E-Learning-Umgebung der HMDK Stuttgart

Das Seminar vermittelt einen Einblick in die Inhalte musikbezogener wissenschaftlicher Disziplinen und in das wissenschaftliche Arbeiten überhaupt: Quellen – Literatur – Nachschlagewerke – Musikgeschichten usw. Anhand praktischer Beispiele üben wir die Technik der Literaturerschließung: Bibliographie – Bibliothekskatalog – Online-Recherche. Daran schließen sich (alltags-)praktische Fragen der Seminararbeit an: Wie halte ich ein Referat? Wie wird daraus eine Hausarbeit? Darf ich mit ‚Wikipedia‘ arbeiten…? Ausgehend von konkreten Beispielen und ausgewählten Texten werden grundlegende Fragen der Auseinandersetzung mit Musik diskutiert: Was unterscheidet wissenschaftliche und populäre Biographik? Was ist eine musikalische Gattung? Wofür brauche ich wissenschaftliche Notenausgaben?

Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die regelmäßige Bearbeitung kleinerer Aufgaben zu den Sitzungen sowie ein Kurzreferat und dessen Verschriftlichung in einer kurzen Hausarbeit vergeben. Die Teilnahme am zugehörigen Tutorium ist verpflichtend. Insgesamt erhalten Sie 3 ECTS crediert.

Kurs I/2: Patrizia Bieber, M.A.  

Freitag 13–15 Uhr c.t., Raum 08.04

Beginn: 14. Oktober 2024

Zugehöriges Tutorium: Dennis Brenner

Donnerstag 13–14 Uhr s.t., Raum 8.34/8.05

Beginn: 17. Oktober 2024

Hier finden Sie rechtliche Hinweise, die es bei dem Besuch von Schulen in BW zu beachten gilt. Die Informationen gelten sowohl für Studierende, die ihr Orientierungspraktikum durchführen möchten als auch für Studierende, die aufgrund schulbezogener  Forschungsprojekte Schulen des Landes BW betreten, selbstverständlich gelten diese Regelungen auch für Dozenten, die schulbezogene Forschungsprojekte durchführen oder begleiten.

English/German

Wednesdays/Mittwoch: 14:00-16:00, please register before via E-mail! /Bitte meldet Euch vorher via E-mail an!

maria.huber@hmdk-stuttgart.de

Prof. Julika Mayer, Prof. Britta Wirthmüller

Termine der Aufführungen s. u., Besprechunsgtermin jeweils donnerstags 8:45-9:45 Uhr

Stücke gucken...

… und drüber sprechen. Dies ist ein Campus Gegenwart Angebot an Studierende aus allen Studiengängen. Wir besuchen eine Auswahl an Theater-, Tanz- und Performancearbeiten, die in Stuttgart in den nächsten Monaten zu sehen sind und sprechen im Anschluss gemeinsam darüber. Was hast Du gesehen? Was hat Dich bewegt? Was hast Du wie verstanden und auf welche Arten und Weisen können wir über diese Arbeiten sprechen? Die Gespräche finden jeweils am Donnerstag nach der Aufführung von 8:45-9:45 Uhr statt. Wir werden verschiedene Gesprächs- und Reflexionsformate ausprobieren und vielleicht neue erfinden.

Die Tickets werden über den Campus Gegenwart gestellt.

Teilnehmer:innen: max. 15

Sprache: Deutsch oder Englisch, je nach je nach Sprachkenntnis der Teilnehmer:innen. Für die meisten Aufführungen in deutscher Sprache gibt es Übertitel.

Verbindliche Anmeldung bitte per Email an: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Bitte melde Dich nur an, wenn Du zu allen Aufführungs- und Gesprächsterminen kommen kannst! First come, first served.

Aufführungen und Gesprächstermine

ACHTUNG: Erste Sitzung um eine Woche verschoben: jetzt Donnerstag, 24.10., 8:45-9:45 Einführung

Freitag, 25.10., 20 Uhr "After All Springville" von Miet Warlop, Theater Rampe

Samstag, 26.10., 19 Uhr "Sancta" von Florentina Holzinger, Staatsoper Stuttgart

Donnerstag, 31.10., 8:45-9:45 Gespräch über "After All Springville" & "Sancta"

Samstag, 2.11., 20 Uhr "Catch the Moment. SaalFrei – Labor-Festival  für interdisziplinäre Improvisationskunst", FITZ 

Donnerstag, 7.11., 8:45-9:45 Gespräch über "SaalFrei"

Samstag, 30.11., 18 Uhr "Nostalgia Up & Down und Weiße Elefanten" von Citizen.Kane.Collective & Theater Replika, Schauspiel Stuttgart

Donnerstag, 5.12., 8:45-9:45 Gespräch über "Nostalgia & Weiße Elefanten"

Freitag, 13.12., 20 Uhr "Waves" von Backsteinhaus Produktions, Theater Rampe

Donnerstag, 19.12., 8:45-9:45 Gespräch über "Waves"

Donnerstag, 19.12., 20 Uhr "Anthology Shechter x Gauthier Dance", Theaterhaus Stuttgart

Donnerstag, 9.01., 8:45-9:45 Gespräch über "Anthology Shechter..."

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Prof Julika Mayer, Prof Britta Wirthmüller

For dates of the performance, please check the overview below, discussions will take place on Thursdays 8:45-9:45

Watching pieces...

... and talking about them. This is a Campus Gegenwart offer for students from all study programmes. We will visit a selection of theatre, dance and performance works that are on  in Stuttgart over the next few months and we will talk about them afterwards. What did you see? What moved you? What did you understand and how, and in which ways can we talk about these works? The discussion of each piece will take place on Thursday after the respective performance, from 8.45-9.45 am. We will try out different formats for discussion and reflection and perhaps invent new ones.

Tickets will be provided by Campus Gegenwart.

Participants: max. 15

Language: German or English, depending on the language skills of the participants. For most performances in German subtitles will be available.

Please send a binding registration by email to: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Please only register if you can come to all performance and discussion dates! First come, first served.

Performances and discussion dates

ATTENTION: first session moved by one week: now Thursday, 24 October, 8:45-9:45 Introduction meeting

Friday, 25 October, 20:00 "After All Springville" by Miet Warlop, Theater Rampe

Saturday, 26 October, 19:00 "Sancta" by Florentina Holzinger, Stuttgart State Opera

Thursday, 31.10., 8:45-9:45 talk about "After All Springville" & "Sancta"

Saturday, 2 November, 20:00 pm "Catch the Moment. SaalFrei - Festival for interdisciplinary improvisation art", FITZ

Thursday, 7 November, 8:45-9:45 talk about "SaalFrei"

Saturday, 30 November, 18:00 "Nostalgia Up & Down and White Elephants" by Citizen.Kane.Collective & Theater Replika, Schauspiel Stuttgart

Thursday, 5 December, 8:45-9:45 Talk about "Nostalgia & White Elephants"

Friday, 13 December, 20:00 "Waves" by Backsteinhaus Produktions, Theater Rampe

Thursday, 19 December, 8:45-9:45 talk about "Waves"

Thursday, 19 December, 20:00 "Anthology Shechter x Gauthier Dance", Theaterhaus Stuttgart

Thursday, 9 January, 8:45-9:45 talk about "Anthology Shechter..."

mit Andreas Lang, mittwochs 10-11:30

montags, 10:45-12:15 Uhr

Raum: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (großes Haus), 3. OG

Am 21. Oktober findet kein Unterricht statt.

In dieser Lehrveranstaltung beschäftigen wir uns mit choreographischen Prinzipien und mit Grundlagen der Performance. Durch angeleitete Übungen erproben wir gängige künstlerische Verfahren der Performance, wie die Arbeit mit Scores und Partituren, Duration, textuelle Praktiken, Chance, serielles Arbeiten oder Praxen des Notierens und Indexierens. Wir beschäftigen uns auch mit kompositorischen Strategien aus der Choreographie, dem Verhältnis von Körper und Material bzw. einem erweiterten Materialbegriff und verschiedenen Aufführungssituationen. Ziel ist, ins Machen und Ausprobieren zu kommen und darüber besser zu verstehen, wo unsere Interessen im Bereich Performance liegen.

Vorerfahrung in Performance/Tanz/Körperarbeit ist nicht notwendig. Wenn Du Dir nicht sicher bist, ob das Lehrformat für Dich zugänglich ist, schreibe mir bitte eine Email: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Kontinuierliche Teilnahme ist empfohlen und erwünscht. Bitte bringe Notizbuch und Stift mit und Kleidung, in der Du Dich gut bewegen kannst und wohlfühlst.

Das Seminar wird angeboten in Kombination mit dem Seminar „Tuning in to movement“ (montags 9:00-10:30 Uhr), ihr könnt es aber auch einzeln belegen.

Bitte melde Dich über Moodle oder per Email an.

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Mondays, 10:45-12:15

Room: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (large building), 3^rd floor

No class on 21 October

In this course we deal with choreographic principles and the basics of performance. Through guided exercises, we will try out common artistic methods of performance, such as working with scores, duration, textual practices, chance, serial work or practices of notation and indexing. We also deal with compositional strategies from choreography, the relationship between body and material or an expanded concept of material and various performance situations. The aim is to get into making and trying things out and to better understand where our interests lie in the field of performance.

Previous experience in performance/dance/bodywork is not necessary. In case you are not sure, if this teaching format is accessible for you, please write me an email: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Continuous participation is recommended and desired. Please bring a notebook and pen and clothes in which you can move well and feel comfortable.

The seminar is offered in combination with the seminar "Tuning in to movement" (Mondays 9:00-10:30 am), but you can also take it individually.

Please register via Moodle or by email

Ästhetische Theorie der Performance: Das Setting (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

Raum: 8.04.

Dienstag: 16:30-19:30

Erste Sitzung: 29.03.22

 Im Theater oder im Konzert ist in der Regel der Rahmen, in welchem eine Aufführung stattfindet, durch Tradition und Konvention festgelegt: Das Setting der Aufführung – Raum, Bühne, Publikum usw. – ist fest vorgegeben. Im Gegensatz dazu reflektieren experimentelle Performance-Formen ihre Rahmenbedingungen. Sie transformieren, subvertieren oder (mit-)erzeugen das Setting ihres Auftritts. Die Radikalität dieser Reflexion unterscheidet die experimentellen von anderen Performance-Formen. Sie kann als Schwellenzustand beschrieben werden; oder auch nüchterner als Neuverhandlung des Rahmens. Entscheidend dabei ist, dass die Reflexivität des Auftrittsrahmens der künstlerischen Praxis nicht äußerlich ist.

Das Seminar untersucht den Zusammenhang von Kunstpraxis und Auftrittsrahmen. Dieser Zusammenhang hat mit einer jeweiligen Weltauffassung zu tun: mit der Erfahrung und dem Verständnis der Wirklichkeit, die eine Zeit prägen. Die Reflexivität des Auftrittsrahmens stellt die überlieferte Weltauffassung in Frage. Sie versucht, den Transformationen der Gegenwart Rechnung zu tragen: einen Ausdruck für das zu finden, was in der Gegenwart gärt.   

Wir werden im Seminar Begriffe analysieren, die in Hinblick auf diese Problematik eine wichtige Rolle gespielt haben – Begriffe wie „Liminalität“, „Reflexivität“, „Transversalität“; aber auch neuerdings „worlding“ und „Sympoiesis“. Weiters werden wir ausgewählte zeitgenössische künstlerische Positionen besprechen.

Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Pflicht für den Masterstudiengang Theorie und Praxis experimenteller Performance
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK (so auch für BiWi Bachelor und Master), sowie für Studierende der ABK und der Merz Akademie

Die Philosophie beschäftigt sich seit der Antike mit der Schönheit in der Natur und in den Künsten. Dennoch wurde die Ästhetik als eigenständige philosophische Disziplin erst im Europa des 18. Jahrhunderts durch Alexander Gottlieb Baumgarten begründet. Im Zuge dieser Entwicklung beginnt sich erst im 19. Jahrhundert der Begriff der Kunst, wie wir ihn heute verwenden, zu etablieren: Der Singular „die Kunst“ ersetzt den Plural „die schönen Künste“ und vereint die Pluralität der Kunstwerke und Kunstformen. An die Stelle kanonischer Bestimmungen von Form und Inhalt der Künste tritt nun eine neue Weise über Kunst und Kunstwerke nachzudenken. Wie eine Kunstform oder ein Kunstwerk beschaffen zu sein haben, ist nicht mehr vorbestimmt. Inhalte und Formen der Kunst lassen sich nicht mehr normativ bestimmen. Und dennoch ist es weiterhin keineswegs beliebig, was Kunst ist. Der Kunstbegriff bezeichnet nun ein Allgemeines, ein Gemeinsames, das jedoch nur in der Singularität eines Werks (produktionsästhetisch) und einer Erfahrung (rezeptionsästhetisch) denkbar ist. Als ein Allgemeines, das aber nur singulär denkbar ist, stellte der Kunstbegriff für die Philosophie eine Herausforderung dar. Mit dieser Herausforderung begann das Abenteuer der Ästhetik. Wir werden einige Schlüsselmomente dieser Geschichte erkunden, die mit der Infragestellung des Kunstbegriffs insgesamt endet.

 Die Einführung setzt sich in diesem Semester als besonderen Schwerpunkt das Thema „Dialektik“: 1. Das Entstehen der Dialektik von Form und Inhalt, Besonderem und Allgemeinem, Endlichem und Unendlichem. 2. Die Dialektik der Geschichte und der Entwicklung der Kunstformen. 3. Die Negative Dialektik. 4. Die Dekonstruktion und die Kritik der Dialektik.

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik musikbezogen ist

Anmeldung erforderlich!

Produktionsästhetisches Denken hat eine längere Tradition vozuweisen. Im Seminar werden wir es unter dem Begriff eines künstlerischen Handelns fassen, in den wir ausdrücklich auch die musikalische und theatrale Interpretation einbeziehen. Wir werden uns eingehender mit philosophischen, kunstwissenschaftlichen und theaterwissenschaftlichen Texten – also aktuellen Diskursen – befassen, die in den letzten Jahren zu diesem Thema geschrieben worden sind. Als Gast zur Veranstaltung Wissenschaft am Abend soll die Philosophin und Theaterwissenschaftlerin Marita Tatari eingeladen werden, die sich mit dem Buch „Kunstwerk als Handlung“ im Fach Theaterwissenschaften habilitiert hat. Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre und zur Teilnahme an diesem Termin mit Frau Tatari sind Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.

• Die gemeinsame und vorbereitende Textlektüre wird einer Referatsleistung (die wegfällt) gleichgesetzt und angerechnet.

Literatur

• Hantelmann/ Schieder/ Lüthy/ Gludowatz: Kunsthandeln, 2010.
• Daniel Feige/ Judith Siegmund: Kunst und Handlung. Ästhetische und handlungstheoretische Perspektiven, 2016.
• Robert Pippin: Kunst als Philosophie, 2012.
• Marita Tatari: Kunstwerk als Handlung, 2017.
• Kögler/ Pechriggl/ Winter: Enigma Agency. Macht Widerstand. Reflexivität, 2019.
• Hans Joas: Die Kreativität des Handelns, Frankfurt a.M., 1996.

Zeit und Form (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

 Donnerstag: 10.30-12:30                                                                                            

Erste Sitzung 31.03.22

Raum: 8.04.

 Jenseits der formalen Definition von Kunstgattungen und jenseits der Gegenüberstellung von Form und Materie hat Form in der Ästhetik noch einen anderen Sinn. Sie bezeichnet einen künstlerischen Vorgang, der als solcher in Erscheinung tritt. So wird Form prozessual und dynamisch verstanden. Sie hat damit eine eigene, selbstständige Zeit. Diese der Form eigene Zeit entsteht immer im Rahmen einer Epoche und der sie prägenden Zeitauffassung: der Zeitauffassung, die die Gegenwart der Kunstproduktion oder -rezeption bestimmt. Die Eigenzeit der Form steht im Verhältnis zu dieser anderen epochalen Zeit.    

Das Europa des 19. Jahrhunderts stellte sich die Zeit als Fortschritt einer Geschichte vor, die sich in der Entwicklung der Kunstformen widerspiegelte. Im 20. Jahrhundert geriet diese Zeitauffassung in die Krise. Sie wurde brüchig. Heute hat der Maßstab dieser Geschichtsauffassung seine Selbstverständlichkeit verloren. Der globalisierten, postkolonialen Gegenwart kommt nicht eine Zeit zu, sondern viele. Neue Zugänge zur Geschichte finden ihren Ausgangspunkt in der Gegenwart, während das Verständnis von Zukunft sich verändert. Darüber hinaus bringt die Klima- und Umweltkrise noch eine "tiefe Zeit" jenseits der menschlichen Skala zum Vorschein.

 Wir werden im Seminar das Verhältnis von Zeit und Form analysieren und das Thema im Licht der Bedingungen der Gegenwart betrachten. Wir werden Texte lesen und Beispiele zur Diskussion stellen. Im Rahmen des Seminars sind zwei gemeinsame Sitzungen mit dem Labor Aufführungspraxis Neue Musik vorgesehen, sowie zwei transdisziplinäre Begegnungen am Campus Gegenwart unter dem Stichwort „Momente“ und der Mitwirkung u.a. von Prof. Franziska Kötz, Christof Löser und Prof. Nurit Stark. 

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
•  Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik Musikbezogen ist

Der Kurs richtet sich an alle Studierende der Opernschule

In diesem Bereich finden Sie weiterführende Unterstützung für die Einrichtung und Verwaltung eines E-Learning-Kurses. In kurzen Videosequenzen werden die ersten, grundlegenden Schritte gezeigt.

Dieser Kurs stellt einige kostenfreie, betriebssystemunabhängige Programme vor, mit welcher Sie ihre Unterrichtsmaterialien (z.B. Hausaufgaben, satztechnische Übungen, etc.) für das digitale Zeitalter präparieren können. 

Dieser Kurs ist aktuell ein rein virtueller Kurs. Jede/r Studierende ist zum virtuellen Beitritt herzlich eingeladen! 

 Bei Anmeldung bitte Einschreibeschlüssel unter ruth.woerner@hmdk-stuttgart.de anfordern.

Bei Anmeldung bitte den Einschreibeschlüssel bei ruth.woerner@hmdk-stuttgart.de anfordern.

Anmeldung bitte unter alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de. 

(Aufbaukurs - Voraussetzung: Besuch eines Basiskurses)

Aufbauend auf den Erfahrungen und Erkenntnissen des Basiskurses findet in diesem Kurs eine Vertiefung und Weiterführung der im Basiskurs beschriebenen musikphysiologischen Inhalte statt.

Weitere Schwerpunktthemen: Umgang mit Stress, Atmung, authentischer Ausdruck in Sprache und Musik. Meditation und Stille, Regeneration und Erholung.

di. 17.00-19.00 Uhr     (der Kurs ist belegt)              Beginn. 28.4.2020                                                             

Anmeldung unter: alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de

Ein tänzerisches Bewegungstraining für Musiker*innen, Schauspieler*innen, Sänger*innen ohne körperliche Vorerfahrung.

Schwerpunkte sind Aufbau der Muskulatur und Beweglichkeit, Kondition und Koordination. Das Raumgefühl

Wird durch leichte Choreographieabschnitte, die sich während des Semesters wiederholen, stabilisiert.

Der Zusammenhang von Musik und Bewegung sind Ausgangspunkt und Ziel um eine ganzkörperliche

Bühnenpräsenz zu erlangen.

Catarina Mora

Unterrichtsbeginn: 27.04.19                                                           mo 12-13 Uhr

Der Kurs findet online statt. Anmeldung unter: Info@flamencomora.de 

Psychologisches Projekt der HDMK:

7 Beratungsstunden werden vom AStA der Hochschule mitfinanziert. Der /die Studierende bezahlt 10 Euro pro Stunde. Die Beratung findet real oder am Telefon statt. Bitte direkt anmelden bei: Frau Angelika Heydt: angelika.heydt@arcor.de oder bei Frau Constanze Marggraf: constanzemarggraf@gmx.de.

Materialien

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich.

Wer bei Prof. Dr. Palmer eingeteilt ist, wird von ihm direkt per mail kontaktiert.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Fortgeschrittene Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1900 und 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1900 und 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik ab 1950 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Dieses Seminar befasst sich mit der Interpretation von Cellomusik des 20. und 21. Jahrhunderts. Aufführungstechniken zusammen mit interpretatorischen Ansätzen und Höranalysen werden im analytischen Kontext und idiomatischen Stil jeder Komposition geübt und diskutiert. Die Cellisten werden ihre interpretatorischen Fähigkeiten durch das Verständnis der Form und Struktur jeder Komposition verbessern, wobei besonderer Wert auf die Verbindung zwischen neuen Cellotechniken, dem Stil einzelner Komponisten und den erforderlichen Hörstrategien gelegt wird, die mit den untersuchten Techniken verknüpft sind. Das Seminar mündet in ein Abschlusskonzert am Ende des Semesters.

Ziel dieses Seminars ist es, eine umfassende kognitive Hörerfahrung von Tonhöhegestalt, Klangfarbe, Zeitablauf, Lautstärke und Artikulation als wesentliche Bestandteile musikalischer Sprache zu fördern. Das Seminar verbindet mehrere miteinander verbundene Perspektiven, die sich mit der grundlegenden musikalischen Funktionen des Gehörs und mit dem bewussten Verstehen von Klang und Musik als Klangsprache befassen. In diesem Zusammenhang ist das Seminar eine Einführung in ein praktisches Bewusstsein für die psychoakustischen Grundlagen des Musikhörens sowie eine Vertiefung der Wahrnehmung von instrumentalen Spieltechniken und der künstlerischen Interpretation. Der künstlerische Ansatz steht im Mittelpunkt des Kurses.

Mo 16:00-18:00 | Raum 10.04 | Beginn: 14. Oktober 2024 | 2 LP

• offen für alle Interessierten

• speziell anrechenbar im BA Lehramt für Wahlbereich Theorie/Neue Musik

• maximal 8 Studierende

Im Mittelpunkt des Seminars stehen exemplarische Höranalysen Neuer Musik ganz verschiedener Art und Besetzung aus der Zeit ab 1975. In jeder Seminareinheit wird ein Stück im Ganzen bzw. in Abschnitten - zunächst ohne Partitur - angehört und durch gemeinsame Diskussion des Gehörten näher erschlossen. Danach werden die Beobachtungen an Hand der Partitur geprüft und abschließend wird das Stück noch einmal mit Partitur im Ganzen gehört. Zum einen ergibt sich damit im Verlauf des Semesters ein guter Überblick über wesentliche kompositorische Entwicklungen der vergangenen 50 Jahre; zum anderen bildet die Frage, wie wir diese Musik eigentlich hören, wie wir uns in ihr orientieren, Zusammenhänge und Beziehungen wahrnehmen und auf die jeweiligen Gestaltungsmöglichkeiten aufmerksam werden können, einen wesentlichen Schwerpunkt der Reflexion. Das Seminar richtet sich an alle, die ein breiteres Spektrum Neuer Musik kennenlernen und ihre Ohren für diese vielfältige Musik (weiter) öffnen möchten. Besonders zu empfehlen ist es auch für Studierende, zu deren späterem Beruf es gehört, anderen das Hören von Musik nahezubringen, z.B. Lehramt oder Musiktheorie.

Mi 10:00-11:00 | Raum 10.04 | Beginn: 16. Oktober 2024 | 1 LP

• empfohlen in Verbindung mit HE-Seminar Rein, temperiert, pythagoreisch - Intonation besser verstehen (Mi 9:00-10:00)

• maximal 8 Studierende

Den Schwerpunkt des Kurses bildet das konkrete Hörtraining im Hinblick auf Einzelintervalle, Intervallverbindungen, tonale bzw. atonale Akkorde und Akkordverbindungen in unterschiedlicher Lage, Stimmenanzahl und Klangfarbe. Dabei werden verschiedene MAX-Programme verwendet, die von den Studierenden auch eigenständig zum Üben genutzt werden können (Mac bzw. Windows).

Do 14:30-15:30 | Raum 10.04 | Beginn: 17. Oktober 2024 | 1 LP

• für MA Neue Musik und sonstige Interessierte

• in einigen BA-Studiengängen (nicht im BA Lehramt) speziell anrechenbar im Bereich Hörerziehung Neue Musik

• maximal 8 Studierende

Vierteltöne sind heute ein selbstverständlicher Teil des spieltechnischen Repertoires zeitgenössischer Musik. Besonders im vokalen Bereich sind sie allerdings weiterhin eine große Herausforderung im Hinblick auf intonatorische Orientierung und Genauigkeit. Die Lehrveranstaltung Vierteltontraining bietet einen schrittweisen und systematischen Einstieg in dieses Gebiet an Hand vielfältiger Übungen, die auch für den instrumentalen Bereich sehr hilfreich sein können. Der Unterricht wird durch MP3-Dateien und MAX-Programme (Windows und Mac) unterstützt, die auch für das eigene Üben zu Hause verwendet werden können.

Materialien zur Beobachtung, Reflexion und Vorbereitung von Lehrproben im Fach Klavier (Unterstufe, Mittel-/Oberstufe)

Didaktik/Methodik II für hohe Streicher

Simone Riniker Maier

Freitag 14-15 Uhr, 8.28

DI 16.45-18.00 Uhr --> Raum 7.17  --- Beginn 8.10.2024

Jugendliche: Motivation, Peers, Projekte – Klassik-Hits kreativ – Popsongs hören, spielen, lesen – hAPPy Tutorials? – Etüden musikalisch & methodisch vielfältig − sicher performen − Gedächtnis − Wettbewerbe – Kammermusik

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an BA Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik Klavier und Interessierte. Beginn ist in jedem Semester möglich.Das nächste Semester hat den Schwerpunkt "Künstlerisches Klavierspiel".

Mittwoch, 12.00-13.00 Uhr (14-tägig), Raum 7.17 – Beginn 23.10.2024
Weitere Termine: 6.11., 20.11., 4.12., 18.12., 15.1.2025, 29.1., 12.2.

Seminar mit Einzelberatung für Pianist*innen, Cembalist*innen und Organist*innen im Haupt- und im Nebenfach

Anstrengende Passagen?
Gelegentlich Irritationen oder Schmerzen in Hand oder Unterarm?
Noch können Sie darauf reagieren …

Das FORUM nimmt anstrengende Passagen physiologisch-anatomisch unter die Lupe. Beim Feinjustieren von Tastenkontaktpunkten, Gelenkwinkeln, Fingersätzen und Spielbewegungen können Sie spüren, wie sich kleinere oder größere Änderungen auf muskulären Aufwand, Präzision, Sicherheit und Ausdauer auswirken. Ihre individuellen Spannweiten sind dabei maßgeblich. Ökonomische, künstlerisch begründete Übe-Strategien ergänzen das Spektrum.

Punktuelle Teilnahme möglich.
Anmeldung unter ulrike.wohlwender@hmdk-stuttgart.de

Individuelle Beratungstermine werden nach Reihenfolge der Anmeldungen vergeben.

Materialien zur Planung, Durchführung und Reflexion von Lehrproben im Fach Gesang

Das Modul widmet sich dem vielseitigen Berufsfeld des Unterrichtens und bietet einen ersten Einblick in zentrale Kernthemen der Instrumentalpädagogik, wie beispielsweise Motivation, Üben, Lernfelder, Lernwelten, Vermittlungsmethoden, Kommunikation, Spiele im Instrumentalunterricht, Umgang mit Fehlern und Bildungskooperationen. Diese werden praxisnah und interessensgeleitet diskutiert und reflektiert.

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und alle Interessierten!

DI 10.00-11.30 Uhr ODER 11.45-13.15 Uhr
-- 1. Semester -- zwei parallele Kurse gleichen Inhalts
--> ab 15.10., Raum 7.17

Zentrale Aspekte von musikalisch-instrumentalem Lernen und von Instrumentalunterricht werden praxisbezogen reflektiert und diskutiert: Ziele von Instrumentalunterricht – IGP im wissenschaftlichen Kontext – Lernwege / Übemethoden: Chunking, Musizierendes Lernen, wildes Lernen, differenzielles Training – Motivation – Musikalität / Begabung – schwarze Pädagogik vs. pädagogische Professionalität – Rolle der Eltern / Elternarbeit

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und Interessierte.

Ganztag, demographischer Wandel, Globalisierung, kulturelle Vielfalt, Inklusion – all dies sind Schlagwörter, die in den letzten Jahrzehnten die Tätigkeiten von Instrumental- und Gesanglehrenden verändert haben: Eine höchst individuelle Unterweisung im Rahmen des jahrhundertelang vorherrschenden Einzelunterrichts für eine verhältnismäßig kleine privilegierte Gruppe – auch in Form der Elitenförderung – wurde in diesem Zuge durch Konzepte einer gemeinschaftsorientierten Bildung „für alle“ (wie beispielsweise im Rahmen von „Musik für alle“ an der Stuttgarter Musikschule) erweitert. Beide Pole konkurrieren im Kampf um die wenigen freien Zeitfenster – nicht nur von Kindern und Jugendlichen – und die Sorge um ein florierendes kulturelles Leben steigt nicht zuletzt auch aufgrund des zunehmenden Fachkräftemangels. Institutionelle Bildungskooperationen, die lange Fahrzeiten und häufige Ortswechsel sowie Kompetenzen in der Anleitung von höchst heterogenen Gruppen erfordern sowie eine „Aufsuchende Musikpädagogik“, die sich an Gesellschaftsgruppen richtet, die bislang wenig Teilhabe und Teilnahme an der Hochkulturszene haben, seien dabei nur zwei Beispiele, die Instrumental- und Gesanglehrende heraus- und überfordern können. Im Spannungsfeld zwischen Traditionsbewahrung und Innovationsbedürfnis bzw. Erneuerungsbedarf werden wir in diesem Seminar Visionen für zukünftige Musikschul- und professionelle Berufstätigkeitsmodelle entwerfen und diskutieren.

Das Seminar weist einen inhaltlichen Bezug zu folgendem Symposium auf:

Fit für die Zukunft!?

Entwicklung von Musik(hoch)schulen im 21. Jahrhundert

aus künstlerischer und musikpädagogischer Perspektive

Ein Symposium aus Anlass des 40-jährigen Bestehens der Zeitschrift üben & musizieren

Freitag, 3. Mai 2024 (ab 13.00 Uhr) bis Samstag, 4. Mai 2024 (bis 17.00 Uhr)

Universität der Künste Berlin

Joseph-Joachim-Saal, Carl-Flesch-Saal – Bundesallee 11, 10719 Berlin

https://www.udk-berlin.de/studium/kuenstlerisch-paedagogische-ausbildung/symposium/

Anmeldung bis zum 23.04.2024 über symposium@muho-mannheim.de.

Die Teilnahme an der Exkursion ist keine Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar. Diese kann als doppeltes Blockseminar des Studio IP anerkannt werden.

Das Kolloquium dient dem Austausch und der Begleitung von Master IGP-Studierenden, die aktuell ihre Masterarbeit schreiben und/oder künstlerisch-pädagogische Forschungsprojekte planen und durchführen möchten. Neben der Vorstellung der Projekte der Teilnehmenden, die hinsichtlich ausgewählter Aspekte diskutiert werden, werden weiterführende Ansätze, Theorien, Materialien und Fragestellungen adressiert und forschungspraktische Zugänge und Instrumente betrachtet, die sich direkt aus den Fragen und Anliegen der Teilnehmenden – auch im Rahmen der Praktika – ergeben. Die Teilnehmenden erhalten dabei Anregungen von der Entwicklung und Formulierung einer Fragestellung, über Planung, Forschungsdesign, Durchführung bis hin zur Auswertung eigener künstlerisch-pädagogischer (Forschungs-)Projekte.

Jazz Theorie II (2024/2025)

Mittwoch, 12:15 Uhr - 13:45 Uhr

Raum 10.05

Volker Engelberth

Impro II (2024/2025)

Mittwoch, 16:00 Uhr - 18:00 Uhr

Raum 5.37

Volker Engelberth

Die Studierenden erwerben grundlegende Kenntnisse in der instrumentalen Bearbeitungspraxis von Jazz- und Popularmusik. Diese umfasst neben dem zentralen Tonsatz auch Instrumentenkunde, Notationspraxis sowie Repertoirekunde und Analyse. Durch theoretische und praktische Übung der gängigen Satzarten verbessern sie ihr Gespür für Voicings und Stimmführung und damit auch ihre Notations- und Lesekompetenz. Dazu treten Übung einfacher kompositorischer Modelle und die Grundlagen des Vokalarrangements.

Schüttler | Di, 11-13 Uhr s.t. | Raum 8.05
Musik und Politik

Musik und Politik gehen schon seit Jahrhunderten immer wieder unterschiedliche
Verbindungen ein. Aber erst im 20. Jahrhundert entwickelte sich in Europa eine Musik,
die sich explizit als politisch begriff und auf konkrete Veränderungen gesellschaftlicher
Realitäten abzielte. Komponisten wie Hanns Eisler oder Kurt Weill verwendeten dafür
nicht nur die populäre Musik ihrer Zeit, sondern auch kritische Texte von Brecht,
Tucholsky oder Majakowski.
Nach dem zweiten Weltkrieg entwickelten sich unterschiedliche Konzepte politischer
Musik weiter. Im Bereich der notierten Musik, aber auch in unterschiedlichen Formen
populärer Musik rückten politische Themen besonders in den 60er und 70er Jahre
immer stärker in den Vordergrund.
In einer stark politisierten Gegenwart hat die Verbindung aus Musik und Politik erneut
andere Formen angenommen. Sei es in Aktivismus, Performance oder Medienkunst, in
Debatten um Klimawandel, Urheberrecht, Postkolonialismus und Diversität – das
Politische ist auch in der Musik aktueller denn je.
Ausgehend von Themen unserer Gegenwart untersucht das Seminar „Musik und
Politik“ Möglichkeiten, Fragen und Kritik musikalisch-politischer Konzepte, ordnet sie
historisch ein und versucht eine Annäherung an das Problemfeld mithilfe eigener
künstlerischer Versuche.

Das erste Dritte des neue Jahrzehnts ist fast vorüber und drängende Fragen gibt es aktuell mehr als genug. Was aber bedeuten sie für die künstlerisch-musikalische Produktion? Wie greifen Komponist:innen, Musiker:innen, Künstler:innen sie auf? Wie sieht der konkrete Umgang z.B. mit den Themen Klimakatastrophe, Künstliche Intelligenz, Identitätspolitik oder Dekolonisation in der Praxis aus?

Anhand zahlreicher Beispiele und mit vielen Gästen aus Musik, Pop, Kunst, Theorie & Performance sollen sollen Positionen vorgestellt und analysiert werden, die für unser Jahrzehnt von herausragender Bedeutung sind und sein werden. Theoretische Texte werden zum genaueren Verständnis der Themen herangezogen und in praktischen Übungen kann jede:r Studierende einen eigenständigen künstlerischen Umgang mit den besprochenen Themen ausprobieren. Das Seminar ist offen für alle Studiengänge.

The CCSS course at Studio for Electronic Music (StEM), led by Marco Bidin, aims primarily to provide the essential tools to develop a musical and technical awareness of computer-generated sounds. For this purpose, the group focuses on working in OpenMusic, especially with the library OM-Chroma.

Thanks to the intuitive visual programming in the OpenMusic environment, the students engage in learning the classic synthesis techniques, experimenting with creative methods of control, and in including the generated sounds in their compositional thinking and formalisation of musical ideas. The students also learn a critical approach to the sound results by active listening, spectral analysis in Audiosculpt, and revising the synthesis information from the CSound scores generated by OM-Chroma.

2SWS Seminar + 2 SWS Übung

Course director: Marco Bidin 

Analyse und Diskussion aktueller musikalisch/künstlerischer Fragen (offen für Interessierte)

Die Europäische Kunstmusik hat bis weit ins 19. Jahrhundert hinein ein eher distanziertes Verhältnis zum Geräusch. Schlaginstrument (außer der gestimmten Pauke) bilden eher die Ausnahme. Mit Beginn des 20. Jahrhunderts ändert sich dieses Verhältnis rasant und grundlegend. Heute bestehen ganze Genres hauptsächlich oder sogar ausschließlich aus Geräuschklängen. Sie formen Subkulturen, Diskurse, politische oder ästhetische Provokationen, sind klanggewaltig oder einfach nur schön.

Das Seminar „Noise!“ zielt darauf, einen groben Überblick über historische Linien zu geben, verschiedene Ordnungssysteme von Musik jenseits des Tonhöhenprimats zu analysieren, ästhetische und sozio-politische Debatten nachzuzeichnen und schließlich einen Bogen zur Praxis zu schlagen. Musizierend, improvisierend und komponierend werden im Verlauf des Seminars immer wieder die künstlerischen Möglichkeiten von Geräuschen ausprobiert. Das Beherrschen eines Instruments ist hierfür zwar von Vorteil, allerdings keine Voraussetzung für die Teilnahme am Seminar.

Inhalt

Der überwiegende Teil der Absolvent*innen der HMDK wird sich auf dem freiberuflichen Markt behaupten müssen. Ziel des Seminares ist es, eine eigene Projekt- bzw. Veranstaltungsidee zu entwickeln. Darüber hinaus werden Grundlagen der Projektplanung, Projektorganisation und der konkreten Projektarbeit vermittelt.

Die erfolgreiche Teilnahme setzt eine Kurzpräsentation der eigenen Projektidee mit Abgabe eines schriftlichen Konzeptes (Projektmappe) zum Ende des Seminars voraus.

Das Seminar ist die ideale Vorbereitung für alle, die beim „IDEEN IM TURM – Der Wettbewerb des Career Service der HMDK für Projektideen und Gründungsvorhaben“ teilnehmen möchten.

Leitung: Simone Enge

Dr. Lukas Bugiel, Universität Köln, a. G.

Blockseminar in Raum 8.34

Erste Sitzung (online per Zoom) - Freitag, 18.10.2024, 18 Uhr

1. Block (Einführung in die Theorie musikpädagogischen Entscheidens/ Angewandte Musikdidaktik): Freitag, 8.11.2024, 14-19 Uhr und Samstag, 9.11.2024, 9-16 Uhr

2. Block (Musikpädagogisches Entscheiden am Beispiel der Planung von Musikunterricht): Freitag, 6.12.2024, 14-19 Uhr und Samstag, 7.12.2024, 9-16 Uhr

Nachbereitungssitzung und Evaluation (online per Zoom): nach Vereinbarung

Dieses Hauptseminar ist sowohl im BA LA Gym als auch im MA LA Gym (dort im Bereich Wahl Wissenschaft) für Musikpädagogik anrechenbar. [4 ECTS]

Musiklehrer*innen treffen täglich Entscheidungen bezüglich ihres Handelns im Musikunterricht. Für diese sollten sie gute Gründe haben. Im Seminar soll diskutiert und geklärt werden, was musikpädagogische Entscheidungen sind, wann für sie gute Gründe vorliegen und wie sich musikpädagogische Entscheidungen vor dem Hintergrund verschiedener (z.B. auch ethischer) Gesichtspunkte und in Bezug auf die Planung von Musikunterricht gut begründen lassen, so dass guter Musikunterricht oder zumindest gut geplanter Musikunterricht daraus hervorgeht.

Das Seminar versteht sich als eine Einführung in eine angewandte Form musikdidaktischer Theorie und richtet sich an Studierende, die bereits Erfahrungen mit dem Unterrichten von Musik gemacht haben oder im Semester machen werden.

Weitere Infos unter lbugiel@uni-koeln.de, Anmeldung bitte über moodle

Montag,   10 – 11 Uhr, Raum 10.01 und via Zoom - hybrid - (Scharenberg), Beginn: 14.10.2024  oder

Mittwoch, 9 – 11 Uhr, via Zoom (Lenord), Beginn: 16.10.2024

Im Masterbereich des Lehramtsstudiums sind die fachdidaktischen Anteile zu einem Integrativen Projekt geblockt, das Sie weitgehend eigenständig über zwei Semester hinweg begleitet durchführen. Dabei sollen Sie Kompetenzen in der Konzeption, Durchführung und Vermittlung von künstlerisch, künstlerisch-wissenschaftlich oder wissenschaftlich motivierten Forschungsprojekten zur Lösung selbst entwickelter musikdidaktischer Fragestellungen erlangen. 

Dazu kombinieren Sie zeitlich begrenzte Expertisen aus mindestens zwei von Ihnen gewählten Fächern (die gerne auch universitäre Fächer wie bspw. die Erziehungswissenschaft einschließen dürfen) mit einer regelmäßigen wissenschaftlichen Beratung aus der Musikpädagogik mit Schwerpunkt auf der Fachdidaktik, die Ihnen über das gesamte Projekt hinweg zur Verfügung steht.

Ziel des Projektes ist die Entwicklung eines forschenden Habitus, der zu wissenschaftlich begründeter Darstellung fachdidaktisch motivierter Sachverhalte und Fragestellungen im schulpädagogischen Kontext führt (‚reflective teacher‘), daneben soll Ihre Kenntnis verschiedener Forschungsansätze und -methoden sowie dem Gegenstand angemessener Präsentations- und Vermittlungstechniken gefördert werden. 

Für alle, die mit ihrem Projekt im WS 2024/25 neu in ihr Projekt starten oder sich in Projektplanungs- und -durchführungsphasen befinden, besteht das Angebot des Seminars darin, sich über die eigenen Projektvorhaben und dabei auftretende Fragen im Rahmen des Kolloquiums auszutauschen. Im Moodle-Kurs können Sie in laufende Projekte hineingucken, dort finden Sie detailliertere Informationen, die z.T. von den TeilnehmerInnen der vorangegangenen Jahrgänge angeregt, diskutiert und präzisiert wurden. Befindet sich Ihr Projekte in der Abschlussphase, dann stehen Überlegungen zur angemessenen Präsentation an. 

Nikodemus Gollnau 

Mittwoch, 10-12 (c.t.), Raum 8.34 

Beginn: 16.10.2024

Eine Anmeldung zum Seminar ist über den seminarbegleitenden Moodle-Kurs erforderlich und ab dem 16.09.2024 möglich. Die TN-Zahl ist begrenzt. 

Making ist im Trend! Tendenz steigend. Angekoppelt an Bibliotheken, Baumärkte, Medienzentren oder in der freien Indie-Makerszene sind sie den meisten Menschen (unwissentlich) bekannt und nun schießen sie auch gekoppelt an Bildungsinstitutionen hierzulande aus dem Boden: An (innovativen?) deutschen Schulen und Universitäten etablieren sich Makerspaces. Der Weg vom Making zum Educational Making bzw. zur Maker-Education wurde bereits beschritten, geebnet und definiert, vielerorts bereits in den Bildungsalltag implementiert.  

Verschiedene Fachdisziplinen ergreifen im Zuge dieses „Digitalisierungstrends“ (?) nun die Chance, fachspezifische Making-Untergattungen zu definieren – so auch wir: Im theoretischen Fokus dieses  praxisorientierten Seminars soll die Arbeit an einer ausdifferenzierten Definition von „Musikpädagogischem Making“ stehen. Wird „Musikpädagogisches Making“ bereits aktiv im Unterricht an deutschen Gymnasien er- und gelebt? Evtl. schon b.c. (before covid)? Gar unwissentlich? 

Auf Basis der gewonnenen Definition „Musikpädagischen Makings“ sollen im praktischen Schwerpunkt diverse Ansätze und Szenarien er- und gefunden, probiert, diskutiert und evaluiert werden. Die besondere Herausforderung: Im thematischen Zentrum dieser Experimente steht - Making-untypisch - nichts zum Anfassen, sondern ein immaterielles Making-Artefakt: Klang. 

Klang soll mit verschiedener kostenfreier Software „makend“ manipuliert werden oder ganz neu entstehen. Verschiedene Klangsyntheseverfahren sollen kennengelernt und ausprobiert werden. Nicht nur Soft-, sondern auch Making-typische Hardware, wie der 3D-Drucker oder der (analoge) Lötkolben, könnten zum Einsatz kommen. 

Ein schulpraktischer Anteil, der die theoretischen und praktischen Erfahrungen im Idealfall verschmelzen lässt, ist angedacht (kann aber leider noch nicht garantiert werden). 

Ein eigener Computer (vorzugsweise Laptop), ein eigenes mobiles Endgerät sowie ein Moodle-Account sind ebenso Voraussetzung für die Teilnahme am Seminar, wie die Bereitschaft, einige kostenfreie Software auf dem eigenen Rechner bzw. Endgerät zu installieren sowie die Lust am produktiven Scheitern. 

Die Seminarsitzungen werden größtenteils an der HMDK, teilweise aber auch über Zoom und sehr vereinzelt asynchron stattfinden. Die jeweilige Sitzungsform wird rechtzeitig im LMS bekanntgegeben. 

Dieses mediendidaktische Proseminar ist wahlweise im BA LA Gym als Proseminar Musikpädagogik FD oder als FD Wahl für Musikpädagogik anrechenbar.

Donnerstag, 9 – 11 Uhr, Raum 8.34

Beginn: 17. Oktober 2024

Anrechenbar als Vorlesung für Musikpädagogik und für Musikpädagogik/Fachdidaktik (FD). [2 ECTS]

„Lieber Twitt!“ lese ich auf einer Karte von Fritz Jöde an Wilhelm Twittenhoff aus dem Jahr 1945 „Fein, dass Du wieder da bist. Das weitere wird sich dann schon finden. […] einstweilen bin ich hier Kantor an der evangelischen Gemeinde in Reichenhall und habe mir da eine richtige Musikantengilde aufgebaut. So können wir trotz allem wohl durchhalten […]. Jedenfalls bist doch auch Du davon überzeugt, dass unsere Jugendmusikarbeit bis 33 nun wieder neu und mit einem viel tieferen Klang als damals anzusetzen haben wird. Machen wir uns dafür bereit!“ – Beide Musikpädagogen waren für wesentliche Entwicklungen im Bereich der Musikerziehung verantwortlich, und zwar sowohl in den letzten Jahren der Weimarer Republik als auch in den ersten der noch jungen Bundesrepublik, aber – beide arbeiteten durchaus auch während der Zeit des sogenannten Dritten Reiches in ihrem Beruf. 

Um die Entwicklung der Disziplin Musikpädagogik in Deutschland nach dem Zweiten Weltkrieg verstehen zu können, müssen wir fragen, was denn 1933 vorgeblich „zurück“gelassen wurde und woran genau nach der Kapitulation wieder angeknüpft werden sollte. Wir sollten uns ansehen, welche Umstände und Personenkonstellationen, welche soziokulturellen Gegebenheiten und politischen Forderungen dafür verantwortlich waren, dass statt eines „weiter so“ spätestens ab Mitte der 60er Jahre der Ruf nach Konzepten für den Musikunterricht laut wurde und diese in neuen Fachzeitschriften diskutiert wurden, warum jenseits der Mauer der Schulgesang weiter kultiviert wurde, während er im Westen – ausgenommen sind Pop und Musical – für viele Jahre zunehmend aus dem Unterricht verbannt erscheint, u.v.m.

Wir werden im Verlauf der Vorlesung immer wieder auf musikpädagogisches Handeln während der Zeit der Diktatur eingehen, jedoch keinesfalls im Sinne der Betrachtung einer abgrenzbaren, eigenständigen Zeitspanne, sondern vor dem Hintergrund der Frage, ob Jödes Narration eines Davor und Danach auf der Basis existierender Quellen überhaupt haltbar ist.

Literatur zum Einstieg: Gruhn, Wilfried (2003): Geschichte der Musikerziehung. Eine Kultur- und Sozialgeschichte vom Gesangunterricht der Aufklärungspädagogik zu ästhetisch-kultureller Bildung. (1993), 2., überarb. u. erw. Aufl., Hofheim: Wolke, S. 252-306

Was ist (musik)wissenschaftliches Arbeiten und wie geht das? Was ist eine (gute) Frage? Und wie
finde ich ein Forschungsthema? Wie finde ich die passende wissenschaftliche Literatur? Woher
weiß ich, dass ich einer Quelle trauen kann? Und wie zitiere ich korrekt? Wie gliedere ich einen
Vortrag oder eine schriftliche Arbeit? Wie strukturiere ich ein Argument? Und wie schreibt man
eine Hausarbeit?

Diese und andere Fragen des wissenschaftlichen Arbeitens sind Thema dieses Kurses. Das
Hauptaugenmerk des Kurses liegt auf dem Aneignen von grundlegenden wissenschaftlichen
Fähigkeiten. Ziel ist es, eine eigene Fragestellung zu einem selbstgewählten Thema zu finden, zu
recherchieren, zu präsentieren und in Form einer kleinen Hausarbeit auszuarbeiten. Am Ende des
Seminars sind Studierende im Stande, Quellen zu differenzieren, Literatur zu finden, eine
Bibliographie zu erstellen, Zitate zu kennzeichnen, eine eigenständige Forschungsfrage zu
verfolgen und eine Hausarbeit zu verfassen.

Anhand kurzer und ausgewählter Einführungstexte in die jeweiligen Teildisziplinen der
Musikwissenschaft wollen wir außerdem eine kritische Lesepraxis entwickeln. Zu fragen gilt: Wie
lese ich einen wissenschaftlichen Text? Und wie übe ich daran Kritik? Wie unterscheide ich meine
Gedanken von denen des gelesenen Textes? Wie kann ich ein Argument in meinen eigenen Worten
darstellen?

Leistung:
Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die regelmäßige Bearbeitung kleinerer Aufgaben
zu den Sitzungen sowie ein Kurzreferat und dessen Verschriftlichung in einer kurzen Hausarbeit (6–
8 Seiten) vergeben. Die Teilnahme am Tutorium ist verpflichtend.

Literatur:

• Gardner, Matthew / Springfield, Sara: Musikwissenschaftliches Arbeiten: Eine Einführung (Bärenreiter Studienbücher Musik 19), Kassel 2014.
• Schlicht, Laurens: Wie geht Wissenschaft? Eine schnelle Einführung in das wissenschaftliche Arbeiten, Paderborn 2022.
• Schwindt-Gross, Nicole: Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel. Techniken. Aufgaben (Bärenreiter Studienbücher Musik 1), Kassel7 2010.

Prof. Dr. Michael Kube MA (LIS)

Erwin Schulhoff.
Komponist zwischen den Stilen

Dienstag, 20 Uhr – 21:30 Uhr, Raum 8.28 (unregelmäßig)
Einzelne Seminar-Termine finden per Zoom statt.

Vorgesehen ist eine Exkusion nach Prag in dem Zeitraum von Montag, 3. Februar 2025, bis Mittwoch 5. Fenruar 2025 (ganztags). Die Teilnahme daran ist verpflich-tend und für eine benotete Leistung (neben Referat und Hausarbeit) zwingend.

Beginn: 15. Oktober 2024

Begrenzte Teilnehmerzahl.
Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 13. Oktober 2024.

Wohl in keiner anderen Komponistenbiographie spiegeln sich die mit den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts einhergehenden gesellschaftlichen wie auch kulturellen Aufbrüche, Umbrüche und Abbrüche so beispielhaft wie in der von Erwin Schulhoff (1894–1942), der „auf eine frappierende Weise senkrecht startete, bald aber in eine tangentiale Bahn einschwenkte, brutal an- und abgeschossen, schließlich jämmerlich zugrunde gerichtet und, kaum weniger tragisch, bald ver-gessen wurde“ (Heinz Joseph Herbort). Wie kein zweiter Komponist traf Schulhoff mit seiner eigentümlichen stilistischen Melange aus überlieferten Gattungen und Formen, dem (Tanz-)Jazz entlehnten Rhythmen, einer erweiterten und teilweise linear ausgerichteten Tonalität sowie einer bisweilen neobarocken Attitüde in der Mitte der 1920er Jahre den Nerv der Zeit. Dennoch gelang es ihm nicht, sich mit repräsentativen Werken auf der Bühne und im Konzertsaal auch nur annähernd durchzusetzen; die wenigen Erfolge blieben singulär und an sein eigenes Auftreten als Pianist gekoppelt. – Im Seminar wird der kompositorische Weg von Erwin Schulhoff an ausgewählten Werken und Textes nachvollzogen (Klaviermusik, Kammermusik, Oratorium, Sinfonik)sowie in die Musikgeschichte der 1920er und frühen 1930er Jahre eingebettet.


Einführende Literatur:
•    Josef Bek, Erwin Schulhoff. Leben und Werk, Hamburg 1994 (= Verdrängte Musik Bd. 8).
•    Josef Bek, Art. Erwin Schulhoff, in: Komponisten der Gegenwart, München 1992 und 1998.
•    Michael Kube, Art. Erwin Schulhoff, in: Die Musik in Geschichte und Gegenwart. Personenteil Bd. 15, Kassel 2006, Sp. 222–226.
•    Miriam Weiss, «To make a lady out of jazz». Die Jazz-Rezeption im Werk Erwin Schulhoffs, Neumünster 2011.

Donnerstag, 16–18 Uhr (c.t.), Raum 8.28
Beginn: 17.10.2024  (Anmeldung im e-learning oder in der 1. Sitzung)

Der musikalische Exotismus startet im 18. und 19. Jahrhundert als pittoreske Inszenierung des Fremden – z.B. in der „Türkenoper“ bei Mozart und anderen oder als schwelgerische Idee vom „Orient“ im französischen Orchestergesang. Er schafft einen illusionären Raum für Erfahrungen, die es in Europa nicht gab: fabelhaften Luxus, raffinierte Sinnlichkeit, äußerste Grausamkeit … In der Neuen Musik des 20. Jahrhunderts geraten die Grenzen von Eigenem und Fremden in Bewegung – Komponisten lassen sich selbst befremden, wollen bewusst Stereotype überwinden oder suchen nach „dritten Räumen“ der Begegnung. Im Jazz oder im Rhythm&Blues ist die Aushandlung zwischen „weißen“ und „schwarzen“ Anteilen konstitutiv. Mittlerweile steht potentiell dieser ganze Bereich unter dem Stichwort „kultureller Aneignung“ in der Kritik – bis hin zum Aufregerthema in den Feuilletons und sozialen Medien (man denke an die Debatten um „mexikanischen“ Volkstanz bei der Bundesgartenschau und Reggae mit oder ohne Dreadlocks).

Im Seminar lesen wir Ausschnitte aus theoretischen und feuilletonistischen Positionierungen und beleuchten exemplarische Fälle – z.B. Werke und Werkausschnitte von Mozart, Saint-Saëens, Ravel, Delage, Bartók, Boulez, Pagh-Paan, Bhagwati … Mögliche Themen aus dem populären Bereich sind die Anfänge des Blues, des Rock´n´Roll, des HipHop oder auch aktuelle Fallbeispiele je nach Interessen und Vorkenntnissen.

Wie im KVV ausgedruckt, dort auch Literaturhinweise und Termine.

ANMELDUNG über MOODLE bis inkl. 1.4.2024

Bitte beachten Sie den Termin für die Blockveranstaltung am 1.5.2024 und die Terminierung der Hausarbeiten.

In Kooperation mit Prof. Hans-Peter Stenzl

Musikerbriefe. Lesen, edieren, kommentieren

Dienstag, 20:00–21.30 Uhr (erstmals am 28. März)

Raum 8.28 (oder online nach Ansage)

Begrenzte Teilnehmerzahl, nur für Hauptseminar-Scheine.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 27. März 2023.

Eine eintägige Exkursion ist angedacht.

Bei der Auseinandersetzung mit der Biographie, der Ästhetik und dem Schaffen von Komponisten wird gerne zu einer Briefausgabe gegriffen. Sie vermittelt auch nach Jahrzehnten und Jahrhunderten scheinbar Authentizität und birgt Informationen gleichsam aus ersten Hand. Doch nur selten fällt bei der Benutzung auf, dass kaum eine Ausgabe der anderen gleicht: Sie unterscheiden sich mitunter fundamental in den Editionsprinzipien und in der Anlage, über die Form der Kommentierung bis hin zum Layout (und vielfach auch in der Repräsentation als gedruckte oder digitale Ausgabe). – In diesem Hauptseminar begeben wird uns daher auf vielfältige Spurensuche: vom eigenen Lese- und Übertragungsversuchen alter Handschriften in Kurrentschrift und das Nachdenken über theoretische Konzepte, über den kritischen Vergleich unterschiedlicher Briefausgaben bis hin zur eigenen Kommentierung ausgewählter Briefdokumente. – Der benotete Leistungsnachweis erfolgt in einem Portfolio, bestehend aus in der Regel kleinen Aufgaben, die größtenteils zur direkten Vorbereitung (oder Nachbereitung) der Seminarsitzungen zu erbringen sind.

Literatur (Auswahl)

•   Rüdiger Nutt-Kofoth, Briefe herausgeben. Digitale Plattformen für Editionswissenschaftler und die Grundfragen der Briefedition, in: «Ei, dem alten Herrn zoll' ich Achtung gern’». Festschrift für Joachim Veit zum 60. Geburtstag, hrsg. von Kristina Richts, München 2016, S. 575–586.

•   Werner Breig, Zur Editionsgeschichte der Briefe Richard Wagners, in: Musikeditionen im Wandel der Geschichte, hrsg. von Reinmar Emans und Ulrich Krämer, Berlin 2015, S. 536–547 (= Bausteine zur Geschichte der Edition 5).

•   Brief-Edition im digitalen Zeitalter, hrsg. von Anne Bohnenkamp und Elke Richter, Berlin 2013 (= Beihefte zu editio 34).

•   Bodo Plachta, Edition und Bibliothek, in: Digitale Edition und Forschungs­bibliothek, hrsg. von Christiane Fritze, Franz Fischer, Patrick Sahle und Malte Rehbein, Wiesbaden 2011 (= Bibliothek und Wissenschaft 44), S. 23–36.

•   Der Brief – Ereignis & Objekt. Frankfurter Tagung, hrsg. von Waltraud Wiethölter und Anne Bohnenkamp, Frankfurt am Main 2010.

•   Digitale Edition zwischen Experiment und Standardisierung. Musik – Text – Codierung, hrsg. von Peter Stadler und Joachim Veit, Tübingen 2009 (= Beihefte zu editio 31).

•   Der Brief – Ereignis & Objekt. Katalog der Ausstellung im Freien Deutschen Hochstift – Frankfurter Goethe-Museum 2008, hrsg. von Anne Bohnenkamp und Waltraud Wiethölter, Frankfurt am Main 2008.

•   Klaas-Hinrich Ehlers, Raumverhalten auf dem Papier. Der Untergang eines komplexen Zeichensystems dargestellt an Briefstellern des 19. und 20. Jahrhunderts, in: Zeitschrift für germanistische Linguistik 32 (2004), S. 1–31.

•   Komponistenbriefe des 19. Jahrhunderts. Bericht des Kolloquiums Mainz 1994, hrsg. von Hanspeter Bennwitz, Gabriele Buschmeier und Albrecht Riethmüller, Stuttgart 1997.

•   Klaus Hurlebusch, Divergenzen des Schreibens vom Lesen. Besonderheiten der Tagebuch- und Briefedition, in: editio 9 (1995), S. 18–36.

siehe KVV

Anmeldung bis 06.10.2022 über Moodle

Dienstag, 20–21:30 Uhr (s.t.), Raum 8.28 (einzelne Termine nach Ansage per Zoom)

Beginn: 29. März 2022

Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 29. März 2022.

Wohl keine andere Gattung ist im 20. Jahrhundert stärker von historischen Vorbildern und aktuellen politischen Rahmenbedingungen beeinflusst worden als die Passion. Zugleich treten zugunsten einer freieren kompositorischen Gestaltung zusehends die liturgischen Vorgaben in den Hintergrund. Dieses doppelte Spannungsfeld spiegelt sich schließlich auch in einer faszinierenden Vielfalt (formal wie stilistisch) der Vertonungen wider. Die mit der Passion verbundenen Möglichkeiten des Komponierens sollen beispielshaft untersucht werden an den Werken von Kurt Thomas (1927), Hugo Distler (1923/33), Arvo Pärt (1982), Ernst Pepping (1951), Krzysztof Penderecki (1962/65), Sofia Gubaidulina (2000), Wolfgang Rihm (2000) und anderen.

Einführende Literatur:

•   Kurt von Fischer, Die Passion. Musik zwischen Kunst und Kirche, Kassel 1997.

•   Gottfried Grote, Der Weg zum „Passionsbericht des Matthäus“ von Ernst Pepping. Strukturelle Untersuchungen, in: Festschrift Ernst Pepping zu seinem 70. Geburtstag, hrsg. von Heinrich Poos, Berlin 1971, S. 57–83.

•   Kurt von Fischer, Zur Johannes-Passion von Arvo Pärt, in: Kirchenmusikalisches Jahrbuch 75 (1991), S. 133–138.

•   Ray Robinson, A Study of the Penderecki »St. Luke Passion«, Celle 1993.

•   Passion 2000. Programmbuch. Internationale Bachakademie Stuttgart, hrsg. von Ulrich Prinz, Kassel 2000 (= Internationale Bachakademie Stuttgart, Schriftenreihe Bd. 11).

•   Passion gedeutet. Europäisches Musikfest Stuttgart. Passion 2000. Vorträge, hrsg. von Ulrich Prinz, Kassel 2000 (= Internationale Bachakademie Stuttgart, Schriftenreihe Bd. 12).

•   Lutz Riehl, Neue Wege zur Passion. Die Passion Christi in der Musik der Gegenwart am Beispiel des Projektes Passion 2000, Marburg 2009 (= Wissenschaftliche Beiträge aus dem Tectum-Verlag. Reihe Musikwissenschaft Bd. 2).

Mittwoch, 18–20 Uhr (c.t., 14-tägig), Raum 8.04

Beginn: 23.10.2024 (Präsenzveranstaltung; keine vorherige Anmeldung erforderlich)

Aktuelle Fragen der Forschung – Lektüre von Neuerscheinungen – Betreuung entstehender Masterarbeiten und Dissertationen

Prof. Dr. Michael Kube MA (LIS)

Sinfonische Messen für das Haus Esterhazy

Dienstag, 18:15 – 19:45 Uhr, Raum 8.28 (unregelmäßig)
Einzelne Seminar-Termine finden per Zoom statt.

Vorgesehen ist ein Block mit Referaten am Freitag, 31. Januar 2025 (17–20 Uhr), und Samstag, 1. Februar 2025 (10–16 Uhr). Die Teilnahme daran ist verpflichtend und für eine benotete Leistung (neben Referat und Hausarbeit) zwingend.

Beginn: 15. Oktober 2024

Begrenzte Teilnehmerzahl.
Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 13. Oktober 2024.

Bekanntermaßen entwickelte Joseph Haydn als langjähriger Hofkapellmeister des Haues Esterhazy in den 1770er und 1780er Jahren sowie in der Abgeschiedenheit der Schlösser Fertöd und Eisenstadt die Gattung der Sinfonie entscheidend weiter. Weniger bekannt ist hingegen seine Bedeutung für die „sinfonische Messe“ um die Wende zum 19. Jahrhundert. In den Jahren zwischen 1796 und 1802 entstanden nicht weniger als sechs große Vertonungen, die jeweils zum Namenstag der Für-stin Maria Josepha Hermengilde in der Bergkirche Eisenstadt aufgeführt wurden. 1807 erklang dort Beethovens Messe C-Dur op. 86; auch die erst später veröffent-lichten Kompositionen von Johann Nepomuk Hummel sind sämtlich für Eisenstadt entstanden. – Neben den Grundlagen (Ordinarium Missae und die Kirchenmusik jener Zeit) steht im Zentrum des Seminars die Frage, wie sich kompositorische Verfahren der Sinfonie und erweiterte Instrumentation auf die jeweiligen Werke auswirkten.


Einführende Literatur
•    Ludwig Finscher, Joseph Haydn und seine Zeit, Laaber 2000.
•    Peter Ickstadt, Die Messen Joseph Haydns. Studien zu Form und Verhältnis von Text und Musik, Hildesheim 2009 (= Musikwissenschaftliche Publikationen Bd. 31).
•    Christine Siegert, Messen für Fürst Nikolaus II. Esterházy, in: Kirchenmusikalisches Jahrbuch 99 (2015), S. 45–58.

In diesem Seminar werden wir uns mit Musik im Laufe des Lebens beschäftigen, von den ersten musikalischen Erfahrungen bis hin zu den letzten. Dabei geht es zum Beispiel darum, wie sich musikalische Vorlieben entwickeln, wie Kleinkinder auf Musik reagieren und mit ihr interagieren, ob es ein Alter gibt, wo viele Menschen mit dem Musizieren aufhören und welche Vorteile auch ältere Menschen vom Musizieren haben. Wir unterscheiden dabei auch zwischen Amateur- und Profimusikern und welche Bedürfnisse bzw. Fähigkeiten diese im Laufe des Lebens haben und wie sie sich verändern. Im Seminar gibt es ebenfalls die Möglichkeit, eigene Themenwünsche zu diesem Oberthema einzubringen.

siehe Vorlesungsverzeichnis

Schütz – Schein – Scheidt

Dienstag, 18–20 Uhr, Raum 8.28

Beginn: 2. April 2024

Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 31. März 2024.

Ziel des Seminars ist es, einen Überblick über die mitteldeutsche Vokalmusik in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts zu geben. Im Mittelpunkt stehen dabei das Leben und Schaffen von Johann Hermann Schein (1586–1630), zuletzt Thomas­kantor in Leipzig, Samuel Scheidt (1587–1654), am Ende seines Lebens „bloßer Privatus“ (also freischaffend tätig), sowie von Heinrich Schütz (1585–1672), der als Dresdner Hofkapellmeisters wie auch als führenden Komponist nördlich der Alpen Bedeutung als musicus poeticus erlangte. Über ihn heißt es bereits fünf Jahre vor seinem Tod in einem Huldigungsgedicht: „Du Weltberühmter Schütz / du Fürst der Teutschen Sänger / Du Componisten Haupt / dein Ruhm bleibt ewig hier.“ Anhand ausgewählter (zumeist deutschsprachiger) Werke werden unterschiedliche Gattungen (wie Madrigal, Motette, Geistliches Konzert), Elemente der Figurenlehre (musikalische Rhetorik) und der Aufführungspraxis im Kontext jener Zeit (Dreißigjähriger Krieg) erarbeitet.

Eine zwei- bis dreitägige Exkursion ist angedacht.

Einführende Literatur:

•   Werner Braun, Die Musik des 17. Jahrhunderts, Laaber 1981 (= Neues Hand­buch der Musikwissenschaft Bd. 4), S. 186–211.

•   Barbara Wiermann, Die Entwicklung vokal-instrumentalen Komponierens im protestantischen Deutschland bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts, Göttingen 2005 (= Abhandlungen zur Musikgeschichte Bd. 14).

•   Hans Heinrich Eggebrecht. Heinrich Schütz. Musicus poeticus, Göttingen 1959, 2. Aufl. Wilhelmshaven 1985 (= Taschenbücher zur Musikwissenschaft Bd. 92).

•   Martin Gregor-Dellin. Heinrich Schütz. Sein Leben, sein Werk, seine Zeit, München 1987.

•   Michael  Heinemann, Heinrich Schütz und seine Zeit, Laaber 1993.

Wie im KVV ausgedruckt, dort auch Literaturangaben und Termine.

ANMELDUNG über MOODLE bis inkl. 1.4.2024

Bitte beachten Sie den Termin für die Blockveranstaltung und die Terminierung der Hausarbeiten.

wie in KVV beschrieben. Bitte schreiben Sie sich in Moodle als Teilnehmer ein.

In den späten 1950er Jahren machte sich eine junge Generation von Musiker*innen in den USA daran, die bisherigen Spielregeln des Jazz zu verändern. Man distanzierte sich zunehmend von den Bebop Spielarten eines Charlie Parker und stellte sich selbstbewusst avant-gardistisch auf. Free Jazz – A Collective Improvisation - der Titel von Ornette Colemans Album von 1961 - wurde zum Programm dieser neuer Generation und zum Koordinatensystem einer neuen Musik, des New Thing, wie LeRoi Jones es nannte.

Im Seminar wollen wir den von Coleman vorgeschlagenen Prinzipien der Improvisation, des Kollektiven und des Strebens nach Freiheit in dieser Musikkultur folgen. Anhand von konkreten Fallbeispielen untersuchen wir die musikalische, kulturelle, politische und ästhetische Bedeutung des Free Jazz in den 60er und frühen 70er Jahren; in erster Linie hörend, indem Studierende einzelne Akteure untersuchen und vorstellen, z.B. Coleman, John Coltrane, Don Cherry, Cecil Taylor, Albert Ayler, Alice Coltrane, Archie Shepp oder AACM. Gemeinsam wollen wir dann die Diskurse beleuchten, die diese vitale Phase des Jazz in den USA gekennzeichnet hat: u.a. das Verhältnis zur Tradition, politische Widerstände, Civil Rights Movement, Rassismus, Improvisation, Kollektivität, Spiritualität, Beziehung zu Europa und Afrika. Hierfür lesen wir Texte von Musiker*innen selbst, aber auch von Kritiker*innen, Historiker*innen und Theoretiker*innen. Der Großteil der Texte wird auf Englisch gelesen.

Ziel des Seminars ist es, einen Überblick über die Musikkultur und deren Akteure zu gewinnen und darüberhinaus weitergehende Frage zu stellen: Was war das Revolutionäre an The New Thing? Was ist das politische Potential dieser Musik? Inwiefern kann diese Musik als Schwarze Musik verstanden werden? Was ist das Erbe dieser Musik? Wie und wo hat sich Free Jazz weiterentwickelt? Wie und wo ordnen wir die Musikkultur in einer Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts ein?

Literaturauswahl:

Baraka, Amiri: Digging: The Afro-American Soul of American Classical Music, Berkeley / London 2009.

Jones, LeRoi: Black Music, New York 2010.

Jost, Ekkehard: Free Jazz. Stilkritische Untersuchungen zum Jazz der 60er Jahre, Hofheim 2002.

Lewis, George E.: A Power Stronger than Itself: The AACM and American Experimental Music, Chicago / London 2008.

Spellman, A.B.: Four Lives in the Bebop Business, New York 1985.

Wilmer, Val: As Serious As Your Life: Black Music and the Free Jazz Revolution, 1957-1977, London 2018.

Was passiert, wenn die Stimme versagt? Zum Beispiel im Stottern und im Verhaspeln von Worten? Es ist dann, als ob etwas Fremdes die Stimme einholt, als ob da etwas auf den Stimmbändern sitzt, das nicht Ich ist. Ähnlich verhält es sich mit dem Stimmbruch, der den Klang der Stimme verändert. Aber was ist diese andere Stimme? Meine eigene oder eine andere Identität? Ein anderer Körper? Ein anderes Wesen? Statt Sprache und Kommunikation offenbart die versagende Stimme ihre körperliche Gebundenheit, womöglich ihr Geschlecht – bzw. im Falle des Stimmbruchs, die immer schon fragwürdige Festschreibung eines binären Geschlechts. In der Stimme, gerade wenn sie versagt, klingt etwas anderes mit als Kommunikation.

In diesem Seminar wollen wir uns mit Theorien der Stimme befassen und anhand von Beispielen dem Phänomen Stimme auf die Spur kommen. Gerade die musikalische Stimme, als eine immer schon performante Stimme, eignet sich hierbei besonders gut als Anhörungsbeispiel. Beispiele können u.a. sein: Praktiken des Jodelns, wo das „Brechen“ der Stimme eine eigenständige Ästhetik bildet, experimentelle Stimmpraktiken von Joan La Barbara oder Diamanda Galás oder Stimmen, die im Laufe ihres Lebens sich verändern. Die Texte, die wir zu jeder Sitzung lesen, kommen aus den Pop Music Studies, der psychoanalytischen Kulturtheorie, aus den Sound Studies, aus Queer Theory und Voice Studies. Begleitend zur theoretischen Textlektüre bringen Studierende zu den Sitzungen Beispiele mit, die wir im Kurs anhören und kritisch diskutieren wollen.

Der Großteil der Texte wird auf Englisch gelesen, grundlegende Englischkenntnisse sind daher von Vorteil.

Johann Sebastian Bach: Choralkantaten-Jahrgang

Dienstag, 18:15–19:45 Uhr (erstmals am 28. März)

Raum 8.28 (oder online nach Ansage)

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 27. März 2023.

Bachs offenkundiger Hang zum enzyklopädischen Komponieren realisiert sich in der Vokalmusik am deutlichsten mit dem Zyklus der Choralkantaten (1724/25). Prägendes Element ist dabei die Kombination von protestantischem Choral und «moderner» Kantate, wie auch die nahezu systematisch ausgelotete Vielfalt der damit verbundenen kompositorischen Möglichkeiten. Im Zentrum des Seminars stehen daher neben den musikgeschichtlichen Voraussetzungen auch Analysen der teilweise komplexen Eingangschöre wie auch ganzer Kantaten. – Der benotete Leistungsnachweis erfolgt durch ein Referat im Seminar und anschließender schriftlicher Ausarbeitung .

Einführende Literatur:

•   Alfred Dürr, Die Kantaten von Johann Sebastian Bach, München und Kassel 1985.

•   Friedhelm Krummacher, Bachs Zyklus der Choralkantaten. Aufgaben und Lösungen, Göttingen 1995.

•   Konrad Küster, Nebenaufgaben des Organisten, Aktionsfeld des Director musices. Die Vokalmusik, in: Bach-Handbuch, hrsg. von dems., Kassel 1999, S. 95–534 (hier: S. 242–291, Die Choralkantaten).

•   Markus Rathey, Der Zweite Leipziger Jahrgang – Choralkantaten, in: Bach-Handbuch, Bd. 1/1: Bachs Kantaten, hrsg. von Reinmar Emans, Laaber 2012, S. 331–450.

•   Friedhelm Krummacher, Johann Sebastian Bach, Die Kantaten und Passionen, Bd. 2, Stuttgart und Kassel 2018, S. 11–252.

Dienstag, 18–20 Uhr, Raum 8.28 (einzelne Termine nach Ansage per Zoom)

Beginn: 29. März 2022

 Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 29. März 2022.

Handelt es sich bei dem Concerto grosso in den Jahrzehnten um die Wende zum 18. Jahrhundert um eine zentrale Form großbesetzter Instrumentalmusik, so ent­wickelte sich das dreisätzige Concerto innerhalb kürzester Zeit zu einer innovativen Gattung, die Komponisten in ganz Europa in ihren Bann zog. Im Zentrum des Se­minars stehen die jeweils zugrunde liegenden Satztypen und ihre jeweils individu­elle Aneignung und Ausformung – von Corelli bis Händel und von Vivaldi bis Bach.

Einführende Literatur:

 •   Simon McVeigh und Jehoash Hirshberg, The Italian Solo Concerto, 1700–1760. Rhetorical Strategies and Style History, Woodbridge 2004.

•   Chappell White, From Vivaldi to Viotti. A History of the Early Classical Violin Concerto, Philadelphia 1992 (= Musicology Bd. 11)

•   Martin Witte, Das Verhältnis von Grosso- und Concertino-Tonsatz in den Concerti grossi Corellis, in: Die Musikforschung 24 (1971), S. 287–294.

•   Klaus Wolfgang Niemöller, Structura et sonus. Zum Verhältnis von Form und Klanggestalt im Corelli’schen Typus des Concerto grosso bei Geminiani und Händel, in: Händel-Jahrbuch 48 (2002), S. 183–190.

•   Andreas Pfisterer, Überlegungen zu Corellis Orchestermusik, in: Die Musikforschung 63 (2010), S. 35–52.

•   Terence Best, Handel’s op. 6 and the European concerto tradition, in: Göttinger Händel-Beiträge Bd. 6, Göttingen 1996, S. 70–84.

•   Wolfgang Schicker, Phrasentransposition und Ritornellgedanke. Aspekte formaler Gestaltung im norditalienischen Instrumentalkonzert zwischen 1692 und 1711, Tutzing 2010 (= Regensburger Studien zur Musikgeschichte Bd. 9).

•   Werner Braun, Antonio Vivaldi. Concerti grossi, op. 8, Nr. 1–4. Die Jahreszeiten, München 1975.

•   Bernhard Moosbauer, Antonio Vivaldi. Die Vier Jahreszeiten, Kassel 2010.

Musik entsteht erst in unserem Gehirn. In jedem Moment, in dem Klänge auf unser Ohr treffen, werden mit Hilfe unseres Gedächtnisses tausende sensorische Informationen gefiltert, sortiert, neu zusammengesetzt und mit bereits vorhandenen Erfahrungen im Langzeitgedächtnis abgeglichen. Erst durch diese komplexen und individuellen Prozesse können wir zum Beispiel zusammenspielende Instrumente voneinander unterscheiden, einzelne Tonfolgen als Melodien und Rhythmen identifizieren, Genre erkennen und emotional auf die Musik reagieren. So spielt unser Gedächtnis schon bei der Wahrnehmung von Musik eine entscheidende Rolle. Aber Gedächtnisprozesse sind auch entscheidend an allen anderen musikbezogenen Tätigkeiten wie (Re-)produktion, Improvisation, Komposition und dem Erlernen eines Musikinstrumentes beteiligt. Auch in der Musiktherapie wird die besondere Robustheit musikalischer Erinnerungen in der Demenztherapie erfolgreich genutzt. In diesem Seminar möchten wir uns anhand einzelner Beispiele diesem faszinierenden musikpsychologischen Forschungsbereich nähern.

Um die Musikpsychologie mit musikpädagogischer Praxis eng zu verzahnen, werden als Leistungsnachweise Unterrichtsmaterialen bzw. Unterrichtsentwürfe für den Musikunterricht erstellt.

Leistungsnachweis: Es wird eine regelmäßige Teilnahme inklusive aktiver Mitarbeit sowie die Erstellung von Unterrichtsmaterialen bzw. Unterrichtsentwürfen für den Musikunterricht erwartet.

Einführungsliteratur. Snyder, B. (2000). Music and Memory. Cambridge, MA: The MIT Press.

Vorlesung Musikwissenschaft (2 LP)

Prof. Dr. Hendrikje Mautner

Die „goldenen“ zwanziger Jahre – Musikkulturen der Zwischenkriegsjahre

Mittwoch 14.00-16.00 Uhr, OPR

Beginn: 16.10.2024

Die 1920er Jahre sind eine Zeit der Extreme und der Gegensätze: auf der einen Seite geprägt von wirtschaftlichem Aufschwung, von kulturellem Glanz und Glamour, von Vergnügen und Unterhaltung, auf der anderen von großen sozialen Unterschieden, Unsicherheit und Angst.

In kaum einem anderen Jahrzehnt existieren so viele unterschiedliche Musikstile nebeneinander wie in den „goldenen“ Zwanzigern: Schönbergs „Zwölftonmethode“ steht neben neoklassizistischen Strömungen oder einer „neuen Sachlichkeit“. Innerhalb weniger Jahre werden so unterschiedliche Bühnenwerke wie Alban Bergs Wozzeck, Giacomo Puccinis Turandot, Ernst Kreneks Jonny spielt auf und Brecht / Weills Die Dreigroschenoper uraufgeführt. Jazz und Swing begeistern die Massen, die Revuetheater feiern große Erfolge, der Schlager erobert über Radio und Grammophon auch die privaten Haushalte. Der Film entwickelt sich zu einem Massenmedium und die Filmmusik eröffnet ein neues Betätigungsfeld für Komponisten.

Wie beeinflussten künstlerische und gesellschaftliche Entwicklungen das Musikleben? Wer besuchte Konzerte, Opernaufführungen, Jazzclubs, Kinos und Revuen? In welcher Form und an welchen Orten kam Musik zur Aufführung? Was geschah in den Metropolen, und was an der Peripherie?

Die Vorlesung nimmt das lebendige (musik-)kulturelle Experimentierfeld der „roaring twenties“ in den Blick.

"Finis coronat opus", könnte man dem römischen Dichter Ovid folgend auch sagen, um das Finalproblem zu bezeichnen. Ich wählte für den Titel dieser Vorlesung eine schörkellosere Formulierung (was durchaus seinen Grund hat). Eine nähere Beschreibung und Literaturangaben finden Sie im KVV.

Bitte beachten Sie: Modulabschlussprüfungen finden bis zum Semesterende statt, nicht mehr im folgenden Semester.

Bitte beachten Sie den Kommentar im KVV.

mittwochs, 14-16 Uhr c.t., OPR

Beginn: 05.04.2023

Die Teilnahme an der ersten Sitzung ist zwingend, weil Modalitäten zum erfolgreichen Abschließen des Moduls besprochen werden (Prüfungsinhalte und -termine).

Bitte melden Sie sich unbedingt auch über Moodle als Teilnehmer an.

Dass sich die olympischen Götter der Antike wie Karikaturen verhielten, an die man nicht im religiösen Sinne glaubte, weil sie „alle schon von Anfang an von Offenbach waren“, ist eine der schönsten Pointen in Egon Friedells Kulturgeschichte der Neuzeit (1931). Treffend findet sich hier auch Offenbachs Konzept umrissen, real existierende Zustände in Verwaltung, Justiz, Krieg, Handel, Erotik und Geselligkeit aufzunehmen und über Rollentausch, Rausch und Revolte mit Lust und Spott zu übersteigern. Das ganz eigene Gesamtkunstwerk der Offenbachiade speist sich aus viele Quellen. Der Vater des Komponisten, Issac Eberst, wirkte in Köln als Wirtshausgeiger wie als Kantor und Vorsänger in der Synagoge. Offenbach ließ beide divergenten Erbteile in seine Werke einfließen. Vierzehnjährig verließ er Köln und setzte am Conservatoire in Paris seine Musikausbildung kurzzeitig fort. Für den Jardin Turc komponierte er Walzer und für die Salons gefühlvolle und virtuose Cellostücke. Seit dem Jahr der Pariser Weltausstellung 1855 führte er sein eigenes Théâtre des Bouffes-Parisiens mit pastoral-lyrischen, heiter-grotesken und bissig- parodistischen Stücken von Erfolg zu Erfolg. Die Mythenparodie Orphée aux enfers eröffnete 1858 die Reihe der mehraktigen Opéra bouffe. Im Zusammenwirken von Musik, Text und Bühne spiegelt Offenbachs Gesamtkunstwerk zugleich ein Stück Zeitgeschichte des Zweiten Kaiserreichs. Nach dem Ende des Kaiserreichs 1870 richtete Offenbach sein Genre als dekorative Féerie neu aus. Das Gattungsspektrum seiner Bühnenwerke reicht überdies von der Opéra comique (Fantasio u. a.) bis zur romantischen Oper (Die Rheinnixen). Offenbachs letztes Bühnenwerk Les Contes d’Hoffmann blieb eines der rätselhaften Fragmente der Operngeschichte. Aktuell setzen sich verstärkt Dirigenten der Historischen Aufführungspraxis wie John Eliot Gardiner und Marc Minkowski erfolgreich für Jacques Offenbach ein, einen der kompliziertesten Komponisten des neunzehnten Jahrhunderts.

Literatur zum ersten Einstieg

Siegfried Kracauer: Jacques Offenbach und das Paris seiner Zeit, Amsterdam 1937 (zahlreiche Neuauflagen).

Kreativität gilt als ein Leitbegriff der Musikpädagogik und Zieldimension des Musikunterrichts. Dies zeigt sich auch in seiner curricularen Verankerung in den meisten Bundesländern. Dabei zeichnet sich die musikbezogene Kreativitätsforschung (ebenso wie die nicht musikbezogene Kreativitätsforschung) durch eine große Heterogenität theoretischer Ansätze aus. Einen jüngsten Aufschwung hat die wissenschaftlich-pädagogische Auseinandersetzung mit Kreativität im Zuge der Diskussion um die 21st Century Skills erfahren, in deren Kontext Kreativität ebenso eine wichtige Rolle spielt.
Basierend auf dieser Forschungslandschaft werden in dieser Vorlesung verschiedene Strategien des Einsatzes von Kreativaufgaben und ihre erwartbaren lernrelevanten Folgen in den Blick genommen. Zentrale Fragen der Veranstaltung sind: Was ist Kreativität? Wie kann man Kreativität lernen? Wie musikspezifisch ist Kreativität? Wie erkenne ich als Musiklehrkraft, wie kreativ die Schüler:innen arbeiten?

2. Semester des ersten Grundkursmoduls

Inhaltlicher Schwerpunkt Form, Epochenschwerpunkt Wiener Klassik

Musiktheorie Modul II (3./4. Semester)

Di, 12-13 Raum 8.28, Beginn 8.10.24

Im dritten Modul Musiktheorie stehen Werke ab der Moderne bis zur Gegenwart im Fokus. Beginnend mit Werken der atonalen Phase Schönbergs und Weberns werden vorrangig Analyse- und Darstellungsmethoden vorgestellt und diskutiert. Zur Sprache kommen Einzelkomponisten wie Varèse, Messiaen, Boulez, Lutoslawski, Kurtág, Rihm, etc., aber auch Strömungen wie Minimal Music oder die musique spectrale. Am Abschluß steht eine mündliche Prüfung, in welcher ein ausgewähltes Werk der vergangenen 70 Jahre analysiert und dargestellt werden soll.