben steigt nicht zuletzt auch aufgrund des zunehmenden Fachkräftemangels. Institutionelle Bildungskooperationen, die lange Fahrzeiten und häufige Ortswechsel sowie Kompetenzen in der Anleitung von höchst heterogenen Gruppen erfordern sowie eine „Aufsuchende Musikpädagogik“, die sich an Gesellschaftsgruppen richtet, die bislang wenig Teilhabe und Teilnahme an der Hochkulturszene haben, seien dabei nur zwei Beispiele, die Instrumental- und Gesanglehrende heraus- und überfordern können. Im Spannungsfeld zwischen Traditionsbewahrung und Innovationsbedürfnis bzw. Erneuerungsbedarf werden wir in diesem Seminar Visionen für zukünftige Musikschul- und professionelle Berufstätigkeitsmodelle entwerfen und diskutieren.

Das Seminar weist einen inhaltlichen Bezug zu folgendem Symposium auf:

Fit für die Zukunft!?

Entwicklung von Musik(hoch)schulen im 21. Jahrhundert

aus künstlerischer und musikpädagogischer Perspektive

Ein Symposium aus Anlass des 40-jährigen Bestehens der Zeitschrift üben & musizieren

Freitag, 3. Mai 2024 (ab 13.00 Uhr) bis Samstag, 4. Mai 2024 (bis 17.00 Uhr)

Universität der Künste Berlin

Joseph-Joachim-Saal, Carl-Flesch-Saal – Bundesallee 11, 10719 Berlin

https://www.udk-berlin.de/studium/kuenstlerisch-paedagogische-ausbildung/symposium/

Anmeldung bis zum 23.04.2024 über symposium@muho-mannheim.de.

Die Teilnahme an der Exkursion ist keine Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar. Diese kann als doppeltes Blockseminar des Studio IP anerkannt werden.

Das Kolloquium dient dem Austausch und der Begleitung von Master IGP-Studierenden, die aktuell ihre Masterarbeit schreiben und/oder künstlerisch-pädagogische Forschungsprojekte planen und durchführen möchten. Neben der Vorstellung der Projekte der Teilnehmenden, die hinsichtlich ausgewählter Aspekte diskutiert werden, werden weiterführende Ansätze, Theorien, Materialien und Fragestellungen adressiert und forschungspraktische Zugänge und Instrumente betrachtet, die sich direkt aus den Fragen und Anliegen der Teilnehmenden – auch im Rahmen der Praktika – ergeben. Die Teilnehmenden erhalten dabei Anregungen von der Entwicklung und Formulierung einer Fragestellung, über Planung, Forschungsdesign, Durchführung bis hin zur Auswertung eigener künstlerisch-pädagogischer (Forschungs-)Projekte.

s. Konzert am 14.4.25

Laboratorium zum gemeinsamen, theoretischen wie praktischen "Erforschen" musikalischer Phänomene (wie z.b. Naturtonreihe, Zusammenhang zwischen Intervallen und Rhythmen).

Ein Blick über den Tellerrand der uns vertrauten Praxis und Konzeption des Musizieren wird gewagt.

Jede Teilnehmerin / jeder Teilnehmer kann Musik vorschlagen (egal aus welchem Genre), welche dann zusammen gehört, nach-gedacht und nach-gespielt wird.

Jazz Theorie I (2024/2025)

Mittwoch, 14:00 Uhr - 15:30 Uhr

Raum 10.05

Volker Engelberth

Die Studierenden erwerben grundlegende Kenntnisse in der instrumentalen Bearbeitungspraxis von Jazz- und Popularmusik. Diese umfasst neben dem zentralen Tonsatz auch Instrumentenkunde, Notationspraxis sowie Repertoirekunde und Analyse. Durch theoretische und praktische Übung der gängigen Satzarten verbessern sie ihr Gespür für Voicings und Stimmführung und damit auch ihre Notations- und Lesekompetenz. Dazu treten Übung einfacher kompositorischer Modelle und die Grundlagen des Vokalarrangements.

Schüttler | Di, 11-13 Uhr s.t. | Raum 8.05
Musik und Politik

Musik und Politik gehen schon seit Jahrhunderten immer wieder unterschiedliche
Verbindungen ein. Aber erst im 20. Jahrhundert entwickelte sich in Europa eine Musik,
die sich explizit als politisch begriff und auf konkrete Veränderungen gesellschaftlicher
Realitäten abzielte. Komponisten wie Hanns Eisler oder Kurt Weill verwendeten dafür
nicht nur die populäre Musik ihrer Zeit, sondern auch kritische Texte von Brecht,
Tucholsky oder Majakowski.
Nach dem zweiten Weltkrieg entwickelten sich unterschiedliche Konzepte politischer
Musik weiter. Im Bereich der notierten Musik, aber auch in unterschiedlichen Formen
populärer Musik rückten politische Themen besonders in den 60er und 70er Jahre
immer stärker in den Vordergrund.
In einer stark politisierten Gegenwart hat die Verbindung aus Musik und Politik erneut
andere Formen angenommen. Sei es in Aktivismus, Performance oder Medienkunst, in
Debatten um Klimawandel, Urheberrecht, Postkolonialismus und Diversität – das
Politische ist auch in der Musik aktueller denn je.
Ausgehend von Themen unserer Gegenwart untersucht das Seminar „Musik und
Politik“ Möglichkeiten, Fragen und Kritik musikalisch-politischer Konzepte, ordnet sie
historisch ein und versucht eine Annäherung an das Problemfeld mithilfe eigener
künstlerischer Versuche.

The CCSS course at Studio for Electronic Music (StEM), led by Marco Bidin, aims primarily to provide the essential tools to develop a musical and technical awareness of computer-generated sounds. For this purpose, the group focuses on working in OpenMusic, especially with the library OM-Chroma.

Thanks to the intuitive visual programming in the OpenMusic environment, the students engage in learning the classic synthesis techniques, experimenting with creative methods of control, and in including the generated sounds in their compositional thinking and formalisation of musical ideas. The students also learn a critical approach to the sound results by active listening, spectral analysis in Audiosculpt, and revising the synthesis information from the CSound scores generated by OM-Chroma.

2SWS Seminar + 2 SWS Übung

Course director: Marco Bidin 

Analyse und Diskussion aktueller musikalisch/künstlerischer Fragen (offen für Interessierte)

In diesem Seminar geht es darum, Forschungsansätze im Bereich der künstlerisch-wissenschaftlichen Forschung (im Englischen bekannt unter Artistic Research) kennenzulernen, und mögliche Handlungsoptionen für eigene Fragestellungen zu entwickeln.

Das Seminar ist für Studierende aller Bachelor- und Masterstudiengänge im Bereich Musik offen.

Hochschulübergreifendes Seminar Musikpädagogik: Martina Benz (Mannheim), Julia Lutz (Essen), Katharina Schilling-Sandvoß (Frankfurt), Elisabeth Theisohn (Karlsruhe) [4 ECTS]

Blockseminar an der Musikhochschule Mannheim vom 22.09.2025 (ab 11 Uhr; Anreise ggf. bereits am Vortag) bis 26.09.2025 (15 Uhr) 

Zielgruppe: Lehramtsstudierende mit dem Fach Musik (alle Schulformen) 

Im Rahmen des hochschulübergreifenden Seminars setzen wir uns damit auseinander, in welcher gesellschaftlichen Verantwortung der Musikunterricht steht und welche Konsequenzen sich daraus für musikpädagogisches Handeln von Musiklehrkräften ergeben. Dabei beleuchten wir Felder der Musikpädagogik, die hinsichtlich gesellschaftlicher Transformationsprozesse und aktueller Entwicklungen von hoher Relevanz sind (wie bspw. BNE, Inklusion, transkulturelle Musikpädagogik, Demokratiebildung). Davon ausgehend spüren wir auf, wo sich im musikpädagogischen Handeln Spiel- und Wirkungsräume eröffnen und entwickeln lassen. 

Beim Besuch einer Schule mit dem Förderschwerpunkt körperliche und motorische Entwicklung erhalten wir Einblick in die Praxis inklusiven Musikunterrichts. Ein weiterer Baustein ist die Durchführung eines Barcamps als demokratisches Konferenzformat, bei dem alle Teilnehmenden zu Impulsgebenden werden können. Darüber hinaus möchte das Seminar dazu anregen, Visionen zu entwickeln, wie sich Musik-Lernen und -Lehren in gesellschaftlicher Verantwortung an der eigenen Hochschule (mit-)gestalten lässt. 

Wichtige Hinweise: 

• Die Anmeldung erfolgt über die Studiengangsleitung der Lehramtsstudiengänge an der jeweiligen Hochschule bis zum 30.05.2025. Von jeder Hochschule kann eine Person teilnehmen. Weitere Personen können ggf. nachrücken. Bitte melden Sie sich als Studierende der HMDK Stuttgart bei Interesse AB SOFORT via Mail bei Prof. Dr. Sointu Scharenberg. Wenn andere Hochschulen niemanden melden, können auch mehr Studierende nachrücken, Ihre Meldungen werden in der Reihenfolge der Anmeldung weitergegeben.
• Die angemeldeten Studierenden erhalten bis 13.06.2025 Bescheid über die Möglichkeit der Teilnahme. 
• An- und Abreise sind selbstständig zu organisieren. Finanzielle Unterstützung für Fahrtkosten und Unterkunft leistet üblicherweise die Heimathochschule und muss dort beantragt werden. – Für Studierende der HMDK Stuttgart gilt die Vereinbarung, dass die Hochschule keinerlei Unterstützung finanzieller Art bietet, ideell jedoch die Teilnahme gerne unterstützt. Wer ein Stipendium bezieht, kann dort nachfragen, zumeist gibt es Zuschüsse.
• Die teilnehmenden Studierenden erhalten Informationen zur Unterbringung bzw. zu eventuell anfallenden Kosten mit dem Teilnahmebescheid. 
• Leistungsnachweise auf der Basis von Seminararbeiten können erworben werden. Dazu ist eine vorherige Rücksprache mit der Studiengangsleitung am entsendenden Standort erforderlich. Aufgrund der Inhalte und Methoden kann das Seminar als Hauptseminar anerkannt werden, wenn eine entsprechend umfangreiche Hausarbeit (i.d.R. mehr als 20 Seiten) bei einem Mitglied des Leitungsteams eingereicht wird. Mit Ihrer Anmeldung sorgt die HMDK dafür, dass Ihre Note später direkt an das Sekretariat der Fak I übermittelt wird.

Dieses Seminar richtet sich an Masterstudierende im Praxissemester und findet in Kooperation mit StD’in Andrea Amann vom Studienseminar Stuttgart statt. Besonderer Fokus liegt in diesem Seminar auf dem Umgang mit Heterogenität im Musikunterricht. Dabei werden zunächst im Studienseminar Beobachtungsschwerpunkte identifiziert, die in dem abschließenden Blockseminar an der Musikhochschule besprochen und reflektiert werden. Fachdidaktische Aspekte im Hinblick auf den Umgang mit Diversität werden dabei sowohl vor dem Hintergrund der Tiefenstrukturen diskutiert als auch unter Einbezug der spezifisch musikpädagogischen Diskurse zum heterogenitätssensiblen Musikunterricht.
Grundlage für die theoriegeleitete Praxisreflexion bilden Texte, die sowohl musikpädagogische als auch allgemein erziehungswissenschaftliche Positionen repräsentieren. Ziel des Seminars ist es die professionelle Wahrnehmung von Unterricht in der Praxis weiterzuentwickeln und darauf aufbauend individuelle Erfahrungen theoriegestützt zu reflektieren.
Um Voranmeldung wird gebeten: christiane.lenord@hmdk-stuttgart.de

Montag,   10 – 11 Uhr, Raum 10.01 und via Zoom - hybrid - (Scharenberg), Beginn: 14.10.2024  oder

Mittwoch, 9 – 11 Uhr, via Zoom (Lenord), Beginn: 16.10.2024

Im Masterbereich des Lehramtsstudiums sind die fachdidaktischen Anteile zu einem Integrativen Projekt geblockt, das Sie weitgehend eigenständig über zwei Semester hinweg begleitet durchführen. Dabei sollen Sie Kompetenzen in der Konzeption, Durchführung und Vermittlung von künstlerisch, künstlerisch-wissenschaftlich oder wissenschaftlich motivierten Forschungsprojekten zur Lösung selbst entwickelter musikdidaktischer Fragestellungen erlangen. 

Dazu kombinieren Sie zeitlich begrenzte Expertisen aus mindestens zwei von Ihnen gewählten Fächern (die gerne auch universitäre Fächer wie bspw. die Erziehungswissenschaft einschließen dürfen) mit einer regelmäßigen wissenschaftlichen Beratung aus der Musikpädagogik mit Schwerpunkt auf der Fachdidaktik, die Ihnen über das gesamte Projekt hinweg zur Verfügung steht.

Ziel des Projektes ist die Entwicklung eines forschenden Habitus, der zu wissenschaftlich begründeter Darstellung fachdidaktisch motivierter Sachverhalte und Fragestellungen im schulpädagogischen Kontext führt (‚reflective teacher‘), daneben soll Ihre Kenntnis verschiedener Forschungsansätze und -methoden sowie dem Gegenstand angemessener Präsentations- und Vermittlungstechniken gefördert werden. 

Für alle, die mit ihrem Projekt im WS 2024/25 neu in ihr Projekt starten oder sich in Projektplanungs- und -durchführungsphasen befinden, besteht das Angebot des Seminars darin, sich über die eigenen Projektvorhaben und dabei auftretende Fragen im Rahmen des Kolloquiums auszutauschen. Im Moodle-Kurs können Sie in laufende Projekte hineingucken, dort finden Sie detailliertere Informationen, die z.T. von den TeilnehmerInnen der vorangegangenen Jahrgänge angeregt, diskutiert und präzisiert wurden. Befindet sich Ihr Projekte in der Abschlussphase, dann stehen Überlegungen zur angemessenen Präsentation an. 

Dr. Cornelia Wild, HfM Karlsruhe, a.G.

Blockseminar [3 ECTS]

Fr,    11. April             14.30 – 19 Uhr    in Raum 5.51
Fr,     9. Mai               14.30 – 19 Uhr    in Raum 5.51
Fr,   27. Juni              14.30 – 19 Uhr    in Raum 5.51
Mi,  24. September       10 – 18 Uhr    in Raum 8.34 
Do, 25. September        9  – 14 Uhr    im Konzertsaal

Dieses Proseminar ist wahlweise im BA LA Gym als Proseminar Musikpädagogik FD oder als FD Wahl für Musikpädagogik anrechenbar.

In diesem Jahr sind Studierende der HMDK Stuttgart GastgeberInnen der Arbeitsphase zum 30jährigen Jubiläum des Bundesschulmusikorchesters. Das BSMO ist ein Orchesterprojekt von und für SchulmusikerInnen, das im Kern aus einer Arbeitsphase und drei Konzerten besteht. Unter der musikalischen Leitung von Prof. Richard Wien werden 2025 Auszüge aus den Romeo und Julia-Suiten (Prokofiev) und die Rhapsodie über ein Thema von Paganini (Rachmaninov) erarbeitet. Das Besondere daran: Eines der Konzerte ist ein SchülerInnenkonzert, in dem Auszüge des Programms für Schulklassen aufbereitet und zugänglich gemacht werden. 

Dieses Seminar stellt die Konzeption und Durchführung des SchülerInnenkonzerts am 25. September 2025 in der HMDK ins Zentrum. Gemeinsam mit Frau Dr. Cornelia Wild (HfM Karlsruhe) entwickeln die SeminarteilnehmerInnen ein eigenes Konzept, das aktuelle Methoden der Konzertgestaltung und konzertpädagogische Ansätze aufgreift. Storytelling, Interaktionen und Moderationen sind Teil der Vorbereitung und werden praktisch wie theoretisch erarbeitet. Am Ende werden die Studierenden ihr eigenes Konzept gemeinsam mit dem BSMO auf die Bühne bringen und moderieren. 

Dieses Seminar ist für alle interessierten Studierenden gedacht, auch wenn sie (derzeit) keine Mitglieder im BSMO sind, zudem offen für Studierende der HfM Karlsruhe. Die Anmeldung erfolgt über den Moodle-Kurs. Die Teilnehmerzahl ist auf 12 begrenzt. 

Liebe Studierende, wir haben die oben angegebene Höchstzahl der Teilnehmerinnen erreicht und überschritten. Wer sich nun noch einträgt, kommt nach Meldungsdatum auf eine Liste. Wir dürfen aus Sicherheitsgründen nur eine bestimmte Anzahl TeilnehmerInnen in die Räume lassen, so dass Frau Dr. Wild die Zahl auf höchstens 15 beschränken muss. Das sind noch zwei Plätze mit Stand 20.3.2025 um 20:30h. Bitte haben Sie dafür Verständnis.

S. Scharenberg

Musikunterricht entwickeln und erforschen – Unterrichtspraxis im Fokus                             Forschenden Lernens [3 ECTS]

Dienstag, 9 – 11 Uhr (c.t.), Raum 08.34

Beginn: 1. April 2025

Studierenden soll in diesem Seminar die Möglichkeit gegeben werden, Musikunterricht anhand eigener Fragestellungen zu entwickeln und anschließend zu erforschen und zu reflektieren. Ziel des Seminars ist es, durch den forschenden Zugang Reflexionsmethoden zu erlernen, die helfen können, den zukünftigen eigenen Unterricht immer wieder kritisch zu beleuchten und zu entwickeln. 

Im Rahmen des Seminars werden Unterrichtsstunden gemeinsam entwickelt und am Eberhard-Ludwigs-Gymnasium durchgeführt, um diese anschließend mit Methoden aus der Schul- und Praxisforschung, v.a. Interviewtechnik, Fragebogen und Beobachtung zu evaluieren. Die gewonnenen Ergebnisse werden dabei jeweils Grundlage für die Planung einer weiteren Unterrichtsstunde sein. Im Abschluss des Seminars werden sowohl die gewonnenen Forschungsergebnisse zusammengeführt als auch die individuellen Unterrichtserfahrungen reflektierend in Form von Präsentationen dargestellt. 

Voraussetzung für einen Leistungsnachweis ist die aktive Arbeit an dem gemeinsamen Forschungsprojekt mit Unterrichtsbesuchen am Eberhard-Ludwigs-Gymnasium.

Da die Seminarplätze begrenzt sind, wird um eine Anmeldung vorab gebeten unter: christiane.lenord@hmdk-stuttgart.de

Das Seminar vermittelt einen Einblick in die Inhalte musikbezogener wissenschaftlicher Disziplinen und in das wissenschaftliche Arbeiten überhaupt: Quellen – Literatur – Nachschlagewerke – Musikgeschichten usw. Anhand praktischer Beispiele üben wir die Technik der Literaturerschließung: Bibliographie – Bibliothekskatalog – Online-Recherche. Daran schließen sich (alltags-)praktische Fragen der Seminararbeit an: Wie halte ich ein Referat? Wie wird daraus eine Hausarbeit? Darf ich mit ‚Wikipedia‘ und künstlichen Intelligenzen arbeiten…? Ausgehend von konkreten Beispielen und ausgewählten Texten werden grundlegende Fragen der Auseinandersetzung mit Musik diskutiert: Was unterscheidet wissenschaftliche und populäre Biographik? Was ist eine musikalische Gattung? Wofür brauche ich wissenschaftliche Notenausgaben? 

Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die regelmäßige Bearbeitung kleinerer Aufgaben zu den Sitzungen sowie ein Kurzreferat und dessen Verschriftlichung in einer kurzen Hausarbeit vergeben. Die Teilnahme am zugehörigen Tutorium ist verpflichtend.

Dienstag, 16-18 Uhr (c.t.), Raum 08.28  (Prof. Dr. Andreas Meyer)

Tutorat: Donnerstag, 13-14 Uhr, Raum 8.28  (Iolanthe Köcher)

Prof. Dr. Michael Kube MA (LIS)

Erwin Schulhoff.
Komponist zwischen den Stilen

Dienstag, 20 Uhr – 21:30 Uhr, Raum 8.28 (unregelmäßig)
Einzelne Seminar-Termine finden per Zoom statt.

Vorgesehen ist eine Exkusion nach Prag in dem Zeitraum von Montag, 3. Februar 2025, bis Mittwoch 5. Fenruar 2025 (ganztags). Die Teilnahme daran ist verpflich-tend und für eine benotete Leistung (neben Referat und Hausarbeit) zwingend.

Beginn: 15. Oktober 2024

Begrenzte Teilnehmerzahl.
Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 13. Oktober 2024.

Wohl in keiner anderen Komponistenbiographie spiegeln sich die mit den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts einhergehenden gesellschaftlichen wie auch kulturellen Aufbrüche, Umbrüche und Abbrüche so beispielhaft wie in der von Erwin Schulhoff (1894–1942), der „auf eine frappierende Weise senkrecht startete, bald aber in eine tangentiale Bahn einschwenkte, brutal an- und abgeschossen, schließlich jämmerlich zugrunde gerichtet und, kaum weniger tragisch, bald ver-gessen wurde“ (Heinz Joseph Herbort). Wie kein zweiter Komponist traf Schulhoff mit seiner eigentümlichen stilistischen Melange aus überlieferten Gattungen und Formen, dem (Tanz-)Jazz entlehnten Rhythmen, einer erweiterten und teilweise linear ausgerichteten Tonalität sowie einer bisweilen neobarocken Attitüde in der Mitte der 1920er Jahre den Nerv der Zeit. Dennoch gelang es ihm nicht, sich mit repräsentativen Werken auf der Bühne und im Konzertsaal auch nur annähernd durchzusetzen; die wenigen Erfolge blieben singulär und an sein eigenes Auftreten als Pianist gekoppelt. – Im Seminar wird der kompositorische Weg von Erwin Schulhoff an ausgewählten Werken und Textes nachvollzogen (Klaviermusik, Kammermusik, Oratorium, Sinfonik)sowie in die Musikgeschichte der 1920er und frühen 1930er Jahre eingebettet.


Einführende Literatur:
•    Josef Bek, Erwin Schulhoff. Leben und Werk, Hamburg 1994 (= Verdrängte Musik Bd. 8).
•    Josef Bek, Art. Erwin Schulhoff, in: Komponisten der Gegenwart, München 1992 und 1998.
•    Michael Kube, Art. Erwin Schulhoff, in: Die Musik in Geschichte und Gegenwart. Personenteil Bd. 15, Kassel 2006, Sp. 222–226.
•    Miriam Weiss, «To make a lady out of jazz». Die Jazz-Rezeption im Werk Erwin Schulhoffs, Neumünster 2011.

Donnerstag, 16–18 Uhr (c.t.), Raum 8.28
Beginn: 17.10.2024  (Anmeldung im e-learning oder in der 1. Sitzung)

Der musikalische Exotismus startet im 18. und 19. Jahrhundert als pittoreske Inszenierung des Fremden – z.B. in der „Türkenoper“ bei Mozart und anderen oder als schwelgerische Idee vom „Orient“ im französischen Orchestergesang. Er schafft einen illusionären Raum für Erfahrungen, die es in Europa nicht gab: fabelhaften Luxus, raffinierte Sinnlichkeit, äußerste Grausamkeit … In der Neuen Musik des 20. Jahrhunderts geraten die Grenzen von Eigenem und Fremden in Bewegung – Komponisten lassen sich selbst befremden, wollen bewusst Stereotype überwinden oder suchen nach „dritten Räumen“ der Begegnung. Im Jazz oder im Rhythm&Blues ist die Aushandlung zwischen „weißen“ und „schwarzen“ Anteilen konstitutiv. Mittlerweile steht potentiell dieser ganze Bereich unter dem Stichwort „kultureller Aneignung“ in der Kritik – bis hin zum Aufregerthema in den Feuilletons und sozialen Medien (man denke an die Debatten um „mexikanischen“ Volkstanz bei der Bundesgartenschau und Reggae mit oder ohne Dreadlocks).

Im Seminar lesen wir Ausschnitte aus theoretischen und feuilletonistischen Positionierungen und beleuchten exemplarische Fälle – z.B. Werke und Werkausschnitte von Mozart, Saint-Saëens, Ravel, Delage, Bartók, Boulez, Pagh-Paan, Bhagwati … Mögliche Themen aus dem populären Bereich sind die Anfänge des Blues, des Rock´n´Roll, des HipHop oder auch aktuelle Fallbeispiele je nach Interessen und Vorkenntnissen.

Mittwoch, 18–20 Uhr (c.t., 14-tägig), Raum 8.04

Beginn: 23.10.2024 (Präsenzveranstaltung; keine vorherige Anmeldung erforderlich)

Aktuelle Fragen der Forschung – Lektüre von Neuerscheinungen – Betreuung entstehender Masterarbeiten und Dissertationen

Die systematische Ermordung der europäischen Jüdinnen und Juden durch das nationalsozialistische Deutschland und seine Verbündeten stellt die Musik vor ein Problem. Einerseits entzieht sie sich der Darstellung. Andererseits lässt sich der Holocaust nicht einfach ignorieren und es gibt ein deutliches Interesse verschiedener Komponist:innen, dieses Thema aufzugreifen. Kompositionen, die die Shoa thematisieren, können Medien der Erinnerung sein, Zeugnis vom Grauen ablegen und so auch bestimmte Vorstellungen der Shoa vermitteln.

Im Seminar werden unterschiedliche kulturwissenschaftliche und philosophische Ansätze behandelt, die sich mit den Chancen und Risiken von „Holocaust-Kompositionen“ beschäftigen, und sich der musikalischen Analyse und Deutung solcher Musikstücke gewidmet. Leitende Fragen sind dabei bspw.: Welche Vorstellungen der Shoa vermitteln die Werke? Inwieweit wird das Problem der Darstellbarkeit der Shoa in den Werken reflektiert?

Am Anfang war die New Yorker South Bronx der 1970s. Die Teilnehmer:innen des Seminars analysieren Quellen und Diskurse des frühen HipHop und recherchieren zu den Ursprüngen von DJing, MCing, Breaking und Graffiti (mit Fokus auf die Musik). Wir nähern uns den kanonisierten Pionieren, aber auch Black und Latinx Women und anderen, weniger bekannten Figuren und Vorgänger:innen. Danach verfolgen wir den Aufstieg des HipHop zur globalen Popkultur bis hin zu seinem ‚Golden Age‘ um 1990 – mit abschließenden Abstechern in die Gegenwart. Das Seminar hat einführenden Charakter, bietet aber auch Gelegenheit zur Vertiefung von Aspekten, für die sich die Studierenden selbst entscheiden können. 

Di 16–18 Uhr c.t., 8.04
Beginn: 15.10  (vorherige Kontaktaufnahme per e-mail erbeten)

Kein anderer Komponist hat um 1910 den Anspruch einer (später so genannten) Neuen Musik so radikal formuliert wie Arnold Schönberg. Neuartige Besetzungen, Farben und Spielweisen, „atonale“ Harmonik, kurze (Klavier-)Stücke von manchmal nur wenigen Takten Länge, im Einzelfall sogar der Verzicht auf thematische Arbeit – Schönbergs expressionistische Phase steht für einen euphorisierenden Aufbruch, wenn man so will: einen „Musikstil der Freiheit“ (Theodor W. Adorno). Zugleich bevölkern neue, teils bizarre und unheimliche Figuren seinen musikalischen Kosmos, allen voran „Pierrot lunaire“ aus Bergamo (so in den für „Sprechstimme“ komponierten Gedichten Albert Girauds).

Im Seminar erarbeiten wir musikalische Werke Schönbergs aus dieser Zeit, darunter das 2. Streichquartett, die Georgelieder, das Monodram Erwartung, die Klavierstücke op. 11 und op. 19. Wir lesen Ausschnitte aus dem theoretischen bzw. literarischen Werk der Zeit und werfen einen Blick auf Schönbergs Ausflüge in die Malerei. Die neuere Forschung erschließt unerwartete Querverbindungen zu Schönbergs „Lebenswelten“ der Zeit, sowohl im Privaten als auch in der beschleunigten Modernisierungserfahrung in Wien und Berlin vor dem Ersten Weltkrieg.

Für Ende November/ Anfang Dezember ist ein Arbeitswochenende in schöner Umgebung (z.B. auf Schloss Kapfenburg) angedacht, bei dem wir uns frei von Ablenkungen ganz einem einzelnen Werk widmen: Pierrot lunaire op. 21 (kleiner Exkursions-Eigenanteil erforderlich). Danach werden die wöchentlichen Seminarsitzungen schon vor Weihnachten beendet. Bei Interesse am Seminar und am Pierrot-Wochenende nehmen Sie bitte nach Möglichkeit schon vor Semesterbeginn Kontakt auf (andreas.meyer@hmdk-stuttgart.de), die verbindliche Anmeldung zum Seminar erfolgt in der ersten Woche.

In diesem Seminar werden wir uns mit Musik im Laufe des Lebens beschäftigen, von den ersten musikalischen Erfahrungen bis hin zu den letzten. Dabei geht es zum Beispiel darum, wie sich musikalische Vorlieben entwickeln, wie Kleinkinder auf Musik reagieren und mit ihr interagieren, ob es ein Alter gibt, wo viele Menschen mit dem Musizieren aufhören und welche Vorteile auch ältere Menschen vom Musizieren haben. Wir unterscheiden dabei auch zwischen Amateur- und Profimusikern und welche Bedürfnisse bzw. Fähigkeiten diese im Laufe des Lebens haben und wie sie sich verändern. Im Seminar gibt es ebenfalls die Möglichkeit, eigene Themenwünsche zu diesem Oberthema einzubringen.

Dienstag, 14 – 16 Uhr (c.t.), OPR

Beginn: 1. April 2025  (Präsenzveranstaltung, keine Voranmeldung erforderlich)

 Wohl kein anderes Medium hat im 20. Jahrhundert einen solchen Aufschwung erlebt wie der Film. Und bis heute ist das Kino – bzw. fiktionales Erzählen in diversen audiovisuellen Formaten – ein Leitmedium unserer Gegenwart. In auffälligem Missverhältnis dazu steht die jahrzehntelange Marginalisierung der Komposition für den Film in der Musikgeschichtsschreibung. Aus heutiger Sicht lässt sich die Musik des 20. und beginnenden 21. Jahrhunderts nicht erzählen ohne Max Steiner und Miklos Rósza, Leonard Rosenman, Ennio Morricone, John Williams und Hans Zimmer. Hinzu kommen Regisseure und Produzenten wie Walt Disney, Jean Cocteau oder Stanley Kubrick, die auf je eigene und originelle Weise unser Verständnis von komponierter Musik und bewegten Bildern geprägt haben. Auch Komponisten der „ernsten“ bzw. autonomen Musik haben entsprechende Arbeiten keineswegs nur als kommerziellen „soundtrack“ begriffen.

Die Vorlesung thematisiert ausgewählte Stationen einer noch zu schreibenden Geschichte der Filmmusik im 20. und frühen 21. Jahrhundert. Zugleich verständigen wir uns über vorhandene Ansätze einer Theoriebildung zum Thema. Dabei geht es zum Beispiel um Funktionen von Filmmusik, um Sinn oder Unsinn musikalischer „Verdopplung“ dessen, was man sowieso sieht, um das Verhältnis von diegetischer und nicht-diegetischer Musik und um „sound design“ unter den Bedingungen der fortgeschrittenen digitalen Produktion.

Dienstag, 14 – 16 Uhr (c.t.), OPR

Beginn: 15. Oktober 2024

Bis heute werden im populären Bewusstsein gut dreieinhalb Jahrhunderte europäischer Musikgeschichte von ca. 1400 bis 1750 mit den mehr oder weniger ungeeigneten Stil- und Epochenbezeichnungen Renaissance und Barock belegt. Zum obligatorischen Überblick über zentrale Gattungen und Komponisten treten in dieser Vorlesung hingegen die Einbindung der Musik in übergreifende politik-, mentalitäts- und mediengeschichtliche Entwicklungen (Reformation, Beginn der kolonialen Expansion, Notendruck, Naturbeherrschung, Absolutismus) sowie der stets in musikalischen Strukturen schlummernde kommunikative Gehalt und seine ideengeschichtlichen Rückwirkungen (Konturierung von Komponistenbegriff und Werkidee).

2. Semester des ersten Grundkursmoduls

Inhaltlicher Schwerpunkt Form, Epochenschwerpunkt Wiener Klassik

Musiktheorie Modul I (1. Semester) für Bachelor Instrumentalisten und Sänger

In diesem Semester beschäftigen wir uns mit romantischer Hamonik, üben das Modulationsspiel und die harmonische Analyse am Klavier und schreiben romantische Klavierlieder im Stil von Schubert/Schumann/Brahms.

Im kammermusikalischen Werk Schuberts sind verschiedene Schaffensperioden zu erkennen. Die Werke der ersten Periode (ca. 1810-1813) stammen aus der Zeit, zu der der junge Schubert (13 bis 16 Jahre alt) Zögling des Wiener Stadtkonvikts war. Die frühen Streichquartette komponierte er für das häusliche Musizieren und sie wurden vom Familienquartett Schuberts aufgeführt, bei dem er als Bratschist mitwirkte. Diese experimentell geprägten Werke sind auffällig, vor allem, was den Umgang mit der Sonatensatzform und die tonalen Dispositionen angeht. Eine nicht immer geradlinige Entwicklung in den Werken der ersten Phase führt zu einer zweiten Periode (Nov. 1813-1817), deren Anfang auf biographischer Ebene die Vollendung seiner ersten Sinfonie und der Austritt aus dem Stadtkonvikt markieren. Die Streichquartette, Streichtrios und Violinsonaten aus dieser Zeit zeigen „eine deutlich gewachsene satztechnische und formale Souveränität“ und orientieren sich an Haydns und Mozarts Kammermusik. Die sogenannten Krisenjahre 1817-1822 bilden in Schuberts kammermusikalischem Schaffen eine große Zäsur, bei der die Kammermusik aus dem Zentrum seines Interesses rückt. Aus dieser Zeit sind das berühmte Forellenquintett und das unvollständige Streichquartett Nr. 12 überliefert. Ein deutlicher Umbruch im kammermusikalischen Werk Schuberts ist ab 1824 festzustellen. Angeregt durch das Vorbild Beethovens definiert Schubert sein Verständnis der Gattung neu und wagt den Weg über eine Kammermusik für halböffentliche Haus- und Salonkonzerte hinaus zu einer Kammermusik für die breite Öffentlichkeit Wiens. Wodurch unterscheiden sich die Werke der neu definierten Gattung von den früheren Werken Schuberts? Dieser dritten Phase gehören Schuberts bekannteste Kammermusikstücke, wie die letzten drei Streichquartette, die Klaviertrios oder das späte Streichquintett an.
Im Seminar werden wir ausgewählte Kopfsätze, langsame Sätze, Tanzsätze und Finalsätze der verschiedenen Schaffensperioden entdecken, vergleichen und die Charakteristika der verschiedenen Phasen offenlegen. Die Analysen werden bereichert durch Einsichten in das kurze Leben Schuberts sowie durch die Besprechung einiger aufschlussreicher Briefe des Komponisten, die in direkter Verbindung mit seinem kammermusikalischen Schaffen stehen.

Fr 27.6. von 15-18h, Sa 28.6. von 10-13, Fr 4.7. von 15-18 - Raum wird noch bekanntgegeben - Anmeldung bis 9.5.

Klavierlieder, Streichquartett, Orchestermusik, Instrumentalkonzert

Wolfgang Rihm ist der produktivste und medienpräsenteste Komponist Deutschlands der vergangenen Jahrzehnte gewesen. Gleichzeitig steht er mit seiner musikalischen Ästhetik, die sich immer stärker an den vergangenen Musiktraditionen von Renaissance und Romantik orientiert, quer zur herrschenden Vorstellung von zeitgenössischer Musik. - Voraussetzung für die Teilnahme an diesem Seminar sind Neugier und Lust, unbekannte Musik genauer kennenzulernen.

In diesem Semester wird die Musiktheorie der griechischen Antike und des Mittelalters behandelt. Wichtige Themen sind die Entwicklung des Tonsystems, der Tonartenlehre, der Intervall-Proportionen, der Mehrstimmigkeit (vom Organum bis zu den ersten Contrapunctus-Traktaten), der Mensural-Notation, sowie der Satzarten und Gattungen im 13. und 14. Jahrhundert. Dabei wandelt sich der Theoriebegriff von der antiken Kontemplation des Tonsystems („Musica speculativa“) über eine mehr und mehr praktisch-handwerkliche Ausrichtung im Mittelalter hin zum komponierten Kunstwerk, das durch Analyse zu erschließen ist. 

Die Veranstaltung findet in Form eines Kolloquiums statt. Wir sprechen über bedeutende Theoretiker wie Pythagoras, Platon, Boethius, Guido von Arezzo, Franco von Köln, Philippe de Vitry, lesen ihre Traktate, studieren theoretische Konstruktionen und Systeme, folgen dem Bedeutungswandel von Begriffen und der Blickrichtung von der spekulativen Theorie zur Praxis der Satzlehre. Wie hören und analysieren die weit ausschwingenden Gregorianischen Choräle, die berauschenden Klänge der Organa von Leonin und Perotin, die isorhythmischen Motetten und die gotischen Rhythmen und Dissonanzen der Machaut-Messe. Interessierte aller Studiengänge sind eingeladen, ihre musikgeschichtlichen Kenntnisse zu erweitern und zu vertiefen.

Leistungsnachweis: Vortrag über ein ausgewähltes Thema mit anschließender Diskussion.

Einer Anekdote zufolge soll Joseph Haydn gesagt haben, er habe immer mit vier Stimmen genug gehabt und sich in den Quartett-Stil so hineingeschrieben, dass er die fünfte Stimme nicht finden könne. Das Quintett wurde stets am normativen Standard des Quartetts gemessen. Die Frage, die sich Theoretiker wie Komponisten stellen, was mit einer fünften Stimme zu gewinnen sei, wurde im 18. Jahrhundert zum Nachteil des Quintetts diskutiert. Es war W. A. Mozart, der mit dem „fünften Rad am Wagen“ in Gestalt der von ihm persönlich favorisierten Viola einen Gattungsstil formulierte, der das bislang untergeordnete Quintett auf das Niveau des Quartetts hob. 

  Im Seminar gehen wir der Frage nach, wie Mozart in seinen sechs Quintetten das erreicht hat, was Robert Schumann am Quintett bewunderte: „Man sollte kaum glauben, wie die einzige hinzukommende Bratsche die Wirkung der Saiteninstrumente, wie sie sich im Quartett äußert, auf einmal verändert, wie der Charakter des Quintetts ein ganz anderer ist, als der des Quartetts.“ Neben dem kraftvolleren und lebendigeren Ausbau der Mittelstimmen könne sich im Quintett ein tüchtiger Harmoniker nach Herzenslust ergehen und zeigen, was er kann.

Leistungsnachweis: Vortrag (mit anschließender Diskussion) zu einem selbst gewählten Quintett (ein oder mehrere Sätze).

Im Sommersemester 2024 stehen Instrumentalkonzerte der Wiener Klassik für verschiedene Instrumente im Mittelpunkt. Außerdem werden wir Strategien zum Schreiben von Solokadenzen entwickeln.

Im Zentrum des Sommersemesters steht die Beschäftigung mit kammermusikalischen Werken der Neuen Musik. Es sind gemischte Werke für Streicher, Klavier und Bläser vorgesehen.

Di, 14:00-16:00, Raum 8.28, Beginn 1.4.25

Analyse und Interpretation von Klavierliedern der Klassik bis zur Gegenwart. Für Studierende der Gesangs-, Lied- und Klavierklassen sowie für Interessierte.

Im Seminar werden Orchesterwerke der Spätromantik analysiert.

In Orchesterwerken von Gustav Mahler, Richard Strauss, Arnold Schönberg und Alban Berg werden u.a. die Rollen der einzelnen Instrumentengruppen, das Zusammenwirken im Gesamtklang sowie Oberflächen- und Tiefenstruktur des Satzes untersucht.

Den Seminarabschluss bildet eine analytische Hausarbeit.

Das Seminar beginnt am 31.03.2021.

Anmeldungen bitte an matthias.hermann@hmdk-stuttgart.de bzw. durch Selbsteinschreibung

Neben dem romantischen Kernrepertoire stehen Kunstlieder von der Renaissance bis zur Gegenwart auf unserem Programm. Nach einführenden Sitzungen in die Textanalyse und die musikalische Analyse tragen die Teilnehmerinnen und Teilnehmer des Seminars jeweils eigene Analysen vor, wobei die entsprechenden Lieder auch musikalisch vorgetragen werden sollen. Die Verbindung zwischen Analyse und Interpretation steht insgesamt im Vordergrund, das heißt: Analyse interessiert uns vor allem in den Aspekten, welche für eine musikalische Interpretation relevant und hilfreich sein können. Das Seminar richtet sich an Studierende des Gesangsklassen, der Liedklasse, sowie an Interessierte aus allen anderen Studienbereichen.