E-Learning-Umgebung der HMDK Stuttgart

Das Seminar vermittelt einen Einblick in die Inhalte musikbezogener wissenschaftlicher Disziplinen und in das wissenschaftliche Arbeiten überhaupt: Quellen – Literatur – Nachschlagewerke – Musikgeschichten usw. Anhand praktischer Beispiele üben wir die Technik der Literaturerschließung: Bibliographie – Bibliothekskatalog – Online-Recherche. Daran schließen sich (alltags-)praktische Fragen der Seminararbeit an: Wie halte ich ein Referat? Wie wird daraus eine Hausarbeit? Darf ich mit ‚Wikipedia‘ arbeiten…? Ausgehend von konkreten Beispielen und ausgewählten Texten werden grundlegende Fragen der Auseinandersetzung mit Musik diskutiert: Was unterscheidet wissenschaftliche und populäre Biographik? Was ist eine musikalische Gattung? Wofür brauche ich wissenschaftliche Notenausgaben?

Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die regelmäßige Bearbeitung kleinerer Aufgaben zu den Sitzungen sowie ein Kurzreferat und dessen Verschriftlichung in einer kurzen Hausarbeit vergeben. Die Teilnahme am zugehörigen Tutorium ist verpflichtend. Insgesamt erhalten Sie 3 ECTS crediert.

Kurs I/2: Patrizia Bieber, M.A.  

Freitag 13–15 Uhr c.t., Raum 08.04

Beginn: 14. Oktober 2024

Zugehöriges Tutorium: Dennis Brenner

Donnerstag 13–14 Uhr s.t., Raum 8.34/8.05

Beginn: 17. Oktober 2024

Hier finden Sie rechtliche Hinweise, die es bei dem Besuch von Schulen in BW zu beachten gilt. Die Informationen gelten sowohl für Studierende, die ihr Orientierungspraktikum durchführen möchten als auch für Studierende, die aufgrund schulbezogener  Forschungsprojekte Schulen des Landes BW betreten, selbstverständlich gelten diese Regelungen auch für Dozenten, die schulbezogene Forschungsprojekte durchführen oder begleiten.

English/German

Wednesdays/Mittwoch: 14:00-16:00, please register before via E-mail! /Bitte meldet Euch vorher via E-mail an!

maria.huber@hmdk-stuttgart.de

Prof. Julika Mayer, Prof. Britta Wirthmüller

Termine der Aufführungen s. u., Besprechunsgtermin jeweils donnerstags 8:45-9:45 Uhr

Stücke gucken...

… und drüber sprechen. Dies ist ein Campus Gegenwart Angebot an Studierende aus allen Studiengängen. Wir besuchen eine Auswahl an Theater-, Tanz- und Performancearbeiten, die in Stuttgart in den nächsten Monaten zu sehen sind und sprechen im Anschluss gemeinsam darüber. Was hast Du gesehen? Was hat Dich bewegt? Was hast Du wie verstanden und auf welche Arten und Weisen können wir über diese Arbeiten sprechen? Die Gespräche finden jeweils am Donnerstag nach der Aufführung von 8:45-9:45 Uhr statt. Wir werden verschiedene Gesprächs- und Reflexionsformate ausprobieren und vielleicht neue erfinden.

Die Tickets werden über den Campus Gegenwart gestellt.

Teilnehmer:innen: max. 15

Sprache: Deutsch oder Englisch, je nach je nach Sprachkenntnis der Teilnehmer:innen. Für die meisten Aufführungen in deutscher Sprache gibt es Übertitel.

Verbindliche Anmeldung bitte per Email an: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Bitte melde Dich nur an, wenn Du zu allen Aufführungs- und Gesprächsterminen kommen kannst! First come, first served.

Aufführungen und Gesprächstermine

ACHTUNG: Erste Sitzung um eine Woche verschoben: jetzt Donnerstag, 24.10., 8:45-9:45 Einführung

Freitag, 25.10., 20 Uhr "After All Springville" von Miet Warlop, Theater Rampe

Samstag, 26.10., 19 Uhr "Sancta" von Florentina Holzinger, Staatsoper Stuttgart

Donnerstag, 31.10., 8:45-9:45 Gespräch über "After All Springville" & "Sancta"

Samstag, 2.11., 20 Uhr "Catch the Moment. SaalFrei – Labor-Festival  für interdisziplinäre Improvisationskunst", FITZ 

Donnerstag, 7.11., 8:45-9:45 Gespräch über "SaalFrei"

Samstag, 30.11., 18 Uhr "Nostalgia Up & Down und Weiße Elefanten" von Citizen.Kane.Collective & Theater Replika, Schauspiel Stuttgart

Donnerstag, 5.12., 8:45-9:45 Gespräch über "Nostalgia & Weiße Elefanten"

Freitag, 13.12., 20 Uhr "Waves" von Backsteinhaus Produktions, Theater Rampe

Donnerstag, 19.12., 8:45-9:45 Gespräch über "Waves"

Donnerstag, 19.12., 20 Uhr "Anthology Shechter x Gauthier Dance", Theaterhaus Stuttgart

Donnerstag, 9.01., 8:45-9:45 Gespräch über "Anthology Shechter..."

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Prof Julika Mayer, Prof Britta Wirthmüller

For dates of the performance, please check the overview below, discussions will take place on Thursdays 8:45-9:45

Watching pieces...

... and talking about them. This is a Campus Gegenwart offer for students from all study programmes. We will visit a selection of theatre, dance and performance works that are on  in Stuttgart over the next few months and we will talk about them afterwards. What did you see? What moved you? What did you understand and how, and in which ways can we talk about these works? The discussion of each piece will take place on Thursday after the respective performance, from 8.45-9.45 am. We will try out different formats for discussion and reflection and perhaps invent new ones.

Tickets will be provided by Campus Gegenwart.

Participants: max. 15

Language: German or English, depending on the language skills of the participants. For most performances in German subtitles will be available.

Please send a binding registration by email to: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Please only register if you can come to all performance and discussion dates! First come, first served.

Performances and discussion dates

ATTENTION: first session moved by one week: now Thursday, 24 October, 8:45-9:45 Introduction meeting

Friday, 25 October, 20:00 "After All Springville" by Miet Warlop, Theater Rampe

Saturday, 26 October, 19:00 "Sancta" by Florentina Holzinger, Stuttgart State Opera

Thursday, 31.10., 8:45-9:45 talk about "After All Springville" & "Sancta"

Saturday, 2 November, 20:00 pm "Catch the Moment. SaalFrei - Festival for interdisciplinary improvisation art", FITZ

Thursday, 7 November, 8:45-9:45 talk about "SaalFrei"

Saturday, 30 November, 18:00 "Nostalgia Up & Down and White Elephants" by Citizen.Kane.Collective & Theater Replika, Schauspiel Stuttgart

Thursday, 5 December, 8:45-9:45 Talk about "Nostalgia & White Elephants"

Friday, 13 December, 20:00 "Waves" by Backsteinhaus Produktions, Theater Rampe

Thursday, 19 December, 8:45-9:45 talk about "Waves"

Thursday, 19 December, 20:00 "Anthology Shechter x Gauthier Dance", Theaterhaus Stuttgart

Thursday, 9 January, 8:45-9:45 talk about "Anthology Shechter..."

mit Andreas Lang, mittwochs 10-11:30

montags, 10:45-12:15 Uhr

Raum: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (großes Haus), 3. OG

Am 21. Oktober findet kein Unterricht statt.

In dieser Lehrveranstaltung beschäftigen wir uns mit choreographischen Prinzipien und mit Grundlagen der Performance. Durch angeleitete Übungen erproben wir gängige künstlerische Verfahren der Performance, wie die Arbeit mit Scores und Partituren, Duration, textuelle Praktiken, Chance, serielles Arbeiten oder Praxen des Notierens und Indexierens. Wir beschäftigen uns auch mit kompositorischen Strategien aus der Choreographie, dem Verhältnis von Körper und Material bzw. einem erweiterten Materialbegriff und verschiedenen Aufführungssituationen. Ziel ist, ins Machen und Ausprobieren zu kommen und darüber besser zu verstehen, wo unsere Interessen im Bereich Performance liegen.

Vorerfahrung in Performance/Tanz/Körperarbeit ist nicht notwendig. Wenn Du Dir nicht sicher bist, ob das Lehrformat für Dich zugänglich ist, schreibe mir bitte eine Email: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Kontinuierliche Teilnahme ist empfohlen und erwünscht. Bitte bringe Notizbuch und Stift mit und Kleidung, in der Du Dich gut bewegen kannst und wohlfühlst.

Das Seminar wird angeboten in Kombination mit dem Seminar „Tuning in to movement“ (montags 9:00-10:30 Uhr), ihr könnt es aber auch einzeln belegen.

Bitte melde Dich über Moodle oder per Email an.

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Mondays, 10:45-12:15

Room: 306, Willy-Brandt-Str. 8 (large building), 3^rd floor

No class on 21 October

In this course we deal with choreographic principles and the basics of performance. Through guided exercises, we will try out common artistic methods of performance, such as working with scores, duration, textual practices, chance, serial work or practices of notation and indexing. We also deal with compositional strategies from choreography, the relationship between body and material or an expanded concept of material and various performance situations. The aim is to get into making and trying things out and to better understand where our interests lie in the field of performance.

Previous experience in performance/dance/bodywork is not necessary. In case you are not sure, if this teaching format is accessible for you, please write me an email: britta.wirthmueller@hmdk-stuttgart.de

Continuous participation is recommended and desired. Please bring a notebook and pen and clothes in which you can move well and feel comfortable.

The seminar is offered in combination with the seminar "Tuning in to movement" (Mondays 9:00-10:30 am), but you can also take it individually.

Please register via Moodle or by email

Ästhetische Theorie der Performance: Das Setting (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

Raum: 8.04.

Dienstag: 16:30-19:30

Erste Sitzung: 29.03.22

 Im Theater oder im Konzert ist in der Regel der Rahmen, in welchem eine Aufführung stattfindet, durch Tradition und Konvention festgelegt: Das Setting der Aufführung – Raum, Bühne, Publikum usw. – ist fest vorgegeben. Im Gegensatz dazu reflektieren experimentelle Performance-Formen ihre Rahmenbedingungen. Sie transformieren, subvertieren oder (mit-)erzeugen das Setting ihres Auftritts. Die Radikalität dieser Reflexion unterscheidet die experimentellen von anderen Performance-Formen. Sie kann als Schwellenzustand beschrieben werden; oder auch nüchterner als Neuverhandlung des Rahmens. Entscheidend dabei ist, dass die Reflexivität des Auftrittsrahmens der künstlerischen Praxis nicht äußerlich ist.

Das Seminar untersucht den Zusammenhang von Kunstpraxis und Auftrittsrahmen. Dieser Zusammenhang hat mit einer jeweiligen Weltauffassung zu tun: mit der Erfahrung und dem Verständnis der Wirklichkeit, die eine Zeit prägen. Die Reflexivität des Auftrittsrahmens stellt die überlieferte Weltauffassung in Frage. Sie versucht, den Transformationen der Gegenwart Rechnung zu tragen: einen Ausdruck für das zu finden, was in der Gegenwart gärt.   

Wir werden im Seminar Begriffe analysieren, die in Hinblick auf diese Problematik eine wichtige Rolle gespielt haben – Begriffe wie „Liminalität“, „Reflexivität“, „Transversalität“; aber auch neuerdings „worlding“ und „Sympoiesis“. Weiters werden wir ausgewählte zeitgenössische künstlerische Positionen besprechen.

Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Pflicht für den Masterstudiengang Theorie und Praxis experimenteller Performance
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK (so auch für BiWi Bachelor und Master), sowie für Studierende der ABK und der Merz Akademie

Die Philosophie beschäftigt sich seit der Antike mit der Schönheit in der Natur und in den Künsten. Dennoch wurde die Ästhetik als eigenständige philosophische Disziplin erst im Europa des 18. Jahrhunderts durch Alexander Gottlieb Baumgarten begründet. Im Zuge dieser Entwicklung beginnt sich erst im 19. Jahrhundert der Begriff der Kunst, wie wir ihn heute verwenden, zu etablieren: Der Singular „die Kunst“ ersetzt den Plural „die schönen Künste“ und vereint die Pluralität der Kunstwerke und Kunstformen. An die Stelle kanonischer Bestimmungen von Form und Inhalt der Künste tritt nun eine neue Weise über Kunst und Kunstwerke nachzudenken. Wie eine Kunstform oder ein Kunstwerk beschaffen zu sein haben, ist nicht mehr vorbestimmt. Inhalte und Formen der Kunst lassen sich nicht mehr normativ bestimmen. Und dennoch ist es weiterhin keineswegs beliebig, was Kunst ist. Der Kunstbegriff bezeichnet nun ein Allgemeines, ein Gemeinsames, das jedoch nur in der Singularität eines Werks (produktionsästhetisch) und einer Erfahrung (rezeptionsästhetisch) denkbar ist. Als ein Allgemeines, das aber nur singulär denkbar ist, stellte der Kunstbegriff für die Philosophie eine Herausforderung dar. Mit dieser Herausforderung begann das Abenteuer der Ästhetik. Wir werden einige Schlüsselmomente dieser Geschichte erkunden, die mit der Infragestellung des Kunstbegriffs insgesamt endet.

 Die Einführung setzt sich in diesem Semester als besonderen Schwerpunkt das Thema „Dialektik“: 1. Das Entstehen der Dialektik von Form und Inhalt, Besonderem und Allgemeinem, Endlichem und Unendlichem. 2. Die Dialektik der Geschichte und der Entwicklung der Kunstformen. 3. Die Negative Dialektik. 4. Die Dekonstruktion und die Kritik der Dialektik.

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
• Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik musikbezogen ist

Anmeldung erforderlich!

Produktionsästhetisches Denken hat eine längere Tradition vozuweisen. Im Seminar werden wir es unter dem Begriff eines künstlerischen Handelns fassen, in den wir ausdrücklich auch die musikalische und theatrale Interpretation einbeziehen. Wir werden uns eingehender mit philosophischen, kunstwissenschaftlichen und theaterwissenschaftlichen Texten – also aktuellen Diskursen – befassen, die in den letzten Jahren zu diesem Thema geschrieben worden sind. Als Gast zur Veranstaltung Wissenschaft am Abend soll die Philosophin und Theaterwissenschaftlerin Marita Tatari eingeladen werden, die sich mit dem Buch „Kunstwerk als Handlung“ im Fach Theaterwissenschaften habilitiert hat. Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre und zur Teilnahme an diesem Termin mit Frau Tatari sind Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.

• Die gemeinsame und vorbereitende Textlektüre wird einer Referatsleistung (die wegfällt) gleichgesetzt und angerechnet.

Literatur

• Hantelmann/ Schieder/ Lüthy/ Gludowatz: Kunsthandeln, 2010.
• Daniel Feige/ Judith Siegmund: Kunst und Handlung. Ästhetische und handlungstheoretische Perspektiven, 2016.
• Robert Pippin: Kunst als Philosophie, 2012.
• Marita Tatari: Kunstwerk als Handlung, 2017.
• Kögler/ Pechriggl/ Winter: Enigma Agency. Macht Widerstand. Reflexivität, 2019.
• Hans Joas: Die Kreativität des Handelns, Frankfurt a.M., 1996.

Zeit und Form (Seminar)

Leitung: Dr. Marita Tatari, Vertretungsprofessur Gegenwartsästhetik

 Donnerstag: 10.30-12:30                                                                                            

Erste Sitzung 31.03.22

Raum: 8.04.

 Jenseits der formalen Definition von Kunstgattungen und jenseits der Gegenüberstellung von Form und Materie hat Form in der Ästhetik noch einen anderen Sinn. Sie bezeichnet einen künstlerischen Vorgang, der als solcher in Erscheinung tritt. So wird Form prozessual und dynamisch verstanden. Sie hat damit eine eigene, selbstständige Zeit. Diese der Form eigene Zeit entsteht immer im Rahmen einer Epoche und der sie prägenden Zeitauffassung: der Zeitauffassung, die die Gegenwart der Kunstproduktion oder -rezeption bestimmt. Die Eigenzeit der Form steht im Verhältnis zu dieser anderen epochalen Zeit.    

Das Europa des 19. Jahrhunderts stellte sich die Zeit als Fortschritt einer Geschichte vor, die sich in der Entwicklung der Kunstformen widerspiegelte. Im 20. Jahrhundert geriet diese Zeitauffassung in die Krise. Sie wurde brüchig. Heute hat der Maßstab dieser Geschichtsauffassung seine Selbstverständlichkeit verloren. Der globalisierten, postkolonialen Gegenwart kommt nicht eine Zeit zu, sondern viele. Neue Zugänge zur Geschichte finden ihren Ausgangspunkt in der Gegenwart, während das Verständnis von Zukunft sich verändert. Darüber hinaus bringt die Klima- und Umweltkrise noch eine "tiefe Zeit" jenseits der menschlichen Skala zum Vorschein.

 Wir werden im Seminar das Verhältnis von Zeit und Form analysieren und das Thema im Licht der Bedingungen der Gegenwart betrachten. Wir werden Texte lesen und Beispiele zur Diskussion stellen. Im Rahmen des Seminars sind zwei gemeinsame Sitzungen mit dem Labor Aufführungspraxis Neue Musik vorgesehen, sowie zwei transdisziplinäre Begegnungen am Campus Gegenwart unter dem Stichwort „Momente“ und der Mitwirkung u.a. von Prof. Franziska Kötz, Christof Löser und Prof. Nurit Stark. 

 Eine Literaturliste wird zu Seminarbeginn bekanntgegeben.

• Die Bereitschaft zu vorbereitender Lektüre ist Voraussetzung zur Teilnahme am Seminar.
•  Wahlpflicht für alle Studiengänge der HMDK, für Studierende der ABK und der Merz Akademie.
• Im BA Lehramt am Gymnasium im Bereich Bildungswiss. Musik für den Inhaltsbereich „Ästhetik“ ist das Seminar mit 3 ECTS-Punkten anrechenbar. Auch im MA Lehramt ist eine Anrechnung unter BiWi Musik möglich, wenn die behandelte Thematik Musikbezogen ist

Der Kurs richtet sich an alle Studierende der Opernschule

Dieser Kurs ist aus Testzwecken vorübergehend sichtbar geschaltet 

In diesem Kurs sind für die Teilnehmenden die Materialien zum download hinterlegt.

Zur Anmeldung bei ruth.woernerqhmdk-stuttgart.de den Einschreibeschlüssel anfordern.

In diesem Workshop werden Mentaltraining in Form von Imagination und Bewegungstraining miteinander verbunden. Das Bewegungstraining orientiert sich an den Prinzipien des zeitgenössischen Tanzes. Im Fokus stehen Bewegungsfluss, Phrasierung und Dynamik.  Ziel ist die Entwicklung dynamischer Präsenz und das Erwerben eines verkörperten Verständnisses von Bewegung.                                                                                                                                               Angesprochen sind alle Sänger*innen, Instrumentalist*innen und Schulmusiker*innen, die Spaß an der Bewegung haben und /oder sich auf die Arbeit in fachübergreifenden Bühnenproduktionen vorbereiten möchten.

Susanne Fromme

Unterrichtsbeginn:

27.04.19                           mo 16.00-17.00 Uhr         

Der Kurs findet online statt. Anmeldung unter: susanne.fromme.la@hmdk-stuttgart.de

Anmeldung bitte unter alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de. 

Ziel des Kurses ist die Entfaltung künstlerischer und /oder pädagogischer Potentiale, ebenso die Fähigkeit, sich mühelos(er) und authentisch(er) auf dem eigenen Instrument auszudrücken.

Prüfungen und andere Auftritte stellen hohe Anforderungen. Der Kurs zeigt verschiedene Möglichkeiten, das eigene Selbstbewusstsein zu stärken und den eigenen Körper-, Denk- und Stressmustern auf die Spur zu kommen.

Inhalte: körperlich-mentales Training, Zusammenhänge von Haltung, Atmung und Klang, Körperwahrnehmung, Körperübungen, optimale Anpassung des Instrumentes, Ausdrucksentfaltung, Hindernisse des freien Ausdruckes: Verspannungen, Schmerzen, Umgang mit Streß und Lampenfieber, Auftrittstraining mit feedback, Regeneration, Erholung und Entspannung

Statt des Gruppenkurses besteht (bis zur Möglichkeit des Gruppenpräsenzunterrichtes) die Möglichkeit zu online Einzelunterricht. Bitte unter alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de anmelden.

Einzelunterricht/musikphysiologische Beratung 

Beratung zu Fragen von Haltung und Bewegung am Instrument, Verspannungen und Schmerzen, zum Umgang mit Stress und Lampenfieber und zum konstruktiven Üben.

Anmeldung unter: alexandra.mueller@hmdk-stuttgart.de         

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Fortgeschrittene Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Fortgeschrittene Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1600 und 1900 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik zwischen 1900 und 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

 Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. 

Generell gilt: Die Teilnahme an HE 1 bis HE 4 ist nur entsprechend vorheriger Einteilung möglich. Wer bei Herrn Flade eingeteilt ist, wird von ihm direkt per Mail kontaktiert.

(Moodle wird nur für die Anzeige des Kurses verwendet. Das Kursmaterial wird über die hochschuleigene Owncloud zugänglich gemacht.)

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik ab 1945 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Grundlegende Fertigkeiten im Hören und Darstellen von Melodie und Rhythmus sowie strukturiertes Hören und Beschreiben stilspezifischer Charakteristika von Musik ab 1950 (einschließlich Harmonik, Instrumentation, Klangwahrnehmung) durch Übungen und Höranalyse unter Einbeziehung methodischer Fragestellungen.

Mo 15:45 – 17:15 Uhr, Raum 8.05

Ziel des Seminars ist – vergleichbar mit den „klassischen“ HE-Modulen – die praktische und (hör)analytische Etablierung von Fertigkeiten in verschiedenen Stilen im Jazz-/Popbereich. Im regelmäßigen Training wird zunächst Mündlich-Praktisches erarbeitet und geübt; anschließend werden diese Fertigkeiten höranalytisch in verschiedenen Stilen angewandt. Bei den beiden Blockterminen geht es um konkrete Wege zur individuellen Improvisation, so dass Jede*r seinen/ihren eigenen Zugang zu einem Solo findet. Dies geschieht aus verschiedenen Blickwinkeln, nicht nur über die kognitiv erlernten Fertigkeiten, sondern auch durch die intuitive kreative Arbeit – sei es bei der Weitergabe in der Schule oder bei der eigenen Performance on stage.

Ziel dieses Seminars ist es, eine umfassende kognitive Hörerfahrung von Tonhöhegestalt, Klangfarbe, Zeitablauf, Lautstärke und Artikulation als wesentliche Bestandteile musikalischer Sprache zu fördern. Das Seminar verbindet mehrere miteinander verbundene Perspektiven, die sich mit der grundlegenden musikalischen Funktionen des Gehörs und mit dem bewussten Verstehen von Klang und Musik als Klangsprache befassen. In diesem Zusammenhang ist das Seminar eine Einführung in ein praktisches Bewusstsein für die psychoakustischen Grundlagen des Musikhörens sowie eine Vertiefung der Wahrnehmung von instrumentalen Spieltechniken und der künstlerischen Interpretation. Der künstlerische Ansatz steht im Mittelpunkt des Kurses.

Mi 9:00-10:00 | Raum 10.04 | Beginn: 16. Oktober 2024 | 1 LP

• empfohlen in Verbindung mit HE-Übung Hörtraining Intonation (Mi 10:00-11:00)

• maximal 8 Studierende

Im Mittelpunkt des Seminars stehen die drei wesentlichen Intonationsstrategien rein, temperiert und pythagoreisch. Es geht einerseits um ein grundsätzliches Verständnis ihrer jeweiligen Charakteristik bzw. Problematik sowie andererseits um ihre Anwendung an konkreten Beispielen im musikalischen Kontext. Dabei stellt sich immer wieder die Frage, welche Art der Intonation im jeweiligen Fall besonders überzeugend erscheint und warum. Zur Veranschaulichung werden verschiedene MAX-Programme verwendet, die von den Studierenden auch eigenständig genutzt werden können (Mac bzw. Windows).

Do 12:15-13:45 | Raum 10.04 | Beginn: 17. Oktober 2024 | 2 LP

• für MA Neue Musik und sonstige Interessierte

• für BA-Studierende belegbar in reduzierter Form: Do 12:15-13:15, 1 LP

• in einigen BA-Studiengängen (nicht im BA Lehramt) speziell anrechenbar im Bereich Hörerziehung Neue Musik

• BA-Studierende sollten HE4 bereits absolviert haben

• maximal 8 Studierende

Im Rhythmustraining Neue Musik I stehen allgemeine rhythmische Problemstellungen Neuer Musik im Mittelpunkt, die systematisch erarbeitet und in vielfältigen Kombinationen umfassend trainiert werden: 16tel, 32tel, Achteltriolen, Sextolen, Quintolen, Septolen, andere X-tolen sowie Taktwechsel und metrische Modulation. Außerdem werden methodische Herangehensweisen an konkrete rhythmische Probleme im individuellen Repertoire thematisiert.

Do 13:00 – 14:00, Raum 10.08

Contrapunto alla mente, auch als Chanter sur le livre bezeichnet, ist improvisiertes gemeinsames Singen nach bis heute gültigen Regeln aus der Renaissance-Zeit, und zwar auf zwei Arten: 

1. Zu einer gegebenen Melodie (Cantus Firmus) wird spontan eine passende zweite, dritte oder vierte Stimme improvisiert.
2. Ein Kanon (Dux) wird so begonnen und weitergeführt, dass unmittelbar nachfolgende Stimmen (Comes 1, Comes 2) dazu passen und man schließlich gemeinsam endet. 

Musikalisches Vorstellungsvermögen und Voraushören, ein gutes Gedächtnis und eine sichere Bewegung im dur-moll-tonalen (und modalen) Tonraum trainieren wir auf diese Weise ebenso effektiv wie kreativ. 

Tutorium Hörerziehung bei Thomas Topalis

Materialien zur Beobachtung, Reflexion und Vorbereitung von Lehrproben im Fach Klavier (Unterstufe, Mittel-/Oberstufe)

Didaktik/Methodik II für hohe Streicher

Simone Riniker Maier

Freitag 14-15 Uhr, 8.28

DI 16.45-18.00 Uhr --> Raum 7.17  --- Beginn 8.10.2024

Jugendliche: Motivation, Peers, Projekte – Klassik-Hits kreativ – Popsongs hören, spielen, lesen – hAPPy Tutorials? – Etüden musikalisch & methodisch vielfältig − sicher performen − Gedächtnis − Wettbewerbe – Kammermusik

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an BA Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik Klavier und Interessierte. Beginn ist in jedem Semester möglich.Das nächste Semester hat den Schwerpunkt "Künstlerisches Klavierspiel".

Mittwoch, 12.00-13.00 Uhr (14-tägig), Raum 7.17 – Beginn 23.10.2024
Weitere Termine: 6.11., 20.11., 4.12., 18.12., 15.1.2025, 29.1., 12.2.

Seminar mit Einzelberatung für Pianist*innen, Cembalist*innen und Organist*innen im Haupt- und im Nebenfach

Anstrengende Passagen?
Gelegentlich Irritationen oder Schmerzen in Hand oder Unterarm?
Noch können Sie darauf reagieren …

Das FORUM nimmt anstrengende Passagen physiologisch-anatomisch unter die Lupe. Beim Feinjustieren von Tastenkontaktpunkten, Gelenkwinkeln, Fingersätzen und Spielbewegungen können Sie spüren, wie sich kleinere oder größere Änderungen auf muskulären Aufwand, Präzision, Sicherheit und Ausdauer auswirken. Ihre individuellen Spannweiten sind dabei maßgeblich. Ökonomische, künstlerisch begründete Übe-Strategien ergänzen das Spektrum.

Punktuelle Teilnahme möglich.
Anmeldung unter ulrike.wohlwender@hmdk-stuttgart.de

Individuelle Beratungstermine werden nach Reihenfolge der Anmeldungen vergeben.

Materialien zur Planung, Durchführung und Reflexion von Lehrproben im Fach Gesang

Das Modul widmet sich dem vielseitigen Berufsfeld des Unterrichtens und bietet einen ersten Einblick in zentrale Kernthemen der Instrumentalpädagogik, wie beispielsweise Motivation, Üben, Lernfelder, Lernwelten, Vermittlungsmethoden, Kommunikation, Spiele im Instrumentalunterricht, Umgang mit Fehlern und Bildungskooperationen. Diese werden praxisnah und interessensgeleitet diskutiert und reflektiert.

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und alle Interessierten!

DI 10.00-11.30 Uhr ODER 11.45-13.15 Uhr
-- 1. Semester -- zwei parallele Kurse gleichen Inhalts
--> ab 15.10., Raum 7.17

Zentrale Aspekte von musikalisch-instrumentalem Lernen und von Instrumentalunterricht werden praxisbezogen reflektiert und diskutiert: Ziele von Instrumentalunterricht – IGP im wissenschaftlichen Kontext – Lernwege / Übemethoden: Chunking, Musizierendes Lernen, wildes Lernen, differenzielles Training – Motivation – Musikalität / Begabung – schwarze Pädagogik vs. pädagogische Professionalität – Rolle der Eltern / Elternarbeit

Das Modul läuft über zwei Semester und richtet sich an Bachelor Musik, Ergänzungsstudium Fachdidaktik instrumental/vokal und Interessierte.

Das Nachdenken über die Frage, was Kunst ist bzw. wie sie sich definieren lässt, ist wahrscheinlich so alt wie das menschliche Denken selbst und wird von unzähligen Faktoren geprägt, zu denen verschiedene Kulturkreise als auch subjektive Neigungen und individuelle Sozialisation zählen. Seit jeher beschäftigen sich Philosophen, Kunsttheoretiker, Künstler und Pädagogen mit Definitionsversuchen und befeuern einen anhaltenden Diskurs, welcher wohl niemals zu einem endgültigen und allumfassenden Ergebnis gelangen kann, da stetige Entwicklungen im Kunstbereich auch immer neue Definitionsansätze herausfordern. Auf der Grundlage der vielfältigen Möglichkeiten der Bestimmung und Wahrnehmung von Kunst widmet sich dieses Seminar Perspektiven auf „das Künstlerische“ in künstlerisch-pädagogischer Praxis. 

Inmitten tiefgreifender gesellschaftlicher Wandlungsprozesse und Krisen scheinen sich Kulturschaffende vermehrt mit Fragen der Relevanz, der Verantwortung sowie ihres Beitrags zu einem gelingenden gemeinschaftlichen Zusammenleben in der Zukunft auseinanderzusetzen. Auch im Bereich der Instrumentalpädagogik rücken Ansätze und Versuche zu transdisziplinären Verbindungen von künstlerischen, wissenschaftlichen, pädagogischen sowie gesellschaftlichen Fragestellungen vor dem Hintergrund einer Verantwortungsübernahme für und in der Zukunft nach und nach ins Zentrum aktueller Auseinandersetzungen. In diesem Seminar werden wir der Frage nachgehen, ob und wie Instrumentalunterricht zu gesellschaftlichen Veränderungen beitragen und wie eine Entwicklung hin zu einer künstlerischen Bürgerschaft (Artistic Citizenship) befördert werden kann.

Jazz Theorie I (2024/2025)

Mittwoch, 14:00 Uhr - 15:30 Uhr

Raum 10.05

Volker Engelberth

Die Studierende vertiefen ihre Tonsatzkenntnisse auf avancierte Verfahren anhand von Übung und Analyse. In praktischen Unterrichtseinheiten setzen sie kompositorische Modelle für unterschiedliche Besetzungen um und sammeln Erfahrung in der Konzeption von Verlaufsformen und zeitlichen Relationen sowie der Verbindung von Komposition mit Improvisation.  Sie widmen sich melodischen Formen und dem Bezug Melodie-Harmonie durch Analyse und Übung.

Schüttler | Di, 11-13 Uhr s.t. | Raum 8.05
Musik und Politik

Musik und Politik gehen schon seit Jahrhunderten immer wieder unterschiedliche
Verbindungen ein. Aber erst im 20. Jahrhundert entwickelte sich in Europa eine Musik,
die sich explizit als politisch begriff und auf konkrete Veränderungen gesellschaftlicher
Realitäten abzielte. Komponisten wie Hanns Eisler oder Kurt Weill verwendeten dafür
nicht nur die populäre Musik ihrer Zeit, sondern auch kritische Texte von Brecht,
Tucholsky oder Majakowski.
Nach dem zweiten Weltkrieg entwickelten sich unterschiedliche Konzepte politischer
Musik weiter. Im Bereich der notierten Musik, aber auch in unterschiedlichen Formen
populärer Musik rückten politische Themen besonders in den 60er und 70er Jahre
immer stärker in den Vordergrund.
In einer stark politisierten Gegenwart hat die Verbindung aus Musik und Politik erneut
andere Formen angenommen. Sei es in Aktivismus, Performance oder Medienkunst, in
Debatten um Klimawandel, Urheberrecht, Postkolonialismus und Diversität – das
Politische ist auch in der Musik aktueller denn je.
Ausgehend von Themen unserer Gegenwart untersucht das Seminar „Musik und
Politik“ Möglichkeiten, Fragen und Kritik musikalisch-politischer Konzepte, ordnet sie
historisch ein und versucht eine Annäherung an das Problemfeld mithilfe eigener
künstlerischer Versuche.

The CCSS course at Studio for Electronic Music (StEM), led by Marco Bidin, aims primarily to provide the essential tools to develop a musical and technical awareness of computer-generated sounds. For this purpose, the group focuses on working in OpenMusic, especially with the library OM-Chroma.

Thanks to the intuitive visual programming in the OpenMusic environment, the students engage in learning the classic synthesis techniques, experimenting with creative methods of control, and in including the generated sounds in their compositional thinking and formalisation of musical ideas. The students also learn a critical approach to the sound results by active listening, spectral analysis in Audiosculpt, and revising the synthesis information from the CSound scores generated by OM-Chroma.

2SWS Seminar + 2 SWS Übung

Course director: Marco Bidin 

Analyse und Diskussion aktueller musikalisch/künstlerischer Fragen (offen für Interessierte)

In diesem Seminar geht es darum, Forschungsansätze im Bereich der künstlerisch-wissenschaftlichen Forschung (im Englischen bekannt unter Artistic Research) kennenzulernen, und mögliche Handlungsoptionen für eigene Fragestellungen zu entwickeln.

Das Seminar ist für Studierende aller Bachelor- und Masterstudiengänge im Bereich Musik offen.

Montag, 14 – 16 Uhr, Raum 8.34

Beginn: 14. Oktober 2024

Anrechenbar sowohl im BA LA Gym als auch im MA LA Gym (dort im Bereich Wahl Wissenschaft) [4 ECTS]

Am 4. September 2024 titelt SWR>>Aktuell online „Landesschülerbeirat wirft BW-Bildungspolitik Versagen vor“. Einer der Vorwürfe lautet, die Unterrichtsinhalte seien ‚veraltet“, zudem für den Alltag der Schüler nicht relevant. Wieder einmal wird die Utilitarismus-Debatte losgetreten. Was sollte Teil der Allgemeinbildung sein und welche Bildung brauchen wir?

„Wieder einmal?“ – Ja, denn vor genau 20 Jahren forderte die Konrad Adenauer Stiftung 2004 eine „Bildungsoffensive durch Neuorientierung des Musikunterrichts“, sogar ein Werkkanon wurde ins Gespräch gebracht und bundesweit diskutiert. 2016 mahnte dieselbe KAS mangelnde Studierfähigkeit der Abiturienten an, auch damals wurden „Probleme mit der deutschen Bildung“ identifiziert.

Dabei sollten das Erarbeiten von Sinn und Bedeutsamkeit als wichtige Bestandteile persönlicher Bildung beständig den Unterricht in allen Fächern und auf allen Klassenstufen leiten. Ob sich dabei auch die Allgemeinbildung aktualisiert und wie sehr sie dann noch an Zweck und Nutzen gebunden erscheint, hängt nicht unwesentlich von der jeweiligen Kontextualisierung der Inhalte ab.

Musikunterricht zukunftsfähig zu gestalten und weiterzuentwickeln, kann man lernen. Ihr Studium soll dazu beitragen, Ihnen bestmögliche Voraussetzungen für diese Gestaltungsfähigkeit zu vermitteln und Sie dazu befähigen, Bildungsprozesse kompetent anzuregen und förderlich zu begleiten.

Reduziert und exemplarisch, an nur einem einzigen Musikstück von etwa 7 Minuten Dauer, werden wir die faszinierende Vielfalt der Möglichkeiten erproben, Musik für unterschiedliche Vorhaben zu kontextuieren, wobei alle Konstituenten dabei durch wechselnde Gewichtung einmal mehr in den Vordergrund rücken und einmal nur zum Stichwortgeber geraten. Gewinnerin sollte im besten Fall neben Ihrer eigenen Bildung die Musik sein, die Sie in vielen Facetten kennen lernen. 

Einige für unsere Fragestellung(en) zentrale Aufsätze, z.B. von Christian Rolle zur musikalisch-ästhetischen Bildung oder von Christopher Wallbaum zu exemplarischen Praxen, aber auch von Florian Heesch zu Popkultur und Populären Songs u.v.m. stehen als virtueller Seminarapparat im Moodle zur Verfügung. Wir werden für unsere Argumentationen begleitend mit ihnen und weiterer Sekundärliteratur nach Bedarf arbeiten.

Wie aktuell und wie anwendungsorientiert Sie letztendlich Ihren abschließenden Zugang gestalten, der in eine kleine schriftliche Hausarbeit münden soll, bleibt Ihnen überlassen. Der Bildungsplan wird uns zusätzliche Anregungen bieten und Muster vorgeben, sicher aber keinen Ideen im Wege stehen.

Zum Einstieg wäre es hilfreich, wenn Sie sich schon einmal mit dem Bildungsplan 2016 für das Fach Musik an Gymnasien in BW vertraut machen. Sie finden ihn unter https://www.bildungsplaene-bw.de/,Lde/LS/BP2016BW/ALLG/GYM/MU

Mittwoch 9-11 Uhr via Zoom

Den Zoom-Link erhalten Sie nach einer kurzen Anmeldung zum Kolloquium unter christiane.lenord@hmdk-stuttgart.de

Dienstag, 9 – 11 Uhr (c.t.), Raum 8.34

Beginn: 15. Oktober 2024

Studierenden soll in diesem Seminar die Möglichkeit gegeben werden, Musikunterricht anhand eigener Fragestellungen zu entwickeln und anschließend zu erforschen und zu reflektieren. Ziel des Seminars ist es, durch den forschenden Zugang Reflexionsmethoden zu erlernen, die helfen können, den zukünftigen eigenen Unterricht immer wieder kritisch zu beleuchten und zu entwickeln.

Im Rahmen des Seminars werden Unterrichtsstunden gemeinsam entwickelt und am Eberhard-Ludwigs-Gymnasium durchgeführt, um diese anschließend mit Methoden aus der Schul- und Praxisforschung, v.a. Interviewtechnik, Fragebogen und Beobachtung zu evaluieren. Die gewonnenen Ergebnisse werden dabei jeweils Grundlage für die Planung einer weiteren Unterrichtsstunde sein. Im Abschluss des Seminars werden sowohl die gewonnenen Forschungsergebnisse zusammengeführt als auch die individuellen Unterrichtserfahrungen reflektierend in Form von Präsentationen dargestellt.

Voraussetzung für einen Leistungsnachweis ist die aktive Arbeit an dem gemeinsamen Forschungsprojekt mit Unterrichtsbesuchen am Eberhard-Ludwigs-Gymnasium.

Da die Seminarplätze begrenzt sind, wird um eine Anmeldung vorab gebeten:
christiane.lenord@hmdk-stuttgart.de

Prof. Tamara Schmidt, HMTM Hannover/HfK Heidelberg, a. G.

Transdisziplinäre Zugänge zu Musiktheater                                                            

Blockseminar mit Exkursion [3 ECTS], Raum 8.34

Erste Sitzung (Einstieg, Seminarorganisation, per Zoom): Freitag, 18.10.2024, 16 – 20 Uhr

Block: Donnerstag, 14.11.2024, 18 – 21 Uhr und Freitag, 15.11.2024, 10 – 17.30 Uhr

Exkursion: Staatsoper Stuttgart und Opernbesuch Idomeneo am Donnerstag, 5.12.2024, 18 – 22.30 Uhr

Workshop und Seminar: Freitag, 13.12.2024, 13 – 17.30 Uhr

Asynchrone Sitzung zu Projektskizzen: Termine (ca. 1 ½ Stunden) nach Absprache in KW 2 (zwischen 6. und 10. Januar 2025), dabei mögliche beratende Begleitung (Zoom)

Abschlusssitzung (Vorstellung und Diskussion Projektskizzen und Ausblick) online per Zoom: Termin (ca. 3 Stunden) nach Absprache im Seminar

*Hinweis: Wegen dieser einen unvermeidlichen Überschneidung mit dem Studioorchester sprechen Sie bitte früh genug mit Herrn Wien.

Dieses Proseminar ist im BA LA Gym sowohl als Proseminar FD für Musikpädagogik als auch im Bereich Wahl Wissenschaft anrechenbar, nicht aber als Wahl FD, außerdem im MA LA Gym im Bereich Wahl Wissenschaft. Studierende aus anderen Studiengängen als dem Lehramt sind willkommen, sofern Plätze frei sind.

Aufgrund einer in das Seminar integrierten Exkursion ist die Anzahl der Plätze auf 15-20 TeilnehmerInnen beschränkt und eine frühe Voranmeldung über Moodle unbedingt empfehlenswert.

Die Gattung Musiktheater schafft durch z.B. institutionelle Hürden oder ihre Stilisiertheit nicht nur Ausschlüsse, sondern durch ihre transdisziplinäre Beschaffenheit auch zahlreiche Zugänge. In diesem Seminar werden aktuelle Ansätze der Musiktheatervermittlung betrachtet, die Vermittlung als künstlerische Praxis mit dem Anspruch von Partizipation und Teilhabe diskutieren. Zahlreiche Praxisbeispiele, ein gemeinsamer Probenbesuch und Gespräche mit Akteur*innen werden vor dem Hintergrund aktueller Vermittlungsdiskurse und eines zeitgenössischen, performativen Musiktheaterbegriffs betrachtet. 

Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die vorbereitende Textlektüre zu den Sitzungen sowie die Konzeption und Präsentation einer Projektskizze in Kleingruppen vergeben. 

Weitere Infos unter tamara.schmidt@hmtm-hannover.de, Anmeldung bitte über moodle bis einschließlich 8. Oktober 2024.

Das Seminar vermittelt einen Einblick in die Inhalte musikbezogener wissenschaftlicher Disziplinen und in das wissenschaftliche Arbeiten überhaupt: Quellen – Literatur – Nachschlagewerke – Musikgeschichten usw. Anhand praktischer Beispiele üben wir die Technik der Literaturerschließung: Bibliographie – Bibliothekskatalog – Online-Recherche. Daran schließen sich (alltags-)praktische Fragen der Seminararbeit an: Wie halte ich ein Referat? Wie wird daraus eine Hausarbeit? Darf ich mit ‚Wikipedia‘ und künstlichen Intelligenzen arbeiten…? Ausgehend von konkreten Beispielen und ausgewählten Texten werden grundlegende Fragen der Auseinandersetzung mit Musik diskutiert: Was unterscheidet wissenschaftliche und populäre Biographik? Was ist eine musikalische Gattung? Wofür brauche ich wissenschaftliche Notenausgaben? 

Der Leistungsnachweis wird für aktive Mitarbeit, die regelmäßige Bearbeitung kleinerer Aufgaben zu den Sitzungen sowie ein Kurzreferat und dessen Verschriftlichung in einer kurzen Hausarbeit vergeben. Die Teilnahme am zugehörigen Tutorium ist verpflichtend.

Anmeldung: Bitte besuchen Sie den Studienberatungstag am Mittwoch, 09. Oktober 2024, 14–16 Uhr c.t. (OPR). Hier wird die Einteilung vorgenommen. 

Literatur:

Gardner, Matthew / Springfield, Sara: Musikwissenschaftliches Arbeiten: Eine Einführung (Bärenreiter Studienbücher Musik 19), Kassel 2014.

Schwindt-Gross, Nicole: Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel. Techniken. Aufgaben (Bärenreiter Studienbücher Musik 1), Kassel (7. Aufl.) 2010.

Das Seminar vermittelt einen Einblick in die Inhalte und Methoden der Musikwissenschaft und in das wissenschaftliche Arbeiten überhaupt: Quellen – Literatur – Nachschlagewerke – Musikgeschichten usw. Anhand praktischer Beispiele üben wir die Technik der Literaturerschließung: Bibliographie – Bibliothekskatalog – Online-Recherche. Daran schließen sich (alltags-)praktische Fragen der Seminararbeit an: Wie halte ich ein Referat? Wie wird daraus eine Hausarbeit? Darf ich mit „Wikipedia“ arbeiten…? Ausgehend von konkreten Beispielen und ausgewählten Texten werden grundlegende Fragen der Auseinandersetzung mit Musik diskutiert: Was unterscheidet wissenschaftliche und populäre Biographik? Was ist eine musikalische Gattung? Wofür brauche ich wissenschaftliche Notenausgaben…?

Kurs I: Prof. Dr. Hendrikje Mautner-Obst

Montag 11 – 13 Uhr c.t., Raum 8.28

Beginn: 10.10.2022

Tutorium (verpflichtend): Josephine Spemann

Mittwoch, 13-14 Uhr, Raum 8.34

Beginn: 26.10.2022

Mittwoch, 11 – 13 Uhr (c.t.), Raum 08.05

Beginn: 16. Oktober 2024

Mehr noch als durch die vierhundertjährige Wiederkehr seines Ausbruchs stößt der lange im Schatten der beiden Weltkriege stehende dreißigjährige Krieg durch die von vorstaatlichen Akteuren wie Söldnertruppen, Warlords und Rebellengruppen mitgeprägten „neuen Kriege“ des 21. Jahrhunderts auf ein aktualisiertes Interesse. Aus musikhistoriographischer Perspektive impliziert diese bedrückende Aktualität die vertiefte Auseinandersetzung u.a. mit den folgenden Themenkomplexen: - Krieg als Thema der Musikgeschichte - Musik auf den Schlachtfeldern des 17. Jhd. - „Soziales Medium“: Das (populäre) Lied als Werkzeug der Propaganda - Institutionelle Folgen: Aufstieg und Niedergang der Hofkapellen und Kantorate - Positionierung und (Überlebens-)strategien der Komponisten - Musik im konfessionellen Streit und diplomatischen Disput - Trost, Bewältigung und Euphorie: Musikalische Kriegsklagen und Friedensfeiern - Nachleben und Darstellung des Dreißigjährigen Kriegs auf der Opernbühne.

Enzyklopädisches Komponieren bei Johann Sebastian Bach

Dienstag, 20–21:30 Uhr (s.t.), Raum 8.28

Beginn: 2. April 2024

Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 31. März 2024.

Überschaut man das Œuvre von Johann Sebastian Bach, so treten quer durch alle Gattungen und Besetzungen immer wieder Werke und Werkgruppen hervor, die einen deutlichen Hinweis darauf geben, dass Bach wie wohl kein anderer Komponist in größeren zyklischen, wenn nicht gar enzyklopädischen Zusammenhängen dachte. Verbunden ist damit aber auch die Idee der Varietas, der beständigen Abwechslung und Variation, so dass sich selbst in größeren Kontexten keine Konstellation wiederholt. Wie sich konzeptionelle Einheit und musikalische Mannigfaltigkeit gegenseitig ergänzen, soll in diesem Seminar exemplarisch untersucht werden anhand des Orgelbüchleins und der Clavierübung III, den Brandenburgischen Konzerten und der Sonaten und Partiten für Violine solo, dem Jahrgang der Choralkantaten, dem Wohltemperierten Clavier und der Kunst der Fuge.

Einführende Literatur:

•   Bach-Handbuch, hrsg. von Konrad Küster, Kassel 1999.

Die Erprobung des Neuen.
Kompositionen für Streichquartett der 1920er Jahre

Dienstag, 20:15–21:45 Uhr, Raum 8.28 (einzelne Termine per Zoom möglich)

Beginn: 10. Oktober 2022

Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 8. Oktober 2023.

Kaum überschaubar ist die Fülle der Streichquartette, die während der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden. Vor allem die sich in ihnen spiegelnden unterschiedlichen Strömungen und Stile machen es nahezu unmöglich, eine gattungsgeschichtliche Entwicklung unter vorwiegend satztechnischen Aspekten zu beschreiben. Im Seminar stehen daher einzelne Komponisten und ihre Werke (vorwiegend der 1920er Jahre) im Fokus. Darüber hinaus soll die Bedeutung des Streichquartetts auf den Musikfesten für zeitgenössische Musik (Donaueschingen und IGNM) sowie das von einzelnen Ensembles aufgeführte Repertoire erkundet werden.

Einführende Literatur:

•   Friedhelm Krummacher, Das Streichquartett, Bd. 2: Von Mendelssohn bis zur Gegenwart, Laaber 2003 (= Handbuch der musikalischen Gattungen Bd. 6/2).

•   Ludwig Finscher, Monument, Miniatur und mittlerer Weg. Zur Poetik des Streichquartetts in der ersen Hälfte des 20. Jahrhunderts, in: Das Streich­quartett in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Kgr.-Ber. Zürich 2001, hrsg. von Beat A. Föllmi, Tutzing 2004 (= Schriftenreihe der Othmar Schoeck-Gesellschaft Bd. 4), S. 15– 24.

•   Michael Kube, Innovation und Repertoire – Das Streichquartett der 1920er Jahre im Spiegel der Musikfeste, in: Das Streichquartett in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Kgr.-Ber. Zürich 2001, hrsg. von Beat A. Föllmi, Tutzing 2004 (= Schriftenreihe der Othmar Schoeck-Gesellschaft Bd. 4), S. 141 – 152.

Bitte beachten Sie den Kommentar im KVV.

donnerstags, 11-13 Uhr c.t., Raum 8.28

Beginn: 06.04.2023

zusätzliche Blockveranstaltung am Samsztag, 24.06.2023, 9-19 Uhr, Raum 8.28

Die Teilnahme an der ersten Sitzung ist zwingend, weil in dieser Sitzung Grundlegendes besprochen wird, z.B. die Unterrichtstermine.

Joseph Martin Kraus (1756–1792). Schwedens Mozart aus dem Odenwald

Dienstag, 20:15–21:45 Uhr, Raum 8.28 (einzelne Termine per Zoom)

Eine Tagesexkursion ist vorgesehen.

Beginn: 11. Oktober 2022

 Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 10. Oktober 2022.

«Kraus war der erste Mann von Genie, den ich gekannt habe. Warum musste er sterben?! Er ist ein unersetzlicher Verlust für unsere Kunst.» So erinnerte sich Joseph Haydn im Jahre 1801 an einen Komponisten, der in der Musikgeschichte allerdings kaum Spuren hinterließ. – Dass Joseph Martin Kraus (1756–1792) im selben Jahr wie Wolfgang Amadeus Mozart geboren wurde und auch nur wenige Monate nach diesem verstarb, brachte ihm zwar später die Bezeichnung als «schwedischer Mozart» ein. Vielen Zeitgenossen war Kraus jedoch kaum bekannt, im 19. Jahrhundert geriet sein kaum verbreitetes kompositorisches Schaffen gänzlich in Vergessenheit. Im Odenwald geboren und in Mannheim ausgebildet, studierte Kraus zunächst in Erfurt und Göttingen, bevor er Versprechungen folgte und nach Stockholm ging. Dort wurde er allerdings erst nach Jahren zum Hofkapellmeister ernannt, eine vierjährige (!) Reise durch Europa schloss sich an. 1792 wurde er Zeuge des Attentats auf König Gustav III. (ein historisches Geschehen, das später übrigens Verdi in seinem Maskenball verarbeitete, ohne allerdings Kraus zu erwähnen); die mit dem Begräbnis des Königs in Zusammenhang stehenden Kompositionen waren zugleich auch die letzten von Kraus. – Im Seminar zeichnen wir einzelne seiner musikalischen Stationen nach, beschäftigen uns mit der Ästhetik der Zeit («Sturm und Drang») und natürlich mit der Musik selbst (Sinfonien, Kammermusik, Vokalmusik, Oper).

Einführende Literatur:

•   Karl Friedrich Schreiber, Biographie über den Odenwälder Komponisten Joseph Martin Kraus, Buchen 1928, Neuausgabe, hrsg. von Helmut Brosch, Gerhart Darmstadt und Gerlinde Trunk, Buchen 2006.

•   Joseph Martin Kraus in seinen Briefen, hrsg. von Irmgard Leux-Henschen, Stockholm 1978 (= Musik in Schweden Bd. 4).

•   [Joseph Martin Kraus.] Etwas von und über Musik fürs Jahr 1777, hrsg. von Friedrich Wilhelm Riedel, München 1977.

Mittwoch, 16–18 Uhr (c.t.), Raum 8.28
Beginn: 16.10.2024  (Anmeldung im e-learning oder in der 1. Sitzung)

Was ist eigentlich eine Motette – und warum hat (fast) jedes Jahrhundert etwas anderes darunter verstanden? Warum ist Beethovens „Neunte“ Inbegriff politischer Musik – und nach dem Verständnis mancher Komponisten das Ende der Symphonie als Gattung? Welchen Stellenwert haben Jazz, HipHop, Schlager oder Volksmusik für die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts?

„Musikgeschichte im Kontext“ (im BA Lehramt eine der möglichen Varianten der Bachelorarbeit, im MA Lehramt anrechenbar unter BiWi Musik) bietet Gelegenheit, vorhandene Kenntnisse in diesem Bereich (z.B. aus den Überblicksvorlesungen) auszubauen und kritisch zu reflektieren. Im Selbststudium bzw. in Gruppenarbeit werden frei gewählte Themen erarbeitet und im Kolloquium vorgestellt. Hinzu kommt der Versuch, sich einen gewissen Überblick zu erarbeiten – und zu fragen, was das überhaupt sein soll: ein „Überblick“ über ein so diverses und kontroverses Feld wie die Musik. Komponisten, Gattungen und Epochen sollen nicht als bloßes Faktenwissen erlernt, sondern in ihrem struktur- und institutionsgeschichtlichen Zusammenhang verstanden werden – in politischen, sozial- und mediengeschichtlichen Kontexten. Dazu fügen sich Fragen der Wertsetzung, der Kanonbildung, der Grenze zwischen „E“ und „U“ oder auch der Verortung „westlicher“ Musik im Rahmen einer „Global Music History“.

Donnerstag, 11 – 13 Uhr (c.t.), Raum 08.28

Beginn: 17. Oktober 2024

Das westafrikanische Ghana (ein heute über 30 Millionen Einwohner umfassendes Land in dem bis zu 40 verschiedene Sprachen im unterschiedlich breiten Gebrauch sind) zeichnet sich sowohl durch eine regional vielfältige Musik- und Performancekultur als auch die frühzeitige Ausbildung einer sich ihrer Erforschung widmenden afrikanischen Musikwissenschaft aus. Die Auseinandersetzung mit dem Wandel traditioneller Musik, der Ausbildung populärer Musikkulturen wie Highlife und Hiplife sowie Bestrebungen, aus divergenten Traditionen eine nationale Überlieferung zu kreieren, erfordert dabei stets das Zusammendenken historischer, sozialer, struktureller und ästhetischer Aspekte.

Studierende erarbeiten sich einen Überblick über 120 Jahre Popgeschichte entlang dessen, was wir heute für eine ‚Kanon‘ der Popmusik halten – und werfen einen Blick auf mögliche Alternativ-Geschichtsschreibungen. Der Bogen reicht von populären Musikformen Anfang des 20. Jahrhunderts (Musical, Revue, Ragtime) über den Rock’n’Roll, die ‚Swinging Sixties‘ und die folgende Vervielfältigung der Genres (Rock, Pop, Funk, Reggae/Dub, Disco, Hiphop, Punk, Metal, Grunge, Electronic Dance Musik – offene Liste) bis hin zur digitalen Popmusik unserer Tage. Das Gerüst bilden Stars und Ereignisse, die Popgeschichte geschrieben haben.

Popmusik kann unterschiedliche Bedeutung in privaten und öffentlichen, in historischen, sozialen, kulturellen und politischen Situationen erhalten, aber welche Rolle spielt dabei die Musik? Die Musikwissenschaft ist seit vielen Jahren dabei, die Relevanz musikanalytischer Einsichten in Popsongs zu diskutieren. Was sind die geeigneten Werkzeuge und Methoden für welche Fragen und Zugänge? Wie analysiert man Soulgesang oder ein Billie-Eilish-Album? Die Teilnehmer*innen diskutieren Potentiale und Probleme der Analyse von Popsongs und lernen aktuelle Ansätze und Beispiele dafür kennen, wie sich eine kulturtheoretisch, sozial- und (oder) medienwissenschaftlich informierte Pop-Reflexion mit Musikanalyse verbinden lässt. Im Mittelpunkt: das Verfassen eigener, methodisch reflektierter Analysen.

Di 16–18 Uhr c.t., 8.04
Beginn: 15.10  (vorherige Kontaktaufnahme per e-mail erbeten)

Kein anderer Komponist hat um 1910 den Anspruch einer (später so genannten) Neuen Musik so radikal formuliert wie Arnold Schönberg. Neuartige Besetzungen, Farben und Spielweisen, „atonale“ Harmonik, kurze (Klavier-)Stücke von manchmal nur wenigen Takten Länge, im Einzelfall sogar der Verzicht auf thematische Arbeit – Schönbergs expressionistische Phase steht für einen euphorisierenden Aufbruch, wenn man so will: einen „Musikstil der Freiheit“ (Theodor W. Adorno). Zugleich bevölkern neue, teils bizarre und unheimliche Figuren seinen musikalischen Kosmos, allen voran „Pierrot lunaire“ aus Bergamo (so in den für „Sprechstimme“ komponierten Gedichten Albert Girauds).

Im Seminar erarbeiten wir musikalische Werke Schönbergs aus dieser Zeit, darunter das 2. Streichquartett, die Georgelieder, das Monodram Erwartung, die Klavierstücke op. 11 und op. 19. Wir lesen Ausschnitte aus dem theoretischen bzw. literarischen Werk der Zeit und werfen einen Blick auf Schönbergs Ausflüge in die Malerei. Die neuere Forschung erschließt unerwartete Querverbindungen zu Schönbergs „Lebenswelten“ der Zeit, sowohl im Privaten als auch in der beschleunigten Modernisierungserfahrung in Wien und Berlin vor dem Ersten Weltkrieg.

Für Ende November/ Anfang Dezember ist ein Arbeitswochenende in schöner Umgebung (z.B. auf Schloss Kapfenburg) angedacht, bei dem wir uns frei von Ablenkungen ganz einem einzelnen Werk widmen: Pierrot lunaire op. 21 (kleiner Exkursions-Eigenanteil erforderlich). Danach werden die wöchentlichen Seminarsitzungen schon vor Weihnachten beendet. Bei Interesse am Seminar und am Pierrot-Wochenende nehmen Sie bitte nach Möglichkeit schon vor Semesterbeginn Kontakt auf (andreas.meyer@hmdk-stuttgart.de), die verbindliche Anmeldung zum Seminar erfolgt in der ersten Woche.

wie in KVV beschrieben. Bitte schreiben Sie sich in Moodle als Teilnehmer ein.

In den späten 1950er Jahren machte sich eine junge Generation von Musiker*innen in den USA daran, die bisherigen Spielregeln des Jazz zu verändern. Man distanzierte sich zunehmend von den Bebop Spielarten eines Charlie Parker und stellte sich selbstbewusst avant-gardistisch auf. Free Jazz – A Collective Improvisation - der Titel von Ornette Colemans Album von 1961 - wurde zum Programm dieser neuer Generation und zum Koordinatensystem einer neuen Musik, des New Thing, wie LeRoi Jones es nannte.

Im Seminar wollen wir den von Coleman vorgeschlagenen Prinzipien der Improvisation, des Kollektiven und des Strebens nach Freiheit in dieser Musikkultur folgen. Anhand von konkreten Fallbeispielen untersuchen wir die musikalische, kulturelle, politische und ästhetische Bedeutung des Free Jazz in den 60er und frühen 70er Jahren; in erster Linie hörend, indem Studierende einzelne Akteure untersuchen und vorstellen, z.B. Coleman, John Coltrane, Don Cherry, Cecil Taylor, Albert Ayler, Alice Coltrane, Archie Shepp oder AACM. Gemeinsam wollen wir dann die Diskurse beleuchten, die diese vitale Phase des Jazz in den USA gekennzeichnet hat: u.a. das Verhältnis zur Tradition, politische Widerstände, Civil Rights Movement, Rassismus, Improvisation, Kollektivität, Spiritualität, Beziehung zu Europa und Afrika. Hierfür lesen wir Texte von Musiker*innen selbst, aber auch von Kritiker*innen, Historiker*innen und Theoretiker*innen. Der Großteil der Texte wird auf Englisch gelesen.

Ziel des Seminars ist es, einen Überblick über die Musikkultur und deren Akteure zu gewinnen und darüberhinaus weitergehende Frage zu stellen: Was war das Revolutionäre an The New Thing? Was ist das politische Potential dieser Musik? Inwiefern kann diese Musik als Schwarze Musik verstanden werden? Was ist das Erbe dieser Musik? Wie und wo hat sich Free Jazz weiterentwickelt? Wie und wo ordnen wir die Musikkultur in einer Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts ein?

Literaturauswahl:

Baraka, Amiri: Digging: The Afro-American Soul of American Classical Music, Berkeley / London 2009.

Jones, LeRoi: Black Music, New York 2010.

Jost, Ekkehard: Free Jazz. Stilkritische Untersuchungen zum Jazz der 60er Jahre, Hofheim 2002.

Lewis, George E.: A Power Stronger than Itself: The AACM and American Experimental Music, Chicago / London 2008.

Spellman, A.B.: Four Lives in the Bebop Business, New York 1985.

Wilmer, Val: As Serious As Your Life: Black Music and the Free Jazz Revolution, 1957-1977, London 2018.

Was passiert, wenn die Stimme versagt? Zum Beispiel im Stottern und im Verhaspeln von Worten? Es ist dann, als ob etwas Fremdes die Stimme einholt, als ob da etwas auf den Stimmbändern sitzt, das nicht Ich ist. Ähnlich verhält es sich mit dem Stimmbruch, der den Klang der Stimme verändert. Aber was ist diese andere Stimme? Meine eigene oder eine andere Identität? Ein anderer Körper? Ein anderes Wesen? Statt Sprache und Kommunikation offenbart die versagende Stimme ihre körperliche Gebundenheit, womöglich ihr Geschlecht – bzw. im Falle des Stimmbruchs, die immer schon fragwürdige Festschreibung eines binären Geschlechts. In der Stimme, gerade wenn sie versagt, klingt etwas anderes mit als Kommunikation.

In diesem Seminar wollen wir uns mit Theorien der Stimme befassen und anhand von Beispielen dem Phänomen Stimme auf die Spur kommen. Gerade die musikalische Stimme, als eine immer schon performante Stimme, eignet sich hierbei besonders gut als Anhörungsbeispiel. Beispiele können u.a. sein: Praktiken des Jodelns, wo das „Brechen“ der Stimme eine eigenständige Ästhetik bildet, experimentelle Stimmpraktiken von Joan La Barbara oder Diamanda Galás oder Stimmen, die im Laufe ihres Lebens sich verändern. Die Texte, die wir zu jeder Sitzung lesen, kommen aus den Pop Music Studies, der psychoanalytischen Kulturtheorie, aus den Sound Studies, aus Queer Theory und Voice Studies. Begleitend zur theoretischen Textlektüre bringen Studierende zu den Sitzungen Beispiele mit, die wir im Kurs anhören und kritisch diskutieren wollen.

Der Großteil der Texte wird auf Englisch gelesen, grundlegende Englischkenntnisse sind daher von Vorteil.

Johann Sebastian Bach: Choralkantaten-Jahrgang

Dienstag, 18:15–19:45 Uhr (erstmals am 28. März)

Raum 8.28 (oder online nach Ansage)

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 27. März 2023.

Bachs offenkundiger Hang zum enzyklopädischen Komponieren realisiert sich in der Vokalmusik am deutlichsten mit dem Zyklus der Choralkantaten (1724/25). Prägendes Element ist dabei die Kombination von protestantischem Choral und «moderner» Kantate, wie auch die nahezu systematisch ausgelotete Vielfalt der damit verbundenen kompositorischen Möglichkeiten. Im Zentrum des Seminars stehen daher neben den musikgeschichtlichen Voraussetzungen auch Analysen der teilweise komplexen Eingangschöre wie auch ganzer Kantaten. – Der benotete Leistungsnachweis erfolgt durch ein Referat im Seminar und anschließender schriftlicher Ausarbeitung .

Einführende Literatur:

•   Alfred Dürr, Die Kantaten von Johann Sebastian Bach, München und Kassel 1985.

•   Friedhelm Krummacher, Bachs Zyklus der Choralkantaten. Aufgaben und Lösungen, Göttingen 1995.

•   Konrad Küster, Nebenaufgaben des Organisten, Aktionsfeld des Director musices. Die Vokalmusik, in: Bach-Handbuch, hrsg. von dems., Kassel 1999, S. 95–534 (hier: S. 242–291, Die Choralkantaten).

•   Markus Rathey, Der Zweite Leipziger Jahrgang – Choralkantaten, in: Bach-Handbuch, Bd. 1/1: Bachs Kantaten, hrsg. von Reinmar Emans, Laaber 2012, S. 331–450.

•   Friedhelm Krummacher, Johann Sebastian Bach, Die Kantaten und Passionen, Bd. 2, Stuttgart und Kassel 2018, S. 11–252.

Dienstag, 18–20 Uhr, Raum 8.28 (einzelne Termine nach Ansage per Zoom)

Beginn: 29. März 2022

 Begrenzte Teilnehmerzahl.

Verbindliche Anmeldung über Moodle bis einschließlich 29. März 2022.

Handelt es sich bei dem Concerto grosso in den Jahrzehnten um die Wende zum 18. Jahrhundert um eine zentrale Form großbesetzter Instrumentalmusik, so ent­wickelte sich das dreisätzige Concerto innerhalb kürzester Zeit zu einer innovativen Gattung, die Komponisten in ganz Europa in ihren Bann zog. Im Zentrum des Se­minars stehen die jeweils zugrunde liegenden Satztypen und ihre jeweils individu­elle Aneignung und Ausformung – von Corelli bis Händel und von Vivaldi bis Bach.

Einführende Literatur:

 •   Simon McVeigh und Jehoash Hirshberg, The Italian Solo Concerto, 1700–1760. Rhetorical Strategies and Style History, Woodbridge 2004.

•   Chappell White, From Vivaldi to Viotti. A History of the Early Classical Violin Concerto, Philadelphia 1992 (= Musicology Bd. 11)

•   Martin Witte, Das Verhältnis von Grosso- und Concertino-Tonsatz in den Concerti grossi Corellis, in: Die Musikforschung 24 (1971), S. 287–294.

•   Klaus Wolfgang Niemöller, Structura et sonus. Zum Verhältnis von Form und Klanggestalt im Corelli’schen Typus des Concerto grosso bei Geminiani und Händel, in: Händel-Jahrbuch 48 (2002), S. 183–190.

•   Andreas Pfisterer, Überlegungen zu Corellis Orchestermusik, in: Die Musikforschung 63 (2010), S. 35–52.

•   Terence Best, Handel’s op. 6 and the European concerto tradition, in: Göttinger Händel-Beiträge Bd. 6, Göttingen 1996, S. 70–84.

•   Wolfgang Schicker, Phrasentransposition und Ritornellgedanke. Aspekte formaler Gestaltung im norditalienischen Instrumentalkonzert zwischen 1692 und 1711, Tutzing 2010 (= Regensburger Studien zur Musikgeschichte Bd. 9).

•   Werner Braun, Antonio Vivaldi. Concerti grossi, op. 8, Nr. 1–4. Die Jahreszeiten, München 1975.

•   Bernhard Moosbauer, Antonio Vivaldi. Die Vier Jahreszeiten, Kassel 2010.

Musik entsteht erst in unserem Gehirn. In jedem Moment, in dem Klänge auf unser Ohr treffen, werden mit Hilfe unseres Gedächtnisses tausende sensorische Informationen gefiltert, sortiert, neu zusammengesetzt und mit bereits vorhandenen Erfahrungen im Langzeitgedächtnis abgeglichen. Erst durch diese komplexen und individuellen Prozesse können wir zum Beispiel zusammenspielende Instrumente voneinander unterscheiden, einzelne Tonfolgen als Melodien und Rhythmen identifizieren, Genre erkennen und emotional auf die Musik reagieren. So spielt unser Gedächtnis schon bei der Wahrnehmung von Musik eine entscheidende Rolle. Aber Gedächtnisprozesse sind auch entscheidend an allen anderen musikbezogenen Tätigkeiten wie (Re-)produktion, Improvisation, Komposition und dem Erlernen eines Musikinstrumentes beteiligt. Auch in der Musiktherapie wird die besondere Robustheit musikalischer Erinnerungen in der Demenztherapie erfolgreich genutzt. In diesem Seminar möchten wir uns anhand einzelner Beispiele diesem faszinierenden musikpsychologischen Forschungsbereich nähern.

Um die Musikpsychologie mit musikpädagogischer Praxis eng zu verzahnen, werden als Leistungsnachweise Unterrichtsmaterialen bzw. Unterrichtsentwürfe für den Musikunterricht erstellt.

Leistungsnachweis: Es wird eine regelmäßige Teilnahme inklusive aktiver Mitarbeit sowie die Erstellung von Unterrichtsmaterialen bzw. Unterrichtsentwürfen für den Musikunterricht erwartet.

Einführungsliteratur. Snyder, B. (2000). Music and Memory. Cambridge, MA: The MIT Press.

Vorlesung Musikwissenschaft (2 LP)

Prof. Dr. Hendrikje Mautner

Die „goldenen“ zwanziger Jahre – Musikkulturen der Zwischenkriegsjahre

Mittwoch 14.00-16.00 Uhr, OPR

Beginn: 16.10.2024

Die 1920er Jahre sind eine Zeit der Extreme und der Gegensätze: auf der einen Seite geprägt von wirtschaftlichem Aufschwung, von kulturellem Glanz und Glamour, von Vergnügen und Unterhaltung, auf der anderen von großen sozialen Unterschieden, Unsicherheit und Angst.

In kaum einem anderen Jahrzehnt existieren so viele unterschiedliche Musikstile nebeneinander wie in den „goldenen“ Zwanzigern: Schönbergs „Zwölftonmethode“ steht neben neoklassizistischen Strömungen oder einer „neuen Sachlichkeit“. Innerhalb weniger Jahre werden so unterschiedliche Bühnenwerke wie Alban Bergs Wozzeck, Giacomo Puccinis Turandot, Ernst Kreneks Jonny spielt auf und Brecht / Weills Die Dreigroschenoper uraufgeführt. Jazz und Swing begeistern die Massen, die Revuetheater feiern große Erfolge, der Schlager erobert über Radio und Grammophon auch die privaten Haushalte. Der Film entwickelt sich zu einem Massenmedium und die Filmmusik eröffnet ein neues Betätigungsfeld für Komponisten.

Wie beeinflussten künstlerische und gesellschaftliche Entwicklungen das Musikleben? Wer besuchte Konzerte, Opernaufführungen, Jazzclubs, Kinos und Revuen? In welcher Form und an welchen Orten kam Musik zur Aufführung? Was geschah in den Metropolen, und was an der Peripherie?

Die Vorlesung nimmt das lebendige (musik-)kulturelle Experimentierfeld der „roaring twenties“ in den Blick.

"Finis coronat opus", könnte man dem römischen Dichter Ovid folgend auch sagen, um das Finalproblem zu bezeichnen. Ich wählte für den Titel dieser Vorlesung eine schörkellosere Formulierung (was durchaus seinen Grund hat). Eine nähere Beschreibung und Literaturangaben finden Sie im KVV.

Bitte beachten Sie: Modulabschlussprüfungen finden bis zum Semesterende statt, nicht mehr im folgenden Semester.

Bitte beachten Sie den Kommentar im KVV.

mittwochs, 14-16 Uhr c.t., OPR

Beginn: 05.04.2023

Die Teilnahme an der ersten Sitzung ist zwingend, weil Modalitäten zum erfolgreichen Abschließen des Moduls besprochen werden (Prüfungsinhalte und -termine).

Bitte melden Sie sich unbedingt auch über Moodle als Teilnehmer an.

Dass sich die olympischen Götter der Antike wie Karikaturen verhielten, an die man nicht im religiösen Sinne glaubte, weil sie „alle schon von Anfang an von Offenbach waren“, ist eine der schönsten Pointen in Egon Friedells Kulturgeschichte der Neuzeit (1931). Treffend findet sich hier auch Offenbachs Konzept umrissen, real existierende Zustände in Verwaltung, Justiz, Krieg, Handel, Erotik und Geselligkeit aufzunehmen und über Rollentausch, Rausch und Revolte mit Lust und Spott zu übersteigern. Das ganz eigene Gesamtkunstwerk der Offenbachiade speist sich aus viele Quellen. Der Vater des Komponisten, Issac Eberst, wirkte in Köln als Wirtshausgeiger wie als Kantor und Vorsänger in der Synagoge. Offenbach ließ beide divergenten Erbteile in seine Werke einfließen. Vierzehnjährig verließ er Köln und setzte am Conservatoire in Paris seine Musikausbildung kurzzeitig fort. Für den Jardin Turc komponierte er Walzer und für die Salons gefühlvolle und virtuose Cellostücke. Seit dem Jahr der Pariser Weltausstellung 1855 führte er sein eigenes Théâtre des Bouffes-Parisiens mit pastoral-lyrischen, heiter-grotesken und bissig- parodistischen Stücken von Erfolg zu Erfolg. Die Mythenparodie Orphée aux enfers eröffnete 1858 die Reihe der mehraktigen Opéra bouffe. Im Zusammenwirken von Musik, Text und Bühne spiegelt Offenbachs Gesamtkunstwerk zugleich ein Stück Zeitgeschichte des Zweiten Kaiserreichs. Nach dem Ende des Kaiserreichs 1870 richtete Offenbach sein Genre als dekorative Féerie neu aus. Das Gattungsspektrum seiner Bühnenwerke reicht überdies von der Opéra comique (Fantasio u. a.) bis zur romantischen Oper (Die Rheinnixen). Offenbachs letztes Bühnenwerk Les Contes d’Hoffmann blieb eines der rätselhaften Fragmente der Operngeschichte. Aktuell setzen sich verstärkt Dirigenten der Historischen Aufführungspraxis wie John Eliot Gardiner und Marc Minkowski erfolgreich für Jacques Offenbach ein, einen der kompliziertesten Komponisten des neunzehnten Jahrhunderts.

Literatur zum ersten Einstieg

Siegfried Kracauer: Jacques Offenbach und das Paris seiner Zeit, Amsterdam 1937 (zahlreiche Neuauflagen).

Kreativität gilt als ein Leitbegriff der Musikpädagogik und Zieldimension des Musikunterrichts. Dies zeigt sich auch in seiner curricularen Verankerung in den meisten Bundesländern. Dabei zeichnet sich die musikbezogene Kreativitätsforschung (ebenso wie die nicht musikbezogene Kreativitätsforschung) durch eine große Heterogenität theoretischer Ansätze aus. Einen jüngsten Aufschwung hat die wissenschaftlich-pädagogische Auseinandersetzung mit Kreativität im Zuge der Diskussion um die 21st Century Skills erfahren, in deren Kontext Kreativität ebenso eine wichtige Rolle spielt.
Basierend auf dieser Forschungslandschaft werden in dieser Vorlesung verschiedene Strategien des Einsatzes von Kreativaufgaben und ihre erwartbaren lernrelevanten Folgen in den Blick genommen. Zentrale Fragen der Veranstaltung sind: Was ist Kreativität? Wie kann man Kreativität lernen? Wie musikspezifisch ist Kreativität? Wie erkenne ich als Musiklehrkraft, wie kreativ die Schüler:innen arbeiten?

2. Semester des ersten Grundkursmoduls

Inhaltlicher Schwerpunkt Form, Epochenschwerpunkt Wiener Klassik

Musiktheorie Modul II (3./4. Semester)

Di, 12-13 Raum 8.28, Beginn 8.10.24

Im dritten Modul Musiktheorie stehen Werke ab der Moderne bis zur Gegenwart im Fokus. Beginnend mit Werken der atonalen Phase Schönbergs und Weberns werden vorrangig Analyse- und Darstellungsmethoden vorgestellt und diskutiert. Zur Sprache kommen Einzelkomponisten wie Varèse, Messiaen, Boulez, Lutoslawski, Kurtág, Rihm, etc., aber auch Strömungen wie Minimal Music oder die musique spectrale. Am Abschluß steht eine mündliche Prüfung, in welcher ein ausgewähltes Werk der vergangenen 70 Jahre analysiert und dargestellt werden soll.